Histoire de l’art

Aujourd’hui, nous a enseigné George Dickie, n’importe quel artefact peut être qualifié d’œuvre d’art, pourvu que le « monde de l’art » en ait décidé ainsi. L’une des ambitions de ce livre est de montrer par quels chemins, de Marcel Duchamp à l’art vidéo, en passant par Jasper Johns, Andy Warhol et les minimalismes, on a pu en arriver à un tel élargissement de la notion d’œuvre. En retraçant cette évolution, c’est toute l’histoire de l’art moderne depuis 1912 qu’on écrira, étant entendu que l’art dit « contemporain » ne peut en être séparé.

À l'exemple des premières Accademie italiennes, l'Académie royale de peinture et de sculpture, créée en 1648, institue assez vite une exposition régulière. Ouvert au public dès le début du XVIIIe siècle, ce Salon devient rapidement le rendez-vous du monde de l'art et l'un des événements majeurs de la vie parisienne. Son histoire permet de comprendre l'évolution des courants artistiques, la formation du goût du public, la création et le développement de la critique d'art. Les révoltes successives des artistes les plus novateurs contre le jury du Salon conduiront à sa disparition en 1881. Des Salons indépendants verront alors le jour. En définitive, raconter l'histoire mouvementée du Salon permet d'observer l'histoire des arts plastiques en France pendant plus de deux siècles et de comprendre les mœurs du milieu de l'art et les évolutions du goût.

Les INIMAGES sont sûrement l'invention la plus étonnante de René Passeron. Comme nous l'indique le Dictionnaire général du surréalisme et de ses environs (PUF) : « Le préfixe in est choisi pour son double sens : négation et contenu. Passeron part en effet d'une seule image de base qu'il découpe au rasoir. […] les inimages de Passeron naissent d'un détail repéré dans l'image-mère, qui le contenait en l'occultant. » À partir de cet indice sollicitant nos « facultés hallucinatoires », une nouvelle image s'organise qui manifeste aussi bien l'inconscient du découpeur que celui du photographe initial. Sorte de prospection autour de l'inimage, ce livre, abondamment illustré, est constitué de trois textes. Le premier est de l'auteur même des inimages, René Passeron, qui y formule sa conception générale de la peinture comme « pansement du vide » avant de démonter le processus créatif de ses œuvres. Richard Conte, quant à lui, affronte la question de la cruauté à travers la série « Cruautés pures » concernant chez Passeron le rapport érotique et maternel au féminin, dans son « devenir animal ». Quant à Jean Lancri, c'est par « Dix neuf découpages dans les inimages de René Passeron » qu'il procède à un tour d'horizon philosophique sur l'irruption de la mort dans l'œuvre, le statut des images, le réel, l'imaginaire… C'est dire que l'acte de penser serait comme la création d'une inimage, qui dévoile un monde à partir d'un détail.

L’Introduction à la méthode de Léonard de Vinci est un des premiers écrits en prose de Paul Valéry. « J’ai à combiner les normes suivantes, peinture, architecture, mathématiques, mécanique, physique et mécanisme », a-t-il affirmé en l’écrivant. En fait, cet essai, au-delà de ces réflexions à caractère scientifique, contient en grands traits toute la philosophie et l’esthétique de Paul Valéry. Date de première édition : 1919.

La toile, il la boxe, la caresse, y accumule des mots jusqu’au vertige. Basquiat c’est l’urgence, le lyrisme mêlé d’élégances, de grâce, de naïvetés, avec l’enfance qui rayonne et déborde. Et hurle. Et chante. Et dit la brûlure, le plaisir, la vie courte et intense. Il meurt à 27 ans, laissant mille tableaux et un nombre plus important encore de dessins. Michel Nuridsany nous donne à voir et à comprendre ici comment le peintre apparaît, se forme, explose, quand naît le hip-hop, se radicalisent les mouvements de protestation des noirs et que se transforme en profondeur le milieu de l’art new-yorkais. Il nous apporte des lumières nouvelles sur l’importance de la musique et de la poésie dans son œuvre et dans sa vie, sur sa façon de faire passer la technique du sampling dans sa peinture, sur l’origine de son nom, sur sa qualité de métis perçu comme noir, sur son voyage en Côte d’Ivoire, sur la réception de son œuvre en France et sur ses rapports plus profonds qu’on ne l’a dit avec Warhol. Quant à la jeunesse, elle est emportée par la bourrasque d’une vie traversée par la drogue, le sexe, l’art, et par une folle énergie. Basquiat, un jaillissement.

"Le goût, c’est bon pour les amateurs de vin et les cuisiniers. L’art n’a rien à voir avec le goût." Figure centrale de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est le peintre emblématique de la Vienne fin de siècle, celle de Sigmund Freud, Gustav Mahler et Arthur Schnitzler, tous fondateurs de la modernité européenne. Il fit exploser les normes académiques et permit à l’art autrichien de s’ouvrir à l’impressionnisme et au symbolisme. Il fut aussi l’ami et le protecteur des jeunes expressionnistes Oskar Kokoschka et Egon Schiele. Ornemaniste de génie, portraitiste renommé de la haute société et paysagiste introverti, Klimt, enfin, ne cessa de représenter les métamorphoses de la femme. À la fois classique et scandaleux, il restera comme le peintre des grands mystères de la sexualité et de la mort. Son Baiser vient se placer au premier rang des œuvres les plus célèbres de l’histoire de l’art.

Son père était négociant et voulait qu’il fût notaire. Avec une détermination sereine, il choisira d’échanger cette existence contre un destin : celui de peintre, du peintre le plus heureusement libre de notre temps. Des paysages austères de son enfance aux apprentissages parisiens, puis à l’embrasement de son génie dans les lumières du Midi, c’est un parcours intense et joyeux que celui de Matisse, une vie de travail et de bonheur. Une vie, une œuvre, dont Jean Guichard-Meili suit les développements, analyse la complexité, et dégage finalement le sens ultime dans ce livre, synthèse de ses longues années de recherches et de réflexion sur le maître de Vence. Date de première édition : 1993.

Les auteurs ne présentent pas l’art africain sous son aspect exotique, ils l’intègrent à l’art universel. Connaissant bien toutes les données du contexte social et historique dans lequel cet art original a pris naissance, ils en expliquent la genèse et la fonction à travers les objets représentés. On distingue dans ce livre cinq grandes régions qui sont examinées séparément : le Soudan, la côte atlantique et la forêt vierge, la côte guinéenne et les hautes civilisations, le territoire compris entre le Niger et le Congo. Non seulement les auteurs nous retracent l’évolution artistique de chacune de ces régions, mais ils nous révèlent les problèmes actuels de l’art africain, dont les nouvelles formes d'expression marquent les étapes d’une recherche dirigée vers le renouveau.

Ce qui caractérise la fin du XVIe siècle, c’est une série de tentatives, d’attitudes, d’essais de nouveaux accords qui préludent à ce qu’interprétera par la suite l’orchestre du baroque au grand complet. Cette période, c’est celle du Maniérisme, située entre la période apollinienne de la Renaissance et celle, dionysiaque, du Baroque. Carlo Ossola l’a minutieusement étudiée dans l’Automne de la Renaissance, en s’appuyant sur des textes de poètes et de critiques, surtout sur des traités d’art de la seconde moitié du Cinquecento (Dolce, Gilio, Paleotti, Comanini, Danti, ainsi que sur Varchi, Vasari et Lomazzo). À cette époque, comme le note Ossola, « les limites des choses s’effacent : la parole se fait couleur, la couleur musique et chaque chose peut en devenir une autre ». Analysant les règles de ces écritures, Ossola met en évidence les normes avec lesquelles elles tentaient de fixer, de sauvegarder, de distinguer une syntaxe qui leur fût propre. L’effort consacré à parcourir l’infinie multiplicité des êtres et des formes est exigé par le désir de parvenir à la reductio ad unum finale. C’est à cause de cette intention, latente ou manifeste, que nous pouvons encore distinguer entre l’« automne de la Renaissance » et la pluralité de perspectives d’où naît le sens du vivant et du provisoire de la civilisation baroque. Publié en 1971, mis à jour et étoffé en 2014, cet essai de référence est une grande fresque sur la fin de la civilisation de la Renaissance en Italie. Date de première édition : 1971.

La définition de l’art politique a connu un bouleversement considérable au tournant des années 1970 avec l’abandon du paradigme absolutiste de l’art (« l’Art est tout ») et du politique (« la Politique est tout ») au profit de la mise en place d’un nouveau paradigme relativiste (« tout est art » et « tout est politique »). Au messianisme révolutionnaire des avant-gardes historiques se substitue ainsi un projet de réinvestissement et de réappropriation de l’espace public dans et par la pratique artistique. La question de la place des femmes en est l’un des aspects les plus marquants.À la lumière d’une tradition déjà séculaire d’art engagé, et à l’aide de quelques outils conceptuels simples empruntés à la sociologie et à la philosophie politique, cet ouvrage – qui s’adresse tant aux étudiants qu’aux amateurs et aux artistes eux-mêmes – tente de cerner la question récurrente de la responsabilité de l’artiste, et par la même occasion de mieux comprendre le propos de cet art contemporain qui continue à nous provoquer.