Littérature française et francophone (Licence nationale)

Si l’on connaît la portée de l’œuvre romanesque et des écrits journalistiques d’Émile Zola, on sait moins que plusieurs de ses ouvrages ont été adaptés en pièces de théâtre, notamment lyrique avec le compositeur Alfred Bruneau. En réussissant à convaincre Zola de porter sur scène ses œuvres littéraires, il donna naissance à une esthétique nouvelle, le naturalisme musical, qui s’imposa brièvement sur les scènes lyriques parisiennes. Cet ouvrage nous révèle une facette méconnue de l’histoire de la musique et de l’œuvre d’Émile Zola. Étroitement associés à son écriture romanesque, les drames musicaux issus de sa longue collaboration avec Alfred Bruneau constituent un chaînon essentiel de son œuvre et contribuèrent à élargir la portée du mouvement naturaliste.

On ne saurait plus aujourd’hui assimiler la littérature naturaliste française à « l’école de Médan » ni à l’esthétique de la « tranche de vie ». Apparenté à des catégories littéraires plus générales, à d’autres genres et même à des types de discours non littéraires, le naturalisme entretient des relations dérivées ou transgressives avec des modèles qui proviennent de traditions « génériques » fort différentes. Démontrer et analyser la « généricité » de la fiction naturaliste, tel est le propos de David Baguley. Il dégage des récurrences et des combinaisons de traits et d’effets qui vont du tragique le plus pitoyable jusqu’aux inventions satiriques et parodiques les plus outrées. La fiction naturaliste n’apparaît plus alors comme le simple miroir de la réalité ; elle mobilise les stratégies de l’art réaliste pour aboutir à une littérature active, « performative », qui provoque, émeut, scandalise, inquiète et séduit le lecteur sur tous les plans : sur celui des mœurs, mais aussi sur celui de la mémoire culturelle. Date de première édition : 1995.

Dans ces pages délicieuses et tendres, nous découvrons un Zola méconnu : le petit garçon jouant avec son camarade Paul Cézanne dans la cour de récréation, à Aix ; le jeune homme à la conquête de Paris, hésitant entre journalisme et littérature ; l’écrivain affermi peuplant nos rêves de personnages inoubliables... Avec amour et talent, Denise Le Blond-Zola nous invite à rencontrer son père, à vivre à ses côtés : chez lui à Paris ; dans les secrets de son atelier d’écriture ou pendant ses enquêtes ; à Médan, avec ses amis, Flaubert, Daudet, Goncourt et quelques autres ; dans ses joies et dans ses luttes ; pour le pire comme pour le meilleur... Au fil des pages se dessine ainsi, et pour notre plaisir, la figure d’un écrivain immense, mais aussi celle d’un père. Date de première édition : 1931.

Ce volume s’ouvre avec des pages inédites du Journal d’Alain sur la littérature. Elles permettent d’entrer immédiatement au cœur d’une oeuvre qui mêle étroitement philosophie et littérature, tant par ses thèmes que par sa forme, ainsi que le montrent les textes ensuite réunis. Ayant pour ambition de « changer la philosophie en littérature et, au rebours, la littérature en philosophie », Alain pense la littérature et l’écriture, philosophe à partir de romans, de poèmes (Balzac, Stendhal, Valéry), et fait de sa propre écriture philosophique un travail littéraire, s’attachant au « style ». Sa postérité témoigne également de ce lien : comme professeur de philosophie, comme écrivain et journaliste (on lui doit 3 498 Propos quotidiens de 1906 à 1914), il a influencé toute la pensée et l’écriture entre les deux guerres et au-delà – de Georges Canguilhem ou Simone Weil à Jean Prévost ou Julien Gracq.

Sous le titre Balzac, le texte et la loi, sont réunies dix-sept études que Michel Lichtlé a consacrées à l’auteur de La Comédie humaine, au cours de sa carrière universitaire, à laquelle ce volume rend hommage. Outre l’histoire du texte romanesque et de sa dimension politique, l’analyse approfondie que cet éminent balzacien a menée sur l’inspiration juridique de Balzac est ainsi tout particulièrement mise en lumière, et conclue par une synthèse bibliographique de référence. Marqué par un père pour qui « l’éducation d’un homme n’était pas complète […] s’il ne connaissait pas les législations anciennes et modernes et surtout les lois de son pays », Balzac a non seulement fait l’expérience de la basoche, mais il a reçu une formation juridique pointue à l’école du droit, dont le retentissement sur l’œuvre a été considérable. À parcourir La Comédie humaine, comment ne pas en effet être frappé par la diversité des procès, des affaires et des consultations d’hommes de loi variés et nombreux, par la profusion des références aux codes et la précision des analyses de leurs effets sur la vie publique et la vie privée ? Balzac n’est certes pas le seul romancier de son temps à s’être intéressé à la justice et au droit alors que le Code civil des Français, promulgué en 1804, voulu et reçu comme chef-d’œuvre absolu, accomplissait enfin le vieux rêve d’uniformisation du droit français. Il ne se contente pas de s’interroger comme d’autres sur la figure du criminel, sur la peine de mort ou sur le régime des prisons : sa vision, plus vaste, plus générale, plus profondément juridique, fait de La Comédie humaine l’œuvre d’un homme qui, dans le texte de la loi, sait reconnaître en juriste « des poèmes et des drames cachés » et écrire « de façon à émerveiller les hommes du métier », selon la célèbre formule de Théophile Gautier.

Les littératures francophones dessinent des continents archipélagiques au gré de leurs « destinées voyageuses ». Habitant à la fois le socle fondateur des imaginaires français et le tremblement des pensées du monde, elles sont des isthmes que l’on parcourt en liberté en redécouvrant les lieux, les mots et les concepts et qui proposent à qui les écoute un discours éclairant sur le littéraire. Ce discours est celui qui, attentif aux fondations et au tutélaire, se tourne vers leurs reconfigurations perpétuelles dans et par le symbolique ; la littérature étant le lieu sans cesse inventé de l’effet, c’est là que se révèle, se dévoile et se pare le désir de s’enraciner dans une pensée du lien, de l’ailleurs et de l’intention. De l’origine au corps et aux corpus, les textes francophones sont des traces d’un désir toujours renaissant. Les études littéraires francophones sont un champ en perpétuelle constitution, ancré dans une turbulence essentielle qui protège contre les assignations identitaires et garantit une intranquillité épistémologique féconde. Au cœur de ce champ, Beïda Chikhi occupe une place singulière, déterminée par son parcours propre – de Batna à la Sorbonne –, mais surtout par une certaine manière de révéler des liens et des passerelles entre des corpus, des appareils critiques, des voix diverses. Écrivains et chercheurs se réunissent pour lui rendre un vibrant hommage, en déroulant chacun à sa façon le fil des questionnements, des cheminements et des enseignements de ce grand professeur de la Sorbonne. Articles scientifiques et textes inédits se répondent et construisent un livre multiple et fidèle à celle qui l’inspire, dont la structure tripartite expose successivement des réflexions sur l’origine et les filiations (« Éclosions, transmissions ») ; sur les déplacements, décentrements et contrechamps (« Destinées voyageuses ») ; des plongées dans les textes francophones enfin (« Tête à textes »). Un livre riche dans lequel se reflète un corpus toujours étonnant.

Si la construction de l’Extrême-Orient par les écrivains occidentaux est un fait littéraire largement étudié, bien rares sont les explorations des œuvres orientalistes d’auteurs eux-mêmes issus des anciennes colonies. Avertissement à qui s’attendrait à découvrir ici une prose subversive, ou simplement une vision plus réaliste du Vietnam de l’époque coloniale : quelques surprises l’attendent. Souvent, en effet, les romanciers ont fait leurs les clichés de l’orientalisme métropolitain. La construction de l’Autre ne se fait pas à sens unique, et l’invention de l’Occident par des auteurs d’Asie est aussi un phénomène fascinant. Là encore, on s’étonnera de voir que les oppositions simplistes entre culture et nature, matérialisme et spiritualité ou vitalité et passivité ne furent pas tant remises en cause que simplement renversées. Certains romans vietnamiens francophones « occidentalistes » se révèlent en cela tout aussi stéréotypés que leurs contre-modèles. Entre la vision de l’Orient comme un continent incapable de survivre sans la présence des Français et celle qui réduit l’Occident à une machine de conquête sans âme, y a-t-il eu une voie médiane ? Oui, et Ching Selao nous convainc sans peine que ces romans de l’entre-deux participent d’une désorientation discursive bien plus féconde pour l’imaginaire et la réflexion critique.

De la littérature considérée dans ses rapports avec les institutions sociales (1800) est un livre dont l’importance tient au rôle qu’il a joué dans la naissance de l’histoire littéraire et, plus généralement, des sciences humaines. Germaine de Staël s’y intéresse aux relations complexes que la littérature entretient avec la vie sociale et l’expérience historique, qu’elle conçoit comme les vecteurs par excellence de la transformation des mentalités, des cultures et des œuvres. Cette question des rapports au sein desquels s’invente la littérature l’invite surtout à appréhender l’histoire des nations européennes à la lumière d’une théorie de la perfectibilité, qui suppose le développement graduel et irréversible des connaissances humaines, et d’une définition nouvelle de l’écrivain, qu’inspire l’exigence de l’engagement. Dans un contexte où elle participe d’un monde en devenir, la littérature doit s’accomplir dans une parole capable de transformer ses aspirations et ses raisons en une volonté d’agir, c’est-à-dire en « une impulsion involontaire », voire en « un mouvement qui passe dans le sang ». Au sein de cette alliance entre la pensée et le sang s’affirme alors une conception des lettres indissociable d’une figure extrêmement originale de la rationalité, que Germaine de Staël désigne par la belle expression de « raison exaltée ». C’est cette idée dont les articles réunis dans cet ouvrage approfondissent le sens et la portée, en s’intéressant tour à tour à l’une ou l’autre de ces trois configurations : 1. Les impulsions du cœur et de l’esprit, ou la littérature dans ses rapports avec la République ; 2. La passion réfléchissante, ou la littérature dans ses rapports avec les femmes ; 3. La sensation investie par les idées, ou la littérature dans ses rapports avec la création. Avec des textes de Marc André Bernier, Michel Delon, Catherine Dubeau, Daniel Dumouchel, Gérard Gengembre et Jean Goldzink, Marie-Laure Girou-Swiderski, Angelica Goodden et Catriona Seth, ainsi qu’une bibliographie d’Isabelle Lachance.

Ce volume ouvre une réflexion d’ensemble sur des ouvrages qui voient le jour en une décennie et cultivent, chacun à sa manière, l’art de la varietas et de la bigarrure. Dans la France des années 1580 fleurissent en effet de nombreux recueils mêlant récits et dialogues, anecdotes, bons mots, propos philosophiques et moraux, en particulier L’Esté de Bénigne Poissenot (1583), Les Bigarrures d’Étienne Tabourot des Accords (1572 et 1585), les Contes et Discours d’Eutrapel de Noël du Fail (1585), Les Neuf Matinées (1585) et Les Apresdisnées (1586) par le seigneur de Cholières et Les Serées de Guillaume Bouchet (1584-1598). Ces exemples permettent d’interroger un genre problématique, souvent mal reçu par la critique et qui a pu souffrir de sa proximité temporelle – et parfois formelle – avec les Essais de Montaigne.

Ils sont tous deux Martiniquais. Ils ont tous deux lutté contre le colonialisme et l’héritage de la traite et de l’esclavage. L’un est célébré par la République française (Césaire), l’autre presque ignoré (Fanon).
L’analyse croisée de leur biographie et de leurs écrits éclaire les débats les plus actuels sur la mémoire des femmes et des hommes d’origine africaine et les difficultés à se débarrasser de l’aliénation coloniale.
Aimé Césaire (1913-2008 ; Cadastre 1961, Tragédie du roi Christophe 1963), le poète et le chantre de la négritude, député-maire de Fort-de-France, s’élève avec vigueur et lyrisme contre le passé de la colonisation. Il milite en faveur d’une autonomie négociée au sein de la République métropolitaine. Ses prises de position, tant littéraires, mémorielles que politiques, marquent fortement la communauté antillaise et plus généralement la diaspora africaine.
 Frantz Fanon (1925-1961 ; Peau noire, masques blancs 1959, L’an V de la révolution algérienne 1959, Les damnés de la terre 1961), médecin et psychiatre, se confronte aux faux-semblants identitaires des colonisés dans les départements d’Outre-mer et d’Afrique du Nord : ses consultations psychiatriques lui révèlent les stigmates infligés par leur statut aux Antillais et aux immigrés maghrébins et sahéliens. Il dénonce les pratiques asservissantes qu’impose l’assimilation et devient ainsi le porte-parole des générations contestataires.
 Ces deux fils de la Martinique ont atteint une dimension universelle qui aujourd’hui particulièrement nous donne la mesure et l’intelligence des attentes et des enjeux de l’ère post-coloniale.

La mort d'Alain Robbe-Grillet, en 2008, est à l'origine du colloque international Alain Robbe-Grillet : balises pour le XXIe siècle, tenu à l'Université d'Ottawa en juin 2009 et dont cet ouvrage constitue les Actes. Cette réunion avait pour objectifs de faire le point sur Robbe-Grillet et son œuvre, tant littéraire que cinématographique, désormais achevée, de la remettre en perspective avec les auteurs qui ont précédé l'écrivain, qui ont été ses contemporains ou avec les romanciers d'aujourd'hui, de marquer un bilan d'étape de la recherche et de lancer des pistes de réflexion pour l'avenir. L'ensemble est complété par de nombreux témoignages d'écrivains actuels et comporte plusieurs documents inédits.

Voici un ensemble de quelque 500 lettres – dont plus de la moitié n’ont jamais été publiées – d’Émile Zola à divers correspondants, de 1858 à 1902. Le célèbre écrivain s’adresse, parmi les proches et les fidèles, à sa femme Alexandrine, à Georges Charpentier, à Numa Coste et à Marius Roux. Parmi les collaborateurs et les disciples, on retrouve Huysmans et Maupassant ; parmi les écrivains et les journalistes contemporains, Paul Bourget, Jules Claretie, Alphonse Daudet et Mallarmé. Citons également l’illustrateur Gustave Doré, la romancière Georges de Peyrebrune et Louis Montchal, bibliothécaire genevois dont les nombreuses lettres adressées à Zola offrent un témoignage fascinant sur la réception du naturalisme dans la ville de Calvin. Cette richesse épistolaire laisse voir tour à tour le lycéen déraciné qui semble voué à une carrière d’ingénieur, le chef de la publicité de la librairie Hachette qui fait jouer le réseau de ses relations pour lancer ses premiers livres, le jeune journaliste confiant dans la vigueur de sa plume, le candidat à un poste de sous-préfet après la débâcle de l’Empire, ainsi que le créateur passionné de l’édifice des Rougon-Macquart. Ces 502 lettres offrent un complément à la volumineuse Correspondance précédemment publiée aux Presses de l’Université de Montréal en collaboration avec CNRS Éditions. Elles sont appelées à occuper une place de choix dans l’ensemble des œuvres de Zola et à renouveler ainsi notre connaissance de l’écrivain.

Le débat d’idées peut-il tuer le roman ? Les dix-huit études ici réunies montrent avec une grande originalité comment, au contraire, il vivifie le genre en influençant en profondeur le projet, la structure, l’écriture d’œuvres romanesques multiples et comment il constitue un facteur d’unité du roman français à travers les siècles. De Rabelais à Butor, de Mme de Lafayette à Martine Robier, de Robert Challe, Marivaux, Voltaire, Diderot, à Proust, Martin du Gard, Sartre, Vercors, Camus, Aragon, Simone de Beauvoir, en passant par Mme de Staël, Benjamin Constant, Stendhal, Eugène Sue, Flaubert, etc., le roman français invente des mises en scène, des dénouements, des inachèvements qui mettent en relief la confrontation des idées : conversations entre personnages, dialogues du romancier avec son lecteur, échanges entre les peuples de l’Europe, par exemple entre Allemands et Français, joutes théoriques des écrivains entre eux. Par sa large audience, le roman est un puissant moyen de diffuser les idées, que les particularités du genre modifient ou infléchissent inévitablement. La conclusion pessimiste de cette vaste enquête novatrice met en évidence les menaces que les évolutions récentes du genre font peser sur cette féconde tradition du roman français.

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance.

De Dada au surréalisme puis au communisme, la vie de Louis Aragon (1897-1982) aura été marquée par une relation inextricable entre son art et ses idées, faisant de lui l’archétype de l’artiste engagé. Remodelant cette image d’Épinal, Pierre Daix propose de montrer la complexité du personnage en quatre études, mêlant biographie et relectures. Aragon avant Elsa dessine, à partir de textes récemment révélés, le cheminement difficile du jeune homme vers le parti communiste, entre rencontres amoureuses et conflits avec le groupe surréaliste. Aragon et la peinture examine, de manière inédite, ses interventions sur la peinture, notamment sur Picasso – qui n’échappe pas au prisme du réalisme communiste – et sur Matisse – qui, lui, fera toujours exception. Enfin, Aragon et Paul Nizan et la Relecture de la fin des « Communistes » jettent de nouveaux éclairages sur les crises politiques de la guerre de 39-40 et l’ébranlement de l’engagement d’Aragon.

Cet ouvrage analyse le rôle de figures tutélaires dans l’émergence et la légitimation des littératures francophones : De Coster en Belgique, Ramuz en Suisse romande, Amrouche en Afrique du Nord, Senghor en Afrique subsaharienne, Césaire aux Antilles, Miron au Québec. Il propose dans le même temps une lecture de l’héritage critique à travers les textes fondateurs qui ont marqué un tournant décisif dans l’histoire par les visions politiques et les interrogations qu’ils ont suscitées et par l’imaginaire qu’ils ont nourri ou développé. Comment cet héritage est-il aujourd’hui accueilli et conceptualisé ? Des critiques et des écrivains, notamment Marie-Claire Blais, Jacques Chessex, Hélène Doiron, Sylviane Dupuis, Eugène Ébodé, Majid El Houssi, Nabile Farès, Jean Louvet, Daniel Maximin, Jean Métellus, Pierre Mertens, Tierno Monénembo, Clara Ness, Dominique Noguez, Leïla Sebbar, ont suggéré des lignes de force d’une histoire littéraire inédite, dont les langues sont à la fois des enjeux et des médiums.

« Je n’aime de l’histoire que les anecdotes », déclarait Prosper Mérimée (1803-1870). À découvrir la vie de cet autre enfant du siècle, il semble pourtant malaisé de séparer la première des secondes. La myriade d’aventures du père de Carmen, qui inspira le célèbre opéra du même nom, le lie intimement à tous les personnages et événements marquants de son temps. Tour à tour écrivain de génie, inspecteur général pour la protection des monuments historiques, prisonnier à la Conciergerie, académicien français, séducteur sans pareil, sénateur à 50 ans, et confident avisé des grand(e)s du siècle, Prosper Mérimée offre au lecteur une place de choix pour contempler ce fascinant XIXe siècle. Ainsi, lire Mérimée, c’est voyager au côté des auteurs les plus marquants de la littérature du siècle, Stendhal, George Sand et Victor Hugo pour ne citer qu’eux. Suivre Mérimée, c’est être engagé au plus près de l’intimité du Second Empire. Fréquenter Mérimée, c’est tout connaître de Paris, de ses salons et de ses intrigues. Voyager avec Mérimée, c’est partir pour la province et les monuments qu’il a la charge de sauver de la décrépitude. Vézelay, Saintes ou encore Orange en seront à jamais changés. Partir avec Mérimée, c’est visiter l’Europe, qui subit la secousse des guerres et des révolutions. L’année 1870 sonnera le glas des destins parallèles de l’empire et de cet homme admirable. La guerre ferme une fois pour toutes la parenthèse impériale. Mérimée décède peu après dans l’indifférence quasi générale. L’auteur de La Vénus de l’Ille et de Colomba mérite pourtant un autre sort que celui que lui réserveront la modernité et l’oubli qui lui est associé.

1961 : la cinéaste Nelly Kaplan adresse au poète André Pieyre de Mandiargues une invitation pour la projection de son film Gustave Moreau. Il y vint et fut séduit. Cela marqua le début d’une éblouissante amitié amoureuse où deux êtres libres déclinèrent à tous les temps les diverses facettes de l’érotisme, de l’insolence, de l’humour et de l’admiration réciproque. En témoigne cette correspondance joyeusement échangée pendant trois décennies, à travers laquelle ils n’ont eu de cesse de rire d’eux-mêmes et d’autrui, notamment quand les intrigues de ce que l’on appelle la République des Lettres inspiraient leurs commentaires. Ils parvinrent même à démasquer un « corbeau » à l’écriture aigrie et pitoyable, qui s’est avéré être un écrivain célèbre et respecté…

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. Vérité, troisième des Quatre Évangiles, publié en 1903 après la mort de Zola, est nourri par le souvenir de l'affaire Dreyfus. Mais celui-ci est transposé dans une intrigue qui substitue au martyre d'un officier juif injustement condamné dans une affaire d'espionnage, celui d'un instituteur laïc calomnié et persécuté par les tenants de l'école congrégationniste, dans une affaire de mœurs. Ce roman offre à la fois un hommage à ceux qu'on a appelés " les hussards " de la République et une réflexion moderniste sur les problèmes de l'éducation publique.

Dans leur usage paradoxal des masques littéraires, les auteurs de langue française en arrivent parfois à mettre en jeu leur propre qualité d’écrivain. Ils se détournent ainsi de l’« autorité » qui leur a été affectée par l’institution littéraire, renversent les canons et invalident les champs esthétiques ; ils négocient donc une nouvelle posture, libre, proche de celle du lecteur-interprète ou du « marqueur de paroles ». Le masque sert aussi à « désacraliser », à « désolenniser » la posture de l’écrivain démiurge, à préserver sa disponibilité devant les défis du moment et à couvrir son accès au mystère. La reconduction du masque initial ‒ la psychose originelle en somme ‒ transparaît sous des formes en mutation. Ces formes sont élaborées comme des masques en(-)jeux par des écrivains comme Michel de Ghelderode, Kateb Yacine, Mouloud Mammeri, Yasmina Khadra, Patrick Chamoiseau, Salvat Etchart, et de manière encore plus accentuée par les écrivains louisianais. On découvre aussi les jeux de masques, ces usages, exercices, stratégies, opérations de séduction et carnavals narcissiques, réinterprétés par une lignée d’auteurs où dominent les femmes : Colette, Paul Willems, Suzanne Lilar, Maria Van Rysselberghe, Amélie Nothomb, Réjean Ducharme, Madeline Monette, Gilbert Laroque, Daniel Maximin, Ananda Devi.

Robert Challe (1659-1721) est un grand écrivain français qui a été redécouvert : au cours des dernières décennies, son œuvre est progressivement sortie de l’ombre où l’avait jeté, notamment, le goût du secret de ce personnage hors du commun. Romancier des Illustres Françaises (1713), il est aussi l’auteur d’une suite de Don Quichotte, de récits de grands voyages maritimes, de mémoires et d’un traité philosophique déiste, Difficultés sur la religion proposées au père Malebranche (œuvres récemment rééditées ou retrouvées). Peintre hardi de la société française de la fin du règne de Louis XIV, il développe des idées originales en matière de morale, de religion, de relations familiales et amoureuses. Les passions sont au cœur de sa vie, de sa vision de l’humanité, de sa conception du bonheur et du tragique.

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. Paris est le troisième volume de la trilogie romanesque Les Trois Villes. Après Lourdes et Rome, Zola prend le Paris contemporain pour objet de I'enquête et de la fiction : les inégalités entre les classes sociales, la corruption parlementaire, le contraste entre les mondanités et la misère, les attentats anarchistes... Dans la capitale secouée par la crise politique et morale, on retrouve le personnage des deux romans antérieurs, Pierre Froment, que ses déceptions vont conduire à quitter l'Eglise. Dans le même temps, Zola fait jouer Messidor, Opéra dont il a écrit le livret, sur une musique d'Alfred Bruneau. Et il réunit en volume, sous le titre Nouvelle campagne, une année de chroniques au Figaro : problèmes de société, réflexions littéraires, critique d'art.

Louis de Rouvroy, duc de Saint-Simon (1675-1755), est célèbre pour ses Mémoires décrivant la vie à la Cour de Louis XIV. Écrivain talentueux, il fut à la fois un courtisan assidu et un opposant invétéré qui sut dévoiler les secrets de la vie versaillaise et dénoncer les bassesses du pouvoir. Conservateur et réformateur, acteur et témoin d'une époque controversée, cet observateur authentique regarda toujours ses contemporains d'un œil critique, avec justesse et non sans humour. L'homme qui s'inclinait devant le Roi et les princes savait aussi faire parler la voix de la raison. Georges Poisson nous révèle le vrai visage de cet homme aux multiples facettes. Seigneur éclairé, soldat, diplomate, mais aussi mari aimant et ami fidèle, il fut avant tout un historien passionné. Un mémorialiste des petits faits, plus que des grandes actions, qui léguera à la postérité des écrits justes et distrayants sur la haute société de son temps. Date de première édition : 1973.

Le « Grand Océan » ‒ entendons l’océan Indien ‒ fut-il à l’aube des temps le berceau de la race humaine ? Est-il aujourd’hui le tombeau d’un continent primitif englouti dont ne surnageraient plus que Madagascar et les trois îles de l’archipel des Mascareignes, La Réunion, Maurice, Rodrigues ? C’est ce qu’ont voulu croire quelques insulaires adeptes d’une science rêveuse (Jules Hermann, Malcolm de Chazal), soucieux de donner du sens à leur présence sur ces terres, pour certaines initialement vides, et de transformer en mythe d’autochtonie un lointain exil colonial. Cet ouvrage cherche à restituer la genèse de l’identité créole et de ses mythes fondateurs à partir du XVIIe siècle, retraçant la construction des représentations des îles de l’océan Indien d’abord chez des voyageurs de l’Âge Classique (Étienne de Flacourt, Urbain Souchu de Rennefort, François Leguat entre autres), puis dans la littérature, qu’elle soit « européenne » ou « insulaire » (Daniel Defoe, Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre, Antoine de Bertin, Évariste Parny, Alexandre Dumas, Loys Masson, Jean-Marie-Gustave Le Clézio). Une littérature dite « émergente » ne résulte pas forcément d’une rupture, mais se construit dans une continuité. L’auteur, dans le prolongement de ses précédents travaux met en évidence l’absence de frontières nettes entre les récits de voyage et la fiction de même qu’il suggère des relais entre la littérature française et la littérature francophone.

Il peut être passionnant de suivre une œuvre littéraire encore en expansion. Celle d’Assia Djebar en l’occurrence est aujourd’hui considérable, son palmarès de distinctions et de prix littéraires, impressionnant. Et malgré les années sombres, les départs massifs, les expatriations en tous genres, son lien avec la terre algérienne, ses souvenirs et ses promesses, reste indéfectible : elle le nourrit, le transforme, le sublime en le passant par tous les prismes possibles, de l’histoire à la transfiguration esthétique. Un complément d’expérience et de vécu s’est accumulé au fil du temps, du côté de la grande romancière comme du côté des lecteurs qui ont fait connaître ses tout premiers écrits. Livré dans cet ouvrage, ce complément s’est voulu « romanesque » et « historien » bien sûr, mais aussi « fantaisiste », c’est à dire attentif à la rêverie qui touche au secret de l’être, sensible à la caresse de la poésie, à l’esprit de la musique qui partout s’insinue, et plus subtilement encore dans les césures de l’Histoire. Les premières lectures, encore très actuelles dans l’usage de leurs concepts, dans leurs démarches et leurs effets, sont refondues dans la présente édition avec un intérêt soutenu pour l’écriture, y compris celle qui module les nouvelles, les récits et les essais, et donne à l’œuvre ces accents très particuliers, qui nous font dire : « ça c’est du Djebar ! »

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. On trouvera d'abord ici La Débâcle, publié en 1892 : histoire vraie de la guerre de 1870, et drame poignant vécu dans la tourmente des événements. Le Docteur Pascal, publié en 1893, termine la série des vingt Rougon-Macquart par un émouvant roman de passion amoureuse : reflet de la passion vécue par Zola avec Jeanne, la jeune femme qui lui donnera deux enfants. On lira aussi le livret d'un oratorio, Lazare, mis en musique par Alfred Bruneau, une série de préfaces, d'articles et de discours, un choix de la correspondance, ainsi que la chronologie et la bibliographie habituelles.

D’About à Zigomar, des premiers romanciers apparus après la Révolution de 1789 aux auteurs du XXIe siècle, voici un panorama complet du roman populaire francophone (France, Belgique, Québec). Souvent condamné pour son caractère mercantile, pour ses personnages sans épaisseur et sans vraisemblance, à travers des intrigues et un style stéréotypés, dévalorisé sous les appellations de « romans à quatre sous », « littérature de gare », « para-littérature » ou « sous-littérature », ce domaine constitue cependant la majeure partie de la production littéraire. Les 500 notices de ce Dictionnaire du roman populaire francophone présentent les principaux auteurs du domaine, connus ou moins connus : A. Dumas, F. Soulié, E. Sue, M. Zévaco, P. Féval, X. de Montépin, J. Mary, Delly, J. Moselli, G. Simenon, H. Musnik, R. Barjavel, P. Daignault, A. Héléna, B. Werber, D. Pennac, etc. Mais aussi les grands personnages de notre patrimoine (Rocambole, Fantômas, Angélique, Monte-Cristo, Maigret, Arsène Lupin, Bob Morane), les principaux éditeurs et leurs collections, les types de personnages, les principaux illustrateurs, les grands genres (roman judiciaire, fantastique, science-fiction, roman historique, récit sentimental, roman d'aventures, western, roman policier, etc.). Deux aspects originaux complètent ce panorama. Des articles présentent les conditions d'édition de cette littérature (journaux, fascicules, revues, colportage, censure, série). Et des écrivains d'aujourd'hui interviennent çà et là pour situer leur propre création littéraire par rapport aux romans populaires.

Michel Déon est, parmi les romanciers français de l’après-guerre, l’un des plus connus et l’un des plus importants. Cependant, malgré le succès publique et critique de ses romans (Le Jeune Homme vert, Les Poneys sauvages, Un taxi mauve…) et en dépit de travaux précurseurs menés par Thierry Laurent, Bernard Alavoine ou Marie-Hélène Ferrandini, son œuvre élaborée dans une certaine discrétion a rarement été l’objet d’études universitaires. Cet ouvrage, à l’initiative de Thierry Laurent et d’Alain Lanavère, contribue à réparer cet oubli en réunissant des chercheurs ‒ souvent fort connus ‒ autour de l’homme Michel Déon, de ses livres et de son parcours. Ainsi est né Michel Déon aujourd’hui. Déon reste pour nous ce jeune homme vert, ce stendhalien fervent qui a su procurer tant de plaisirs à ses lecteurs, qui les a distrait et fait rêver au bon sens du terme. Cela en fait une œuvre toujours d’actualité, car Déon reste un « virtuose du procédé narratif » (J.-M. Planes). On se laisse toujours emporter par le cavalier irlandais ou par le taxi mauve ; on va toujours avec autant de plaisir de Nazaré à Vancouver ou à Spetsai.

La littérature francophone du voyage met en scène trois lieux d’écriture : la patrie, la France, le monde. La patrie est, pour l’écrivain, le lieu du legs, de l’héritage, de la transmission fondamentale. La France, elle, est le lieu de la légitimation littéraire. Entre l’héritage et la nécessité du détachement se noue une tension que le monde se charge de transformer en élan. Trois lieux d’écriture à visiter en transhumance, en migrance, en exil, ou en « voyageur que le langage invente ». Nicolas Bouvier, Edouard Glissant, Assia Djebar, Malika Mokeddem, Slimane Benaïssa, Vicente Huidobro, Eduardo Manet, Andreï Makine, François Cheng, Farida Belghoul sont des exemples parfaits de ces écrivains qui, par leur destinées voyageuses, forgent de nouvelles poétiques et de nouveaux concepts littéraires.

Pourquoi un grand seigneur polonais, Jean Potocki (1761-1815) a-t-il écrit, en langue française, à côté de récits de voyages, d’écrits politiques et d’ouvrages historiques, un unique roman, Manuscrit trouvé à Saragosse ? Ce roman, commencé avant 1794 et terminé quand il se donne la mort en 1815, aura été son compagnon de vie ; mis en chantier trois fois selon des formules partiellement autonomes, non publié de son vivant, il se présente à nous comme une pelote de récits aux contours et à l’organisation mouvants. Un récent afflux de documents renouvelle aujourd’hui la face de cette question. Potocki n’a presque jamais rien dit de son roman, mais celui-ci se nourrit de biais de tous ses autres écrits ; surtout, ses remaniements à présent possibles à connaître révèlent en actes la conception de cet étrange romancier, qui à travers une multitude de situations et de personnages se parle à lui-même sa création. Cet imaginaire de la création est le sujet de la présente enquête, qui se double d’un essai sur le roman.

Si l'apport de la communauté juive à la société canadienne reste encore aujourd'hui méconnu, la littérature de cette communauté l'est tout autant. Un auteur s'y est pourtant intéressé il y a un peu plus de 25 ans. Dans Hundert yor Yidishe oun Hebreyshe literatur in Kanade, Haim-Leib Fuks a rédigé, en grande partie grâce aux collections de la Bibliothèque publique juive de Montréal, la biographie de 429 auteurs ayant écrit en yiddish ou en hébreu au Canada. Ceux-ci, dont la majorité sont venus d'Europe de l'Est entre 1900 et 1950, ont publié au Canada 271 ouvrages en yiddish et 43 en hébreu, en plus de plusieurs centaines d'autres dans leur pays d'origine ou aux États-Unis. Fuks répertorie tous ces ouvrages ainsi que les périodiques et journaux publiés en yiddish et en hébreu au Canada, pas moins de 135 en tout. Aucune autre étude parue depuis n'a réuni autant de renseignements sur la vie et les œuvres de ces auteurs. La traduction de Pierre Anctil donne enfin accès à cette manne d'informations. Elle permettra non seulement aux personnes intéressées de puiser dans la compilation de Fuks les éléments biographiques et bibliographiques nécessaires à la compréhension de la littérature yiddish, mais aussi de lever en partie le voile sur l'apport culturel et social des Juifs est-européens à la société canadienne au XXe siècle. Saviez-vous que la littérature yiddish canadienne est la plus importante en langue non-officielle au pays ?

La « tonalité tragique » qui baigne dans de nombreux textes antillais du deuxième XXe siècle ne se laisse pas réduire aux formes classiques du genre. L’engrenage implacable qui mène un héros à sa chute est ici remplacé par une latence mortifère, par une inquiétude originelle : la Catastrophe finale est renversée par un Désastre originel. Cet ouvrage se propose de montrer comment l’étude de textes de la Caraïbe (Aimé Césaire, Edouard Glissant, Patrick Chamoiseau, Simone Schwarz-Bart, Vincent Placoly, Daniel Boukman, Daniel Maximin…) permet de tendre, par un biais original, vers la nouvelle définition d’une lumière noire tragique qui use du détour antillais pour tenter de la fixer autrement.

L’écriture de Claudel se refuse à la distinction classique entre prose et vers. Prose somptueuse, héritée des effets de la prose d’art antique, elle en est aussi un remodelage profond, ainsi qu’une réflexion sur la métaphysique de la création artistique. Ces vingt études signées par Dominique Millet-Gérard en examinent les sources d’inspiration, tant françaises qu’étrangères, et en dégagent l’esthétique théologique.

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. Le tome 12 couvre les années 1884-1885. Zola est alors un écrivain reconnu, qui a atteint le succès et la gloire, bien au-delà des frontières de la France. Durant ces deux années charnières paraissent La Joie de vivre, le roman de la douleur, Germinal, le cri de justice des Rougon-Macquart, et Naïs Micoulin, un recueil de nouvelles, publiées dans la presse entre 1876 et 1880, auquel se joignent neuf autres récits brefs, qui enrichissent la facette moins connue du nouvelliste. La correspondance témoigne de la notoriété de l'écrivain : les amitiés du cénacle naturaliste, les réactions contre la censure, les ripostes à la critique littéraire, les questionnements sur les arcanes de la création artistique. Zola est devenu " L'homme de Germinal ".

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. La Bête humaine - porté au cinéma par Jean Renoir en 1938 - situe dans le monde des chemins de fer une intrigue de meurtre et d'enquête, avec un principal personnage, Jacques Lantier, qui porte en lui la " fêlure " traversant toute la généalogie des Rougon-Macquart. L'Argent fait reparaître le spéculateur de La Curée, Aristide Saccard, transformé en requin de la haute banque. Après Renée, Zola fait une nouvelle tentative au théâtre, avec Madeleine, joué au Théâtre-Libre d'Antoine. La suite des entretiens et la correspondance témoignent de sa place éminente sous les regards de la presse et des milieux littéraires.

Si, depuis 1970, la pensée dialogique de Mikhaïl Bakhtine a fortement déteint sur l'étude des textes littéraires contemporains, son influence s'est fait moins remarquer dans le champ du XVIIIe siècle français. Bien que Bakhtine mentionne Diderot à plusieurs reprises dans ses écrits, il n'analyse en détail aucun écrivain des Lumières. Et pourtant, nous entendons le montrer, l'œuvre de Diderot se prête étonnamment bien à une analyse de type bakhtinien. Partout visible et actif dans l'écriture diderotienne, le corps prend les multiples formes de plusieurs corps-langage qui entrent en dialogue les uns avec les autres. Chose curieuse, l'«hétéroglossie» des corps de Diderot permet de voir à quel point il faut parfois contredire Bakhtine pour déceler le dialogisme corporel du philosophe de Langres (qui ne ressemble pas à celui, plutôt verbal, de Dostoïevski). Nos références essentiellement bakhtiniennes se trouvent ici complétées par Michel de Certeau, Maurice Merleau-Ponty, Michel Foucault et Gilles Deleuze. Plusieurs types d'écriture - romans, dialogues philosophiques, Salons - sont explorés afin de scruter dans quelles « langues » Diderot fait parler les corps humains. À écouter les corps-langage de Diderot, le lecteur parcourt plusieurs dimensions et capacités du langage : l'écriture, la voix, le bavardage littéraire, l'interaction entre écriture et images, la ventriloquie, la difficulté de faire parler un corps de femme quand on est soi-même homme, le dynamisme inhérent à tout langage. Le livre que voici se veut à la fois une exploration méthodologique - comment utiliser la notion de dialogisme autrement que ne le fait Bakhtine ? - et une nouvelle lecture de Diderot, insistant sur la richesse de sa philosophie matérialiste.

Quoi qu'en dise Balzac, le journal n'est pas la machine diabolique d'où serait venus tous les maux de la littérature, depuis que la France est entrée, sous la monarchie de Juillet, dans l'ère du capitalisme industriel et culturel. Cette découverte est un événement majeur pour la connaissance du XIXe siècle : l'histoire littéraire s'obstinait à célébrer le Verbe rimbaldien, le Roman balzacien ou flaubertien, le Vers mallarméen, sans s'apercevoir que le principal laboratoire d'invention littéraire était le périodique, sous ses formes variées et banales. Bien avant Internet, c'est donc au XIXe siècle qu'éclate la première révolution médiatique. L'invention de la presse moderne modifie le quotidien des Français, impose de nouveaux rythmes de lecture et d'écriture, une scansion neuve de la vie intellectuelle : le politique, la vie sociale, les arts, les sciences et les savoirs connaissent une profonde métamorphose dont cet ouvrage propose un large aperçu. Quant aux écrivains, acteurs et témoins privilégiés de la presse, ils sont aussi les premiers rejetons de cette hybridation culturelle entre l'univers du périodique et l'art d'écrire : on vérifiera ici, en revisitant les auteurs du panthéon littéraire du XIXe siècle, que cet éclairage nouveau transforme notre vision même de la littérature.

De l'écrit à l'écran est le premier ouvrage qui aborde la problématique de la réécriture filmique du roman africain francophone. L'ouvrage est composé de deux parties indépendantes. Dans la première partie l'auteur synthétise les œuvres romanesques préexistantes qui ont été adaptées à l'écran. Dans la deuxième partie qui s'articule sur trois temps, il se réfère aux idées de Comolli et de Habermas selon lesquelles la technologie et l'esthétique sont au service de l'idéologie pour allier culture et politique. L'auteur poursuit son argumentation en traitant de deux sujets particulièrement à propos: la place des femmes dans la société, la littérature et le cinéma africain et l'aspect ludique dans ce cinéma complexe dans cette ère post-coloniale.

« Par rapport à quoi Rimbaud aurait-il eu le sentiment constant d’être en porte-à-faux ? Par rapport à tout peut-être : l’indicible, dont l’art s’approche mais qu’il n’embrasse pas ; le sens, toujours frôlé, toujours perdu ; le sacré, qui ne relève pas de l’art ni de l’incantation ; la vérité, dans l’occupation vaine d’écrire ; pire : la condition flattée de l’écrivain ; et encore, plus près de la matière, la réalité elle-même problématique d’une existence comme celle dans laquelle Rimbaud se serait à la fin jeté pour ainsi dire en désespoir de cause. » Pierre Vadeboncoeur n’a pas fini d’étonner ses lecteurs. Avec cet essai lumineux, il propose une réflexion originale sur un sujet d’histoire littéraire des plus commentés : la rupture de Rimbaud avec la poésie. Une interrogation libre et entêtée de l’acte créateur.

Hugo était-il (déjà) « moderne » ? Ne l’est-il plus aujourd’hui ? Ou l’est-il encore, ou à nouveau, ou enfin ? Le sera-t-il jamais ? L’a-t-il jamais été ? La question, au demeurant, a-t-elle un sens ? Et si c’est le cas, importe-t-elle ? D’ailleurs, que faut-il entendre par « moderne » ? S’agit-il de rapporter l’épithète à l’histoire des idées (Victor Brombert), à celles des arts visuels ou musicaux (Roselyne Pirson, Délia Mata-Ciampoli), à la réflexion politique et sociale (William Paulson), à la poétique (David Ellison, Pierre Brunel, Giovanni Dotoli), à la métaphysique du quotidien (Ralph Heyndels), à la destinée filmique de l’œuvre romanesque (Kathryn Grossman), voire à l’invention de soi dans l’autobiographie « déléguée » de l’auteur (Béatrice Didier) ? À ces interrogations, les essais repris dans ce livre n’entendent pas répondre. Ils s’efforcent plutôt de les problématiser. Et, ce faisant, ils font apparaître, chez Hugo, comme le dit ici superbement Victor Brombert, « une dimension d’angoisse, de contradictions internes, d’obsessions, et même de folie », à savoir : discontinues, ambivalentes, souvent implicites et surprenantes, parfois rusées, et soudain, oui, il faut bien le dire, géniales, des modernités.

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. En janvier 1880, Zola sort épuisé de la rédaction de Nana, dont la publication en feuilleton dans Le Voltaire s'achève le 5 février. L'année qui commence ne laissera guère de répit à l'écrivain car elle abonde en batailles et en douleurs, notamment la mort de son ami Flaubert, puis de sa mère. Zola est pourtant présent sur tous les fronts de la vie littéraire et politique : il doit répondre aux polémiques contre Nana et contre le naturalisme en général, qui vont jusqu'aux menaces judiciaires. Dans un registre plus a quotidien ", il assure une revue dramatique et littéraire dont le premier recueil, Le Roman expérimental, parait cette année même.

Il se peut que certains s'étonnent encore de trouver aujourd'hui des êtres comme le marquis de Saint-Loup qui affirmait sa masculinité, le jour, et lui jouait des tours, la nuit. Proust peupla la Recherche de ces héros masculins qui modulaient leur sexualité selon des messages ambigus, révélant en filigrane la fragilité de la construction masculine. Ces hommes d'une race que Proust nommait " maudite " font l'objet de cette étude. Anne-Marie Gronhvod analyse la question homosexuelle à travers les œuvres de Proust, de Yourcenar et de Tournier en explorant les repères normalisants de l'hétérosexualité et sa troublante assertion ontologique. L'auteur éclaire cette recherche avec des textes de Foucault et de Bataille, et d'autres critiques contemporains dont l'approche permet de passer à la réalité des négociations que vivent aujourd'hui ceux qui se situent avec courage dans les accords et les dissonances de leur société : ceux qui ont décidé d'assumer une identité gay. Ceux dont Foucault serait Fer puisque, comme lui, ils se présentent sur la scène publique pour reformuler l'ensemble de leur vie. Comme Foucault encore, ils poussent l'audace de la vérité jusqu'au refus de tout jugement lâche. Anne-Marie Gronhvod établit un dialogue intelligent entre littérature et discours théorique. Cette recherche apporte une contribution novatrice aux études proustiennes, toujours d'actualité, mais aussi à l'exploration de certains textes moins discutés par la critique, en particulier ceux de Marguerite Yourcenar et de Georges Bataille.

En 1999, Pierrette Sartin confiait à la revue « Le Cri d’Os » un article où elle écrivait notamment : « Esprit indépendant s’il en fut, Jehan Despert n’appartient à aucun cercle, aucun clan, aucune école... Cavalier seul, il tenta de réconcilier par l’amour charnel sublimé l’Eros et la Foi, ce que, me semble-t-il, aucun poète avant lui n’avait tenté avec une telle force... Une plus longue étude qui engloberait la totalité de son œuvre, serait nécessaire pour analyser la pensée et le talent de Jehan Despert... Il ne semble pas que la quête spirituelle à laquelle Jehan Despert se consacre depuis des lustres n’a jamais été tentée sous cette forme...! ». Ce souhait est ainsi comblé par une étudiante, Celeste Boccuzzi, dans cette thèse soutenue devant le jury de l’Université de Bari (Italie), sous la direction du Professeur Giovanni Dotoli.

Ce tome VI des Œuvres complètes couvre les années 1873-1874 et plus précisément une période qui s'ouvre le 25 mai 1873 avec la formation d'un gouvernement conservateur, antirépublicain, clérical, surnommé le gouvernement de "l'ordre moral". Zola cherche à s'affirmer comme écrivain et pratique des genres différents : parallèlement à La Conquête de Plassans , le quatrième roman des Rougon-Macquart , il constitue le recueil des Nouveaux Contes à Ninon , il présente au théâtre l'adaptation de Thérèse Raquin et Les Héritiers Rabourdin , et continue d'assurer une chronique anonyme dans Le Sémaphore de Marseille . À cette diversité des genres correspond toutefois une profonde unité de ces écrits réunis par le même souci de critiquer une société injuste et de dénoncer la bêtise sous toutes ses formes.

Quoi de plus fascinant que de découvrir de nouvelles facettes d’un des auteurs les plus remarquables de la littérature française ? C’est à travers la correspondance entre Marcel Proust et trois personnages clés de sa vie, à savoir sa mère, Jeanne, Robert de Montesquiou et Reynaldo Hahn, que ce livre nous dévoile à la fois l’importance de cette correspondance, son rôle dans la création littéraire de son auteur et les implications psychanalytiques dans l’écriture proustienne. La correspondance avec Jeanne définit le schéma du comportement et de l’approche épistolière de l’auteur. Martin Robitaille met fin au mythe d’une correspondance insignifiante, relevant tout au contraire que les lettres constituent le lien le plus vital de Proust avec le monde. Proust écrit à la fois à quelqu’un et pour quelqu’un ; les lettres deviennent un lieu d’élaboration du discours. Exploitant judicieusement la théorie du transfert, ce livre sur la relation complexe entre Proust-épistolier, ses correspondants et Proust-auteur ajoute une pierre importante dans la mosaïque de la recherche proustienne.

Des écrits dédiés à la Genèse, nous avons la Bible, Dante, ou encore Virgile pour ne citer qu’eux. Au milieu d’eux : La Légende des siècles de Victor Hugo, œuvre monumentale rédigée dans les entrailles du XIXe siècle. Spécimen peu visité, souvent relégué aux confins de l’évolution littéraire, ce recueil hugolien est pourtant doté d’une modernité qui lui est propre. Aussi, l’année du bicentenaire de la naissance de son illustre auteur, en 2002, permet-elle de réhabiliter cette Légende des siècles. Le colloque qui s’est tenu à la Sorbonne, les 12 et 13 janvier de la même année a été l’occasion de s’aventurer dans les dédales de cette majestueuse Légende, d’y briser les tabous, les peurs et les préjugés, et de partir à la rencontre de ce qui s’avère être une « contre-épopée » à multiples entrées. D’où vient-elle ? Où Hugo a-t-il pu puiser son inspiration et ainsi bâtir un tel ouvrage ? Pour cela, il faut entrer dans l’antre de l’artiste, y découvrir ses idoles et ses personnages, ses morales et ses mythes. Parcourir ce colloque, c’est partir à la quête d’une Légende façonnée dans les tourments du XIXe siècle, et qui se fait l’écho d’une formidable libération des consciences qui a suivi de près l’ère du romantisme littéraire et des révolutions ; c’est aussi et surtout redécouvrir un Hugo démiurge qui aime à façonner ses œuvres et à déployer son génie littéraire tout entier dédié au service de l’histoire des hommes et de l’humanité.

Il s’agit ici d’ « Illusions perdues ». C’est-à-dire, selon la formule tant de fois répétée, de « l’œuvre capitale dans l’œuvre », de ce lieu central, cœur, sommet, carrefour, de l’immense système balzacien, où convergent et culminent, d’où s’échappent et se ramifient les grandes lignes de force de l’œuvre entière. Aucun autre roman, dans la Comédie humaine, ne peut prétendre à une telle richesse, à une telle complexité. On ne trouvera jamais mieux que dans les « Illusions perdues », cet effort encyclopédique, cette tension vers le roman total, dans lequel viennent se rejoindre l’exposé d’un savoir archéologique et technique, le tableau d’une société complexe saisie dans son détail comme dans son mouvement général, l’histoire psychologique et morale de figures individuelles et l’histoire collective d’une génération (ce que Balzac appelle « l’histoire tragique de la jeunesse depuis trente ans »), une réflexion sur le sens général d’une époque placée sous le signe de la perte et de la déception, une conception enfin de la littérature, en même temps qu’une méthode de création romanesque. C’est cette multiplicité d’intentions et de significations, cet extraordinaire feuilleté romanesque que le présent recueil, issu des journées d’Agrégation tenues à la Sorbonne les 1er et 2 décembre 2003, s’est donné pour mission d’explorer.

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. Avec La Fortune des Rougon, qui ouvre ce volume, débute l'aventure des Rougon-Macquart. Elle durera vingt-cinq ans. Pour l'heure, cependant, le romancier se heurte aux traverses de l'histoire. La guerre de 1870, qui interrompt la publication du feuilleton, le contraint à abandonner Paris et à s'improviser patron de presse à Marseille, puis chroniqueur parlementaire à Bordeaux. Son nouveau gagne-pain l'entraînera jusqu'à Versailles et lui fera vivre en direct toute la Commune. On trouvera donc ici les Écrits de Marseille, les Lettres de Bordeaux et les Lettres de Versailles, mais aussi les Lettres de Paris, la chronique inédite des événements jusqu'à la semaine sanglante.

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. Le tome 8 couvre les années 1877 à 1879. En publiant L'Assommoir en 1877, Zola provoque un énorme scandale et décide de batailler ferme pour défendre et même promouvoir le naturalisme. Les articles principaux de cette période seront publiés en recueils en 1880 et 1881 : on trouvera ces recueils dans les tomes 9 et 10. La correspondance de Zola dans cette période illustre la violence avec laquelle se déroula cette bataille littéraire. En 1878, il publie un roman intime et qu'il veut plus " honnête ", Une page d'amour. Il rêve de conquérir la scène en faisant jouer successivement Le Bouton de rose et, l'année suivante, une adaptation théâtrale de L'Assommoir.

Si l’on se demande pourquoi il est encore nécessaire aujourd’hui de s’interroger sur Montaigne après quatre siècles d’études critiques, on peut aisément fournir plusieurs réponses. Une de ces réponses touche aux rapports entre Montaigne et l’Italie. Dans ce volume, l’italianisme de Montaigne renvoie à l’ensemble des relations de Montaigne avec l’Italie, en partant de la littérature pour arriver à la langue, tout en passant par les traditions, les pratiques sociales contemporaines, l’histoire et les mœurs. Ce travail aborde de façon chronologique la production littéraire de ce célèbre philosophe afin de voir comment l’idée de l’Italie et de la langue italienne a évolué au fil des éditions des Essais. Le nombre des références à l’Italie, mais aussi leur nature même, sont pris en compte avec attention. Il existe bien un changement qualitatif dans l’attitude de Montaigne face à l’Italie : il passe lentement d’une connaissance livresque de la réalité culturelle et géographique à une véritable expérience de l’Italie lors de son voyage dans la péninsule en 1580-81. Une autre partie de cette étude situe Montaigne dans la société italienne du XVIe siècle, en retraçant le parcours du voyageur français à travers certaines étapes de son voyage en Italie (Lorette, Ferrare, Bologne, Rome, etc.). L’analyse se transforme alors en véritable réflexion historique et documentaire. Les archives italiennes et françaises révèlent encore des détails surprenants sur le passage de Montaigne dans de nombreuses villes d’Italie. Ce livre offre une vision d’ensemble de ce « côté obscur », de ce « mystère » de la vie et de la formation de Montaigne : l’italianisme. Il faut enfin reconnaître qu’après quatre siècles d’études critiques, l’œuvre de Montaigne, dans son rapport avec sa biographie, peut encore nous révéler du nouveau.