Littérature française et francophone (Licence nationale)

Ils sont tous deux Martiniquais. Ils ont tous deux lutté contre le colonialisme et l’héritage de la traite et de l’esclavage. L’un est célébré par la République française (Césaire), l’autre presque ignoré (Fanon).
L’analyse croisée de leur biographie et de leurs écrits éclaire les débats les plus actuels sur la mémoire des femmes et des hommes d’origine africaine et les difficultés à se débarrasser de l’aliénation coloniale.
Aimé Césaire (1913-2008 ; Cadastre 1961, Tragédie du roi Christophe 1963), le poète et le chantre de la négritude, député-maire de Fort-de-France, s’élève avec vigueur et lyrisme contre le passé de la colonisation. Il milite en faveur d’une autonomie négociée au sein de la République métropolitaine. Ses prises de position, tant littéraires, mémorielles que politiques, marquent fortement la communauté antillaise et plus généralement la diaspora africaine.
 Frantz Fanon (1925-1961 ; Peau noire, masques blancs 1959, L’an V de la révolution algérienne 1959, Les damnés de la terre 1961), médecin et psychiatre, se confronte aux faux-semblants identitaires des colonisés dans les départements d’Outre-mer et d’Afrique du Nord : ses consultations psychiatriques lui révèlent les stigmates infligés par leur statut aux Antillais et aux immigrés maghrébins et sahéliens. Il dénonce les pratiques asservissantes qu’impose l’assimilation et devient ainsi le porte-parole des générations contestataires.
 Ces deux fils de la Martinique ont atteint une dimension universelle qui aujourd’hui particulièrement nous donne la mesure et l’intelligence des attentes et des enjeux de l’ère post-coloniale.

Ce volume s’ouvre avec des pages inédites du Journal d’Alain sur la littérature. Elles permettent d’entrer immédiatement au cœur d’une oeuvre qui mêle étroitement philosophie et littérature, tant par ses thèmes que par sa forme, ainsi que le montrent les textes ensuite réunis. Ayant pour ambition de « changer la philosophie en littérature et, au rebours, la littérature en philosophie », Alain pense la littérature et l’écriture, philosophe à partir de romans, de poèmes (Balzac, Stendhal, Valéry), et fait de sa propre écriture philosophique un travail littéraire, s’attachant au « style ». Sa postérité témoigne également de ce lien : comme professeur de philosophie, comme écrivain et journaliste (on lui doit 3 498 Propos quotidiens de 1906 à 1914), il a influencé toute la pensée et l’écriture entre les deux guerres et au-delà – de Georges Canguilhem ou Simone Weil à Jean Prévost ou Julien Gracq.

Intense circulation, sur son compte, de clichés – l’inévitable « pape » ! – et d’idées fausses : le procureur solennel, insensible, sans humour… Tout cela lui a composé un masque marmoréen, mieux fait pour inspirer le respect, dirait-on, que d’autres sentiments. On ferait fausse route : il a suscité des attachements passionnés, éveillé une fascination qui ne semble pas près de s’éteindre, plus de vingt ans après sa mort. Avec des divergences, bien entendu : certains lui prêtent une autorité quasi paternelle, parfois écrasante, d’autres l’ont perçu comme un « antipère », quelques-uns ont laissé leur admiration tourner à la haine. Le sûr est qu’il ne fit jamais naître des sentiments tièdes. Ce rayonnement indéniable, identifié à celui du surréalisme, il a su l’étendre aux dimensions de la planète. À la fois mainteneur de ses postulats initiaux – la liberté, l’amour, la poésie – et inlassable découvreur de routes nouvelles. Qu’il ait été un théoricien et un animateur hors pair, cela n’aurait pas suffi à justifier une influence posthume qui reste considérable. On oublie facilement qu’il fut aussi, et avant tout, un créateur, un poète, celui qui transfigure le quotidien le plus banal. On l’oublie parce qu’il refusait de se donner un personnage d’écrivain et mettait plutôt l’accent sur son rôle d’ « entraîneur ». Il écrivait, disait-il, pour rencontrer d’autres hommes, et cette soif des rencontres résume toute sa vie. Une phrase de l’un de ses compagnons en surréalisme, Jehan Mayoux, fournit peut-être la clé d’un magnétisme inépuisable : « Jusqu’à son dernier jour il fut celui près de qui on se sentait tenu d’être davantage soi-même. » Date de première édition : 1987.

Dans les années soixante et soixante-dix, l’engouement pour Artaud avait atteint une frénésie dont on n’a plus guère idée aujourd’hui. Son prestige est devenu international : du Brésil, du Japon, d’Italie parviennent les échos de rencontres où il figure au premier plan. C’est qu’Artaud couvre tous les registres : cinéma, théâtre (à quoi on l’a longtemps un peu trop limité), mais aussi danse, musique, peinture, voyages et dérive, métaphysique, alchimie, poésie, psychiatrie, etc. On le rencontre à tous les carrefours de la pensée et de l’art contemporains, et partout, même s’il déroute d’abord, il a incité à aller plus loin. Sur sa route sont apparus et ont dialogué avec lui tous les plus grands noms de sa génération. Impossible, au XXe siècle, de ne pas le rencontrer à tous les niveaux. Depuis près de cinquante ans qu’il a disparu, les passions ne se sont pas éteintes, et la publication (encore inachevée) de ses Œuvres complètes a sans arrêt remis à neuf notre vision de lui. Bien entendu, il y a eu autour de son visage inspiré et tragique une foule de clichés : le dernier poète maudit, le fou prophétique, le gourou, le mystique, le martyr, l’écrivain sulfureux, l’homme du cri et de la transe, le révolté définitif, l’exterminateur de la comédie culturelle… Mais aucune de ces images toutes faites, si superficielle qu’elle apparaisse, n’est complétement dénuée de vérité. Artaud est seulement celui qui excède toutes les frontières et déracine toutes les généalogies. Qu’apporte ce volume, après tant de pages à lui consacrées ? Il vise à procurer l’essentiel : une synthèse, des documents neufs et un dossier où l’on trouvera en appendice (chronologie, théâtre, films, disques et bibliographie) les moyens d’une approche méthodique de l’auteur de Van Gogh, le suicidé de la société. Date de première édition : 1986.

Toute sa vie, Louis Aragon n’eut de cesse de reconstruire sa jeunesse. La récente révélation de sa correspondance avec André Breton et la publication des écrits intimes d’Eyre de Lanux, sa première maîtresse, bouleversent sa biographie. Aujourd’hui, il convient de rétablir la vérité. Médecin volontaire au front à l’été 1918, Aragon révèle en 1971 que son courage poussa son père, homme politique, à assumer sa paternité jusque-là dissimulée derrière des mensonges. Enfoui par un obus allemand, Aragon gagne une citation et écrit Anicet, un roman, qui lui vaut les foudres de Breton. Démobilisé, il le retrouve en train de créer Les Champs magnétiques en « écriture automatique ». Sans lui ! Enfin, c’est le temps où Aragon et Drieu la Rochelle deviennent intimes, avant qu’une rivalité amoureuse suscitée par une jeune Américaine, Eyre de Lanux, ne brise ce lien. Tous ces éléments jettent un jour nouveau sur Louis Aragon et éclairent sa jeunesse, celle d’un écrivain en guerre.

Comment et pourquoi le « fait historique » devient-il « fait fabuleux » ? Les études proposées dans ce recueil esquissent des réponses à ces questions, ou peut-être soulèvent de nouveaux questionnements, sur les deux recueils de René Char, Fureur et mystère et les Matinaux, que leur période de composition – avant et après 1945 – devrait séparer, mais que rapprochent l’interrogation du mystère de la poésie et l’exigence éthique, la réflexion sur la place du poète et la prise en compte de l’humain, la fascination pour une expérience singulière suivie pas à pas par l’écriture et le souci de rester proche de l’autre sans se livrer à lui.

Sous le titre Balzac, le texte et la loi, sont réunies dix-sept études que Michel Lichtlé a consacrées à l’auteur de La Comédie humaine, au cours de sa carrière universitaire, à laquelle ce volume rend hommage. Outre l’histoire du texte romanesque et de sa dimension politique, l’analyse approfondie que cet éminent balzacien a menée sur l’inspiration juridique de Balzac est ainsi tout particulièrement mise en lumière, et conclue par une synthèse bibliographique de référence. Marqué par un père pour qui « l’éducation d’un homme n’était pas complète […] s’il ne connaissait pas les législations anciennes et modernes et surtout les lois de son pays », Balzac a non seulement fait l’expérience de la basoche, mais il a reçu une formation juridique pointue à l’école du droit, dont le retentissement sur l’œuvre a été considérable. À parcourir La Comédie humaine, comment ne pas en effet être frappé par la diversité des procès, des affaires et des consultations d’hommes de loi variés et nombreux, par la profusion des références aux codes et la précision des analyses de leurs effets sur la vie publique et la vie privée ? Balzac n’est certes pas le seul romancier de son temps à s’être intéressé à la justice et au droit alors que le Code civil des Français, promulgué en 1804, voulu et reçu comme chef-d’œuvre absolu, accomplissait enfin le vieux rêve d’uniformisation du droit français. Il ne se contente pas de s’interroger comme d’autres sur la figure du criminel, sur la peine de mort ou sur le régime des prisons : sa vision, plus vaste, plus générale, plus profondément juridique, fait de La Comédie humaine l’œuvre d’un homme qui, dans le texte de la loi, sait reconnaître en juriste « des poèmes et des drames cachés » et écrire « de façon à émerveiller les hommes du métier », selon la célèbre formule de Théophile Gautier.

On lit et on s'intéresse à nouveau à Camus. Fallait-il écrire pour cela un livre? Y a-t-il même un intérêt à montrer l'actualité de sa pensée? Du tout! Ce collectif est d'abord une expérience, une mise à l'épreuve d'une pensée par la pensée. La vie de Camus, son travail servent de prétexte à penser à nouveau, à explorer d'autres chemins. Il s'agit de faire de Camus, une idée, d'en déployer l'idéalité, l'étendue, la densité, la qualité. Il s'agit de penser avec cette idée. La pensée ne pose que des questions ; elle ne se fige ni ne se fixe sur rien. Elle ne cherche pas la signification véritable d'une idée; elle l'expérimente, se met elle-même à l'épreuve de l'idée. Cet ouvrage surprendra certainement tous ceux qui, habitués à lire une œuvre en y cherchant la signification et le sens exacts (l'idéité), n'y trouveront rien de cela. Ils seront surpris des voies empruntées, des dérives pragmatistes, étonnés de ne pas retrouver l'auteur ni la pensée qu'ils ont tant aimée. Si Camus est une idée, c'est...

Si l'apport de la communauté juive à la société canadienne reste encore aujourd'hui méconnu, la littérature de cette communauté l'est tout autant. Un auteur s'y est pourtant intéressé il y a un peu plus de 25 ans. Dans Hundert yor Yidishe oun Hebreyshe literatur in Kanade, Haim-Leib Fuks a rédigé, en grande partie grâce aux collections de la Bibliothèque publique juive de Montréal, la biographie de 429 auteurs ayant écrit en yiddish ou en hébreu au Canada. Ceux-ci, dont la majorité sont venus d'Europe de l'Est entre 1900 et 1950, ont publié au Canada 271 ouvrages en yiddish et 43 en hébreu, en plus de plusieurs centaines d'autres dans leur pays d'origine ou aux États-Unis. Fuks répertorie tous ces ouvrages ainsi que les périodiques et journaux publiés en yiddish et en hébreu au Canada, pas moins de 135 en tout. Aucune autre étude parue depuis n'a réuni autant de renseignements sur la vie et les œuvres de ces auteurs. La traduction de Pierre Anctil donne enfin accès à cette manne d'informations. Elle permettra non seulement aux personnes intéressées de puiser dans la compilation de Fuks les éléments biographiques et bibliographiques nécessaires à la compréhension de la littérature yiddish, mais aussi de lever en partie le voile sur l'apport culturel et social des Juifs est-européens à la société canadienne au XXe siècle. Saviez-vous que la littérature yiddish canadienne est la plus importante en langue non-officielle au pays ?

La quête du Graal, le roi Arthur, la Table ronde, les chevaliers Yvain, Lancelot, Perceval : ces emblèmes du Moyen Âge habitent notre imaginaire et le nourrissent d’aventures, d’amour courtois et de bravoure. Leur créateur, Chrétien de Troyes, source du roman français, occupe la curieuse position « d’un écrivain pour tous et pour personne ». Tout le monde connaît ses histoires, mais la lecture de ses œuvres originales est plus rare. Estelle Doudet enquête sur la vie d’un auteur prolixe mais discret, qui reste une ombre derrière la page, un nom qui ne fait pas deviner celui qui l’écrit. Pourtant, les héros qu’il a créés et les intrigues qu’il a tissées sont autant d’indices sur la trame d’une vie. À travers elle se dessine la société du XIIe siècle, ses particularités linguistiques, sociales et culturelles, ses violences et ses idéaux. Dans un parcours entre réalité et imaginaire, l’ouvrage interroge une œuvre en son temps : pourquoi, comment devient-on romancier au Moyen Âge ?

Ce volume ouvre une réflexion d’ensemble sur des ouvrages qui voient le jour en une décennie et cultivent, chacun à sa manière, l’art de la varietas et de la bigarrure. Dans la France des années 1580 fleurissent en effet de nombreux recueils mêlant récits et dialogues, anecdotes, bons mots, propos philosophiques et moraux, en particulier L’Esté de Bénigne Poissenot (1583), Les Bigarrures d’Étienne Tabourot des Accords (1572 et 1585), les Contes et Discours d’Eutrapel de Noël du Fail (1585), Les Neuf Matinées (1585) et Les Apresdisnées (1586) par le seigneur de Cholières et Les Serées de Guillaume Bouchet (1584-1598). Ces exemples permettent d’interroger un genre problématique, souvent mal reçu par la critique et qui a pu souffrir de sa proximité temporelle – et parfois formelle – avec les Essais de Montaigne.

De l'écrit à l'écran est le premier ouvrage qui aborde la problématique de la réécriture filmique du roman africain francophone. L'ouvrage est composé de deux parties indépendantes. Dans la première partie l'auteur synthétise les œuvres romanesques préexistantes qui ont été adaptées à l'écran. Dans la deuxième partie qui s'articule sur trois temps, il se réfère aux idées de Comolli et de Habermas selon lesquelles la technologie et l'esthétique sont au service de l'idéologie pour allier culture et politique. L'auteur poursuit son argumentation en traitant de deux sujets particulièrement à propos: la place des femmes dans la société, la littérature et le cinéma africain et l'aspect ludique dans ce cinéma complexe dans cette ère post-coloniale.

D’About à Zigomar, des premiers romanciers apparus après la Révolution de 1789 aux auteurs du XXIe siècle, voici un panorama complet du roman populaire francophone (France, Belgique, Québec). Souvent condamné pour son caractère mercantile, pour ses personnages sans épaisseur et sans vraisemblance, à travers des intrigues et un style stéréotypés, dévalorisé sous les appellations de « romans à quatre sous », « littérature de gare », « para-littérature » ou « sous-littérature », ce domaine constitue cependant la majeure partie de la production littéraire. Les 500 notices de ce Dictionnaire du roman populaire francophone présentent les principaux auteurs du domaine, connus ou moins connus : A. Dumas, F. Soulié, E. Sue, M. Zévaco, P. Féval, X. de Montépin, J. Mary, Delly, J. Moselli, G. Simenon, H. Musnik, R. Barjavel, P. Daignault, A. Héléna, B. Werber, D. Pennac, etc. Mais aussi les grands personnages de notre patrimoine (Rocambole, Fantômas, Angélique, Monte-Cristo, Maigret, Arsène Lupin, Bob Morane), les principaux éditeurs et leurs collections, les types de personnages, les principaux illustrateurs, les grands genres (roman judiciaire, fantastique, science-fiction, roman historique, récit sentimental, roman d'aventures, western, roman policier, etc.). Deux aspects originaux complètent ce panorama. Des articles présentent les conditions d'édition de cette littérature (journaux, fascicules, revues, colportage, censure, série). Et des écrivains d'aujourd'hui interviennent çà et là pour situer leur propre création littéraire par rapport aux romans populaires.

L’importance du voyage dans la fiction romanesque à l’âge baroque n’est plus à démontrer. Dans le sillage des héros grecs, les protagonistes des romans français s’aventurent de plus en plus nombreux au-delà des mers. Plusieurs d’entre eux aboutissent en Amérique, en Asie et même parfois en Afrique. L’horizon romanesque, faisant écho à la vogue des relations de séjour en pays éloignés, se dilate et investit des régions jusqu’alors méconnues. Toutefois, les pays étrangers sont loin de jouir d’une égale faveur de la part des écrivains. Alors que la Barbarie et l’Empire ottoman forment des terres de prédilection pour nouer des intrigues galantes, l’Afrique noire, l’Amérique septentrionale et la Scandinavie, le plus souvent boudées, restent des destinations aléatoires, où les héros de romans aboutissent malgré eux. Cet ouvrage de synthèse met ainsi au jour les disparités qui opposent les grandes aires géographiques de la planète dans l’imaginaire du temps. Miroir des préjugés de l’époque, l’exotisme romanesque n’est toutefois pas aussi fantaisiste que certains critiques ont voulu le faire croire. Bien au contraire, les descriptions des ailleurs lointains s’appuient le plus souvent sur des sources livresques de première ou de seconde main, qu’il s’agisse des écrits des cosmographes, des comptes rendus de missions, ou encore des récits de découverte. Cette étude met au jour la dette de ces auteurs envers la littérature viatique, comme on l’appelle le plus souvent maintenant. Loin de constituer des inventions purement originales, les êtres insolites que Gomberville, de Norsègue et Brémond imaginent dans les vastes étendues de l’Afrique ou de l’Amérique ont quelque ancêtre chez les historiens de l’Antiquité ou les compilateurs de la Renaissance. Cette exploration du lieu fictif s’inscrit donc dans une perspective archéologique remontant au fil des textes à travers les âges.

Cet ouvrage analyse le rôle de figures tutélaires dans l’émergence et la légitimation des littératures francophones : De Coster en Belgique, Ramuz en Suisse romande, Amrouche en Afrique du Nord, Senghor en Afrique subsaharienne, Césaire aux Antilles, Miron au Québec. Il propose dans le même temps une lecture de l’héritage critique à travers les textes fondateurs qui ont marqué un tournant décisif dans l’histoire par les visions politiques et les interrogations qu’ils ont suscitées et par l’imaginaire qu’ils ont nourri ou développé. Comment cet héritage est-il aujourd’hui accueilli et conceptualisé ? Des critiques et des écrivains, notamment Marie-Claire Blais, Jacques Chessex, Hélène Doiron, Sylviane Dupuis, Eugène Ébodé, Majid El Houssi, Nabile Farès, Jean Louvet, Daniel Maximin, Jean Métellus, Pierre Mertens, Tierno Monénembo, Clara Ness, Dominique Noguez, Leïla Sebbar, ont suggéré des lignes de force d’une histoire littéraire inédite, dont les langues sont à la fois des enjeux et des médiums.

La critique nervalienne a été, en grande partie, celle d’une non-lecture, d’une « indisposition » devant un texte qui ne réconfortait pas le lecteur dans son être et désignait au contraire d’incroyables lignes de fuite. Aurélia n’était, dans l’esprit de son auteur, ni une conception récente, ni un caprice accidentel. C’est le résultat autour duquel tournaient depuis longtemps ses pensées, et auquel l’amenaient graduellement ses derniers ouvrages. […] Le thème fondamental n’est autre que ce problème qui a tenté plus d’un grand esprit dans les littérateurs modernes étrangers. Goethe, en dernier lieu, a appliqué dans l’épopée de Faust les forces de sa puissante intelligence, ‒ la combinaison du naturel et du surnaturel dans la vie humaine. Seulement là où Goethe, en vertu de la nature panoramique de son esprit, avait appelé à lui tout le prestige de la légende, et, pour ainsi dire, la mise en scène de l’histoire universelle, Gérard, plus modestement si l’on veut, mais plus courageusement selon moi, s’était placé en pleine civilisation moderne, en plein monde contemporain.

Il ne s’agit pas de répéter ici ce que l’on trouve dans les éditions critiques ou annotées, mais d’essayer de répondre à des questions qui se posent au sujet des deux drames les plus célèbres de Victor Hugo : Hernani et Ruy Blas. Au-delà de l’empreinte des souvenirs espagnols de l’auteur, ne portent-ils pas la trace de ses lectures du théâtre espagnol, voire allemand ? Ne sont-ils pas des drames politiques plus qu’historiques, mais alors ne se prêtent-ils pas à des lectures différentes ? Ouvrent-ils la voie au réalisme ou exhibent-ils leur théâtralité ? En quoi consiste leur lyrisme ? Comment s’y manifeste l’ironie ? Le spectaculaire et le caché ne font-ils pas sens ? La destination scénique des textes n’impose-t-elle pas de tenir le plus grand compte de ce qui, dans les didascalies comme dans le dialogue, appelle une représentation ? Les articles successifs du plus fameux des combattants de la bataille d’Hernani, Gautier, témoignent-ils de l’entrée des deux drames dans l’histoire littéraire ou y contribuent-ils ? Quels débats la mise en scène de Ruy Blas par Vilar, devenue historique, a-t-elle soulevés ?

Que peut être une image écrite, comment peut-on la lire ? Le présent ouvrage est consacré à l’étude de cette question de méthode, élaborée à travers une lecture « visuelle » de Proust. Dans l’œuvre de cet auteur, les rapports entre texte et image sont explorés dans toute leur complexité, sans réduction de l’abîme qui sépare le domaine visuel proprement dit du domaine langagier. Nul passage ne démontre plus clairement la portée paradoxale de l’image littéraire que cette mise en abyme répétée où la signature de Gilberte, l’amie d’enfance du héros de La recherche, fait l’objet d’une description graphique.

Tout semble dit parfois sur le siècle de Rabelais, Du Bellay, Ronsard, Montaigne… mais leurs contemporains s’appellent Postel, Ramus, Bodin, génies moins célébrés. Érasme lui-même l’est-il vraiment ? Redonner la vie à des figures trop classiques et en retrouver la complexité, faire surgir d’autres figures plus effacées, tel est le projet de cet ouvrage. Daniel Ménager a voulu éviter de comprendre la Renaissance à la lumière de nos connaissances actuelles, de la voir avec le regard déformant de notre culture. Éviter l’anachronisme, c’est se demander comment les contemporains de Rabelais ont pu comprendre Rabelais ou se méprendre sur son compte. Sentir l’homme du XVIe siècle à travers sa sensibilité, juger de ses élans et de ses passions comme il pouvait lui-même en juger, c’est là une des exigences auxquelles ce livre a voulu satisfaire. Il est une invitation à mieux connaître un siècle qui vécut et pensa avec passion ; il est également un outil de travail incomparable pour le lecteur curieux de parcourir les innombrables sentiers d’une littérature séduisante.

De sa naissance en 1712 à la publication de la Lettre à d’Alembert en 1760, Raymond Trousson retrace dans cette première partie de sa biographie de Rousseau, les étapes de La marche à la gloire : fugue, conversion, errance et bohème ; de Genève à Paris en passant par Lyon et Turin, de Madame de Warens à Madame d’Houdetot, de Diderot à d’Alembert. Jusqu’en 1749, ses échecs ont été sa chance. Si on avait bien reçu son système de notation musicale, s’il avait pu percer dans la carrière diplomatique, si l’on avait applaudi ses Muses et admiré son Narcisse, l’appel de l’Académie de Dijon mettant au concours le sujet : « Le rétablissement des sciences et des arts a-t-il contribué à épurer les mœurs ? » n’aurait rien réveillé en lui. Mais il n’a pas réussi, malgré ses efforts, pour se mettre au diapason du monde. Il peut donc affirmer la vertu et la pauvreté contre le luxe, le brillant et les faux-semblants. Tout ce qui précède son Discours sur les arts et les sciences ne comptera plus. Hugo a un mot pour cela : « Les bêtises que je faisais avant ma naissance. » Avec le Discours, Rousseau va pouvoir dire sa singularité, sa différence et crier au monde : Je suis Rousseau ! Grâce à sa réelle connaissance de l’homme comme de l’époque, ce siècle des lumières qu’il décrit en profondeur, l’auteur analyse en psychologue délicat les contradictions de l’homme et de son temps, de l’écrivain et de la vie. « Voici, disait Rousseau à propos des Confessions, le seul portrait d’homme peint exactement d’après nature et dans toute sa vérité. » Sur le « divin Jean-Jacques » complexe et complexé, contradictoire et sincère, innocent et coupable, Raymond Trousson signe ici un livre informé et vivant, véritable ouvrage de référence.

En 1999, Pierrette Sartin confiait à la revue « Le Cri d’Os » un article où elle écrivait notamment : « Esprit indépendant s’il en fut, Jehan Despert n’appartient à aucun cercle, aucun clan, aucune école... Cavalier seul, il tenta de réconcilier par l’amour charnel sublimé l’Eros et la Foi, ce que, me semble-t-il, aucun poète avant lui n’avait tenté avec une telle force... Une plus longue étude qui engloberait la totalité de son œuvre, serait nécessaire pour analyser la pensée et le talent de Jehan Despert... Il ne semble pas que la quête spirituelle à laquelle Jehan Despert se consacre depuis des lustres n’a jamais été tentée sous cette forme...! ». Ce souhait est ainsi comblé par une étudiante, Celeste Boccuzzi, dans cette thèse soutenue devant le jury de l’Université de Bari (Italie), sous la direction du Professeur Giovanni Dotoli.

Le 2 octobre 1905, José-Maria de Heredia disparaissait. Cent ans après, que reste-t-il de son œuvre et quelle est sa place dans l’histoire de la littérature ? La critique ne peut plus s’en tenir aux poncifs sur la « perfection formelle du sonnettiste » et sur « l’art enluminé des Trophées ». Il est temps de redécouvrir celui que Paul Valéry désignait en 1890 comme le « conquistador de la vraie Poésie ». Date de première édition : 1999.

L’étonnant succès du Crève-Cœur ne peut s’expliquer uniquement par les « circonstances » de la composition des vingt-deux poèmes (octobre 1939-octobre 1940) et de la parution du recueil (1941). Aragon a considéré ces vers comme marquant un tournant dans la forme de sa poésie. La facture des alexandrins est examinée essentiellement du point de vue de leur structure rythmique, à la lumière de l’analyse stylistique. Cette étude permet de cerner la forme poétique adoptée par le poète, après mûre réflexion, pour être le véhicule d’un message à portée politique, destiné au plus grand nombre. Le rapprochement des données proprement techniques avec les déclarations de l’auteur sur ses intentions permet aussi de dater exactement le moment où Aragon choisit d’élargir son « audience » et d’utiliser cet « instrument chantant » auquel il ne renoncera jamais totalement par la suite. Date de première édition : 1988.

Robert Challe, polygraphe installé à la charnière des XVIIe et XVIIIe siècles, et dont les œuvres influencèrent Marivaux, l’abbé Prévost, Voltaire, Rousseau, Diderot, Choderlos de Laclos, Restif de la Bretonne, Sade… resta longtemps un auteur invisible, puisqu’il travaillait dans l’anonymat. Le corpus de ses écrits s’est accru de plusieurs ouvrages de première importance au cours du demi-siècle écoulé. Toutefois, chacun des textes majeurs de l’écrivain est longtemps resté cantonné dans un genre littéraire différent : roman, journal de voyage, traité philosophique. Le présent essai, rédigé par l’un des artisans de la résurrection du « silencieux auteur des Illustres Françaises », réalise une synthèse originale des recherches effectuées depuis une vingtaine d’années. Tout en mettant en évidence l’unité profonde de cette œuvre, il ouvre de nouvelles perspectives. Examinant l’organisation narrative du chef-d’œuvre romanesque de Robert Challe, Laurent Versini parlait d’échos, d’harmoniques et de contrepoint : les mêmes termes peuvent servir à caractériser l’ensemble de la production littéraire de Challe, auteur d’une série de variations sur les mêmes thèmes, qui se retrouvent dans ses romans, dans ses Mémoires, dans ses Difficultés sur la religion, et dont les échos retentissent encore dans le Journal de voyage aux Indes orientales paru en 1721.

Dans leur usage paradoxal des masques littéraires, les auteurs de langue française en arrivent parfois à mettre en jeu leur propre qualité d’écrivain. Ils se détournent ainsi de l’« autorité » qui leur a été affectée par l’institution littéraire, renversent les canons et invalident les champs esthétiques ; ils négocient donc une nouvelle posture, libre, proche de celle du lecteur-interprète ou du « marqueur de paroles ». Le masque sert aussi à « désacraliser », à « désolenniser » la posture de l’écrivain démiurge, à préserver sa disponibilité devant les défis du moment et à couvrir son accès au mystère. La reconduction du masque initial ‒ la psychose originelle en somme ‒ transparaît sous des formes en mutation. Ces formes sont élaborées comme des masques en(-)jeux par des écrivains comme Michel de Ghelderode, Kateb Yacine, Mouloud Mammeri, Yasmina Khadra, Patrick Chamoiseau, Salvat Etchart, et de manière encore plus accentuée par les écrivains louisianais. On découvre aussi les jeux de masques, ces usages, exercices, stratégies, opérations de séduction et carnavals narcissiques, réinterprétés par une lignée d’auteurs où dominent les femmes : Colette, Paul Willems, Suzanne Lilar, Maria Van Rysselberghe, Amélie Nothomb, Réjean Ducharme, Madeline Monette, Gilbert Laroque, Daniel Maximin, Ananda Devi.