Littérature française et francophone (Licence nationale)

Si l'apport de la communauté juive à la société canadienne reste encore aujourd'hui méconnu, la littérature de cette communauté l'est tout autant. Un auteur s'y est pourtant intéressé il y a un peu plus de 25 ans. Dans Hundert yor Yidishe oun Hebreyshe literatur in Kanade, Haim-Leib Fuks a rédigé, en grande partie grâce aux collections de la Bibliothèque publique juive de Montréal, la biographie de 429 auteurs ayant écrit en yiddish ou en hébreu au Canada. Ceux-ci, dont la majorité sont venus d'Europe de l'Est entre 1900 et 1950, ont publié au Canada 271 ouvrages en yiddish et 43 en hébreu, en plus de plusieurs centaines d'autres dans leur pays d'origine ou aux États-Unis. Fuks répertorie tous ces ouvrages ainsi que les périodiques et journaux publiés en yiddish et en hébreu au Canada, pas moins de 135 en tout. Aucune autre étude parue depuis n'a réuni autant de renseignements sur la vie et les œuvres de ces auteurs. La traduction de Pierre Anctil donne enfin accès à cette manne d'informations. Elle permettra non seulement aux personnes intéressées de puiser dans la compilation de Fuks les éléments biographiques et bibliographiques nécessaires à la compréhension de la littérature yiddish, mais aussi de lever en partie le voile sur l'apport culturel et social des Juifs est-européens à la société canadienne au XXe siècle. Saviez-vous que la littérature yiddish canadienne est la plus importante en langue non-officielle au pays ?

La « tonalité tragique » qui baigne dans de nombreux textes antillais du deuxième XXe siècle ne se laisse pas réduire aux formes classiques du genre. L’engrenage implacable qui mène un héros à sa chute est ici remplacé par une latence mortifère, par une inquiétude originelle : la Catastrophe finale est renversée par un Désastre originel. Cet ouvrage se propose de montrer comment l’étude de textes de la Caraïbe (Aimé Césaire, Edouard Glissant, Patrick Chamoiseau, Simone Schwarz-Bart, Vincent Placoly, Daniel Boukman, Daniel Maximin…) permet de tendre, par un biais original, vers la nouvelle définition d’une lumière noire tragique qui use du détour antillais pour tenter de la fixer autrement.

L’écriture de Claudel se refuse à la distinction classique entre prose et vers. Prose somptueuse, héritée des effets de la prose d’art antique, elle en est aussi un remodelage profond, ainsi qu’une réflexion sur la métaphysique de la création artistique. Ces vingt études signées par Dominique Millet-Gérard en examinent les sources d’inspiration, tant françaises qu’étrangères, et en dégagent l’esthétique théologique.

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. Le tome 12 couvre les années 1884-1885. Zola est alors un écrivain reconnu, qui a atteint le succès et la gloire, bien au-delà des frontières de la France. Durant ces deux années charnières paraissent La Joie de vivre, le roman de la douleur, Germinal, le cri de justice des Rougon-Macquart, et Naïs Micoulin, un recueil de nouvelles, publiées dans la presse entre 1876 et 1880, auquel se joignent neuf autres récits brefs, qui enrichissent la facette moins connue du nouvelliste. La correspondance témoigne de la notoriété de l'écrivain : les amitiés du cénacle naturaliste, les réactions contre la censure, les ripostes à la critique littéraire, les questionnements sur les arcanes de la création artistique. Zola est devenu " L'homme de Germinal ".

Cette nouvelle édition des Œuvres complètes de Zola est originale à un double titre : - elle est la première du genre à adopter un dispositif chronologique, en vingt brèves périodes, de 1858, date de l'arrivée du jeune Émile Zola à Paris, à 1902, date de sa mort. On suivra ainsi, de volume en volume, l'évolution de sa carrière et de son œuvre, et leur relation à l'histoire contemporaine. Ces coupes successives dans le temps ont également le mérite de mettre en évidence les connexions mutuelles des rouvres par-delà la diversité de leurs contenus et de leurs formes; - elle réunit, pour la présentation et le commentaire historique et critique des œuvres, les meilleurs connaisseurs de Zola et de son œuvre. Après une introduction générale, chaque œuvre fait l'objet d'une notice. Dans chaque volume, on trouve d'abord les œuvres narratives (romane, contes et nouvelles), puis le théâtre, les chroniques, les œuvres critiques et la correspondance. La Bête humaine - porté au cinéma par Jean Renoir en 1938 - situe dans le monde des chemins de fer une intrigue de meurtre et d'enquête, avec un principal personnage, Jacques Lantier, qui porte en lui la " fêlure " traversant toute la généalogie des Rougon-Macquart. L'Argent fait reparaître le spéculateur de La Curée, Aristide Saccard, transformé en requin de la haute banque. Après Renée, Zola fait une nouvelle tentative au théâtre, avec Madeleine, joué au Théâtre-Libre d'Antoine. La suite des entretiens et la correspondance témoignent de sa place éminente sous les regards de la presse et des milieux littéraires.

Si, depuis 1970, la pensée dialogique de Mikhaïl Bakhtine a fortement déteint sur l'étude des textes littéraires contemporains, son influence s'est fait moins remarquer dans le champ du XVIIIe siècle français. Bien que Bakhtine mentionne Diderot à plusieurs reprises dans ses écrits, il n'analyse en détail aucun écrivain des Lumières. Et pourtant, nous entendons le montrer, l'œuvre de Diderot se prête étonnamment bien à une analyse de type bakhtinien. Partout visible et actif dans l'écriture diderotienne, le corps prend les multiples formes de plusieurs corps-langage qui entrent en dialogue les uns avec les autres. Chose curieuse, l'«hétéroglossie» des corps de Diderot permet de voir à quel point il faut parfois contredire Bakhtine pour déceler le dialogisme corporel du philosophe de Langres (qui ne ressemble pas à celui, plutôt verbal, de Dostoïevski). Nos références essentiellement bakhtiniennes se trouvent ici complétées par Michel de Certeau, Maurice Merleau-Ponty, Michel Foucault et Gilles Deleuze. Plusieurs types d'écriture - romans, dialogues philosophiques, Salons - sont explorés afin de scruter dans quelles « langues » Diderot fait parler les corps humains. À écouter les corps-langage de Diderot, le lecteur parcourt plusieurs dimensions et capacités du langage : l'écriture, la voix, le bavardage littéraire, l'interaction entre écriture et images, la ventriloquie, la difficulté de faire parler un corps de femme quand on est soi-même homme, le dynamisme inhérent à tout langage. Le livre que voici se veut à la fois une exploration méthodologique - comment utiliser la notion de dialogisme autrement que ne le fait Bakhtine ? - et une nouvelle lecture de Diderot, insistant sur la richesse de sa philosophie matérialiste.

Quoi qu'en dise Balzac, le journal n'est pas la machine diabolique d'où serait venus tous les maux de la littérature, depuis que la France est entrée, sous la monarchie de Juillet, dans l'ère du capitalisme industriel et culturel. Cette découverte est un événement majeur pour la connaissance du XIXe siècle : l'histoire littéraire s'obstinait à célébrer le Verbe rimbaldien, le Roman balzacien ou flaubertien, le Vers mallarméen, sans s'apercevoir que le principal laboratoire d'invention littéraire était le périodique, sous ses formes variées et banales. Bien avant Internet, c'est donc au XIXe siècle qu'éclate la première révolution médiatique. L'invention de la presse moderne modifie le quotidien des Français, impose de nouveaux rythmes de lecture et d'écriture, une scansion neuve de la vie intellectuelle : le politique, la vie sociale, les arts, les sciences et les savoirs connaissent une profonde métamorphose dont cet ouvrage propose un large aperçu. Quant aux écrivains, acteurs et témoins privilégiés de la presse, ils sont aussi les premiers rejetons de cette hybridation culturelle entre l'univers du périodique et l'art d'écrire : on vérifiera ici, en revisitant les auteurs du panthéon littéraire du XIXe siècle, que cet éclairage nouveau transforme notre vision même de la littérature.

De l'écrit à l'écran est le premier ouvrage qui aborde la problématique de la réécriture filmique du roman africain francophone. L'ouvrage est composé de deux parties indépendantes. Dans la première partie l'auteur synthétise les œuvres romanesques préexistantes qui ont été adaptées à l'écran. Dans la deuxième partie qui s'articule sur trois temps, il se réfère aux idées de Comolli et de Habermas selon lesquelles la technologie et l'esthétique sont au service de l'idéologie pour allier culture et politique. L'auteur poursuit son argumentation en traitant de deux sujets particulièrement à propos: la place des femmes dans la société, la littérature et le cinéma africain et l'aspect ludique dans ce cinéma complexe dans cette ère post-coloniale.

« Par rapport à quoi Rimbaud aurait-il eu le sentiment constant d’être en porte-à-faux ? Par rapport à tout peut-être : l’indicible, dont l’art s’approche mais qu’il n’embrasse pas ; le sens, toujours frôlé, toujours perdu ; le sacré, qui ne relève pas de l’art ni de l’incantation ; la vérité, dans l’occupation vaine d’écrire ; pire : la condition flattée de l’écrivain ; et encore, plus près de la matière, la réalité elle-même problématique d’une existence comme celle dans laquelle Rimbaud se serait à la fin jeté pour ainsi dire en désespoir de cause. » Pierre Vadeboncoeur n’a pas fini d’étonner ses lecteurs. Avec cet essai lumineux, il propose une réflexion originale sur un sujet d’histoire littéraire des plus commentés : la rupture de Rimbaud avec la poésie. Une interrogation libre et entêtée de l’acte créateur.

Hugo était-il (déjà) « moderne » ? Ne l’est-il plus aujourd’hui ? Ou l’est-il encore, ou à nouveau, ou enfin ? Le sera-t-il jamais ? L’a-t-il jamais été ? La question, au demeurant, a-t-elle un sens ? Et si c’est le cas, importe-t-elle ? D’ailleurs, que faut-il entendre par « moderne » ? S’agit-il de rapporter l’épithète à l’histoire des idées (Victor Brombert), à celles des arts visuels ou musicaux (Roselyne Pirson, Délia Mata-Ciampoli), à la réflexion politique et sociale (William Paulson), à la poétique (David Ellison, Pierre Brunel, Giovanni Dotoli), à la métaphysique du quotidien (Ralph Heyndels), à la destinée filmique de l’œuvre romanesque (Kathryn Grossman), voire à l’invention de soi dans l’autobiographie « déléguée » de l’auteur (Béatrice Didier) ? À ces interrogations, les essais repris dans ce livre n’entendent pas répondre. Ils s’efforcent plutôt de les problématiser. Et, ce faisant, ils font apparaître, chez Hugo, comme le dit ici superbement Victor Brombert, « une dimension d’angoisse, de contradictions internes, d’obsessions, et même de folie », à savoir : discontinues, ambivalentes, souvent implicites et surprenantes, parfois rusées, et soudain, oui, il faut bien le dire, géniales, des modernités.