Histoire de l’art
History of art - This first art history collection is essentially made of artists’ monographs (mostly French ones), many of which are illustrated. Of course we find there the works of great art history specialists like Jean Clair. It also contains artists’ memories of the 20th century such as Auguste Rodin or Paul Gauguin, and writers like Guillaume Apollinaire or Paul Valéry.
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« Représenter l'invisible », tel est le rêve de Léonard, le grand maître de la Renaissance, l'artiste de la science et de la technologie, de la pittura mentale, du dessin analytique pénétrant les phénomènes de l'univers. Pour le comprendre, il fallait une biographie nouvelle, par-delà le mythe et le mystère, la légende et la rhétorique, une plongée dans les innombrables manuscrits autographes et les documents originaux ; il fallait une interprétation originale de cette œuvre interdisciplinaire, universelle et plus que jamais actuelle. Alessandro Vezzosi, un des plus grands connaisseurs de Léonard, nous accompagne dans cette aventure et nous fait découvrir le vrai Léonard, une hydre aux mille têtes... Date de première édition : 1996.
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Les œuvres d’art revêtent deux modes d’existence, qui sont l’immanence et la transcendance. L’immanence est définie par le type d’objet en lequel l’œuvre « consiste », et se distribue ainsi en deux régimes, baptisés depuis Nelson Goodman l’autobiographique et l’allographique.
Dans le premier, l’objet d’immanence (un tableau, une sculpture, une performance) est matériel et se manifeste de lui-même. Dans le second, cet objet (un texte littéraire, une composition musicale, le plan d’un édifice) est idéal, conçu par réduction à partir de ses manifestations physiques : livres, partitions, exécutions. La transcendance est définie par les diverses manières dont une œuvre déborde son immanence : lorsqu’elle consiste en plusieurs objets non identiques (œuvres à « versions »), lorsqu’elle se manifeste de manière lacunaire (fragments) ou indirecte (copies, reproductions, descriptions) ou lorsqu’elle agit diversement selon les lieux, les époques, les individus, les circonstances : on ne regarde jamais deux fois le même tableau, on ne lit jamais deux fois le même livre. L’œuvre ne se réduit donc pas à son objet d’immanence, parce que son être est inséparable de son action. L’œuvre d’art est toujours déjà l’œuvre de l’art. Date de première édition : 1994.
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Le premier tome de L’Œuvre de l’art portait sur les « modes d’existence » des œuvres d’art, le second traite de la relation artistique. Une même œuvre d’art peut connaître plusieurs états, et chacun d’eux peut susciter plusieurs types de réception : on ne reçoit jamais deux fois le même tableau, le même poème, la même symphonie. Le caractère actif de cet accueil suppose chez le récepteur une attitude particulière qu’on peut appeler l’attention esthétique, et qui s’oriente spontanément vers une appréciation positive, négative ou neutre.
L’interaction entre les aspects présentés par l’œuvre et l’activité perceptuelle et intellectuelle de son public constitue la relation esthétique, présente chaque fois que l’art fait son œuvre. Date de première édition : 1997.
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« Tout dans mes œuvres est issu du sentiment de certitude que nous appartenons, en fait, à un univers énigmatique. »
En dehors de quelques brouilles passagères, René Magritte (1898-1967) resta toute sa vie celui dont Breton écrivait que le surréalisme lui devait « une de ses premières et dernières dimensions ». Rejetant les procédés d'écriture automatique, Magritte emprunte les éléments de son vocabulaire pictural au quotidien. Abordant la peinture « dans l'esprit des leçons de choses », il fait subir aux espaces et aux objets une infinité de modifications. Il fragmente l'échelle onirique, invente des territoires nouveaux, transforme des espaces connus, pratique une utilisation incongrue des titres : Ceci continue à ne pas être une pipe, Le Salon au fond d'un lac, La Philosophie dans le boudoir. En un mot, il ajoute, avec humour, de nouvelles dimensions au malaise humain : « Je peins l'au-delà, mort ou vivant. L'au-delà de mes idées par des images. »
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Un entre-deux d'ambiguïtés. Qu'en est-il du mouvement moderne dans ces années 1915-1929, années de reflux, de doute, d'incertitude, et dont l'ouverture de l'exposition des Arts décoratifs à Paris marque le point d'orgue ? En 1926 paraît l'opuscule de Jean Cocteau Le Rappel à l'ordre, dont l'intitulé indique, mieux que l'expression « retour à l'ordre », l'inquiétude qui plane sur cette époque-là. La décennie suivante, de 1929 à 1939, voit la montée vers le second conflit mondial, l'avènement des régimes totalitaires en Italie, en Espagne, en Allemagne, mais aussi en Union soviétique. D'une apocalypse, l'autre : cette époque qui va des Années folles aux années de feu est aussi celle qui, de l'Octobre rouge à l'Octobre noir, vit l'affrontement de deux modèles économiques inconciliables mais aussi la fin des utopies. Ces années noires, vouées au travail du deuil, sous le voile d'une folie apparente, furent les années d'un enjeu terrifiant auquel aujourd'hui nous demeurons soumis.
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« J'ai fait ce que j'ai vu », disait Manet. Est-ce si simple ? L'auteur du Déjeuner sur l'herbe, des portraits de Zola, de Mallarmé, de Clemenceau et de Berthe Morisot, le peintre des cafés-concerts et des canotiers, qui se définissait plaisamment comme « le saint François de la nature morte », est-il le premier des peintres modernes ? Ou celui qui, par-delà les académismes, renoue avec la grande tradition ? De l'Olympia (1863) au Bar des Folies Bergère (1882), Françoise Cachin retrace la vie de ce pur Parisien, qui aima la mer, les femmes, et surtout la peinture. Date de première édition : 1994.
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Il y a la légende Modigliani : un homme qui, selon les clichés néoromantiques les plus éculés, aurait puisé son génie dans la maladie, l’alcool et la drogue. Il y a, sur sa vie, sur son œuvre, tant d’informations approximatives voire de mensonges, souvent entretenus, parfois forgés, à plaisir, par l’imagination des écrivains ou l’intérêt des marchands.
Et il y a, d’autre part, la vérité. Une vérité assez riche en drames authentiques pour qu’il ne soit pas nécessaire d’en inventer d’autres. Authentique : la nostalgie jamais éteinte, chez ce peintre, d’une activité de sculpteur trop rude et mal comprise. Authentique : sa fin prématurée alors que sa gloire s’affirmait. Date de première édition : 1990.
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En 1874, Impression, soleil levant déchaîne la critique. Les impressionnistes, ces « malades de la rétine », bouleverseront pourtant la peinture. Touche et couleurs sont fragmentées pour traduire les vibrations de la lumière, jusqu'à cette étape ultime, les Nymphéas, qui font d'un Monet presque aveugle le précurseur des abstraits.
Sylvie Patin laisse parler le peintre. Un regard, une vision, un œil... – « Monet ce n'est qu'un œil... Mais, bon Dieu, quel œil ! », s'exclamait Cézanne –, une vie immensément longue, un lieu, enfin, Giverny, désormais indissociable de l'œuvre du maître.
Date de première édition : 1991.
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« Je suis un grand artiste et je le sais. C’est parce que je le suis que j’ai tellement enduré de souffrances. Pour poursuivre ma voie, sinon je me considérerais comme un brigand. Ce que je suis du reste pour beaucoup de personnes […]. Ce qui me chagrine le plus c’est moins la misère que les empêchements perpétuels à mon art que je ne puis faire comme je le sens […]. Je sais depuis longtemps ce que je fais et pourquoi je le fais. Mon centre artistique est dans mon cerveau et pas ailleurs et je suis fort parce que je ne suis jamais dérouté par les autres et que je fais ce qui est en moi. » Paul Gauguin. Date de première édition : 1974.
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« Je n'ai jamais considéré la peinture comme un art de simple agrément, de distraction. J'ai voulu par le dessin et par la couleur, puisque c'étaient là mes armes, pénétrer toujours plus avant dans la connaissance du monde et des hommes, afin que cette connaissance nous libère toujours davantage. »
Cubiste, Picasso ? allons donc ! Surréaliste ? Encore moins. Communiste ? Pas vraiment. Sans doute fut-il à l'origine du cubisme, proche pendant quelque temps des surréalistes et détenteur d'une carte du Parti communiste, mais le plus grand peintre du XXe siècle est irréductible à toute étiquette. Complexe, multiple, en constante métamorphose, artiste polymorphe et amant dynamique, Pablo Picasso (1881-1973) n'eut, dans sa vie comme dans son œuvre, d'autre loi que la sienne.
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Un peintre, un homme, un génie. Picasso fut un homme pour qui peindre voulait dire voir, et qui mieux que personne « vit » son siècle. Visionnaire, oui. Engagé corps et biens dans son absolu. Homme public dont l'existence tumultueuse fascina toujours les foules, il était aussi un personnage farouche, secret, imprévisible. Des premiers pigeons crayonnés de Málaga aux périodes bleue et rose, des folles années montmartroises aux Demoiselles d'Avignon, de l'explosion surréaliste à Guernica, des femmes en pleurs à la femme-fleur, il fut celui qui disait sans relâche : « Je ne cherche pas, je trouve. »
Marie-Laure Bernadac et Paule du Bouchet retracent le destin d'un homme qui a marqué le vingtième siècle d'une empreinte de feu.
Date de première édition : 1986.
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La visite d’un musée est-elle une activité superficielle ? Comment distinguer le langage ordinaire du langage poétique ? Quelle diction employer pour énoncer les vers d’un poème ? Qu’est-ce que l’infini esthétique ? Pourquoi Manet était-il admiré par des écrivains aussi différents qu’Émile Zola et Stéphane Mallarmé ? Comment distinguer l’artiste d’un homme qui s’amuse avec des pinceaux ? Autant d’interrogations auxquelles Paul Valéry nous livre ses réponses, à travers des articles sur l’ensemble des domaines artistiques et leurs techniques, de la littérature à la sculpture. Ces récits variés et critiques sont à la fois ancrés dans les débats artistiques de l’entre-deux-guerres et dans une réflexion philosophique intemporelle, qui a fortement influencé l’œuvre de Paul Valéry : celle de la finalité de toute création. Date de première édition : 1934.
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« Ce serait pour dire que nos émotions devant ou à la lecture d’une œuvre d’art, tiennent à beaucoup de choses loin de la compréhension. Ce serait pour dire aussi que le critique doit, s’il veut faire œuvre véritable de critique, se méfier avant tout de lui-même. » Étrange testament d’un homme condamné à l’exil par l’aveuglement critique, mais qui savait l’importance de son œuvre, Racontars de rapin a été écrit par Paul Gauguin aux Marquises, à la toute fin de sa vie, dans un style volontiers barbare. Méconnu, ce texte de « contre-critique » a longtemps été négligé par les institutions et la critique. C’était prévisible : « Peut-être M. Brunetière lira ceci. Il sourira, dédaigneux et dira : “Que M. Gauguin aille d’abord à l’École Normale et nous discuterons ensuite.” – Aura-t-il raison ? » Privilégiant l’émotion et l’instinct plutôt que les idées et la culture, Racontars de rapin véhicule sous son apparent désordre quelques enjeux majeurs de la critique contemporaine, littéraire aussi bien qu’artistique. Un siècle après la mort de Gauguin, le 8 mai 1903, est-on enfin capable de l’entendre ? Ce serait pour dire qu’il y a urgence. Bertrand Leclair. Date de première édition : 1951.
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Au tournant du nouveau siècle, Jean Clair a décidé de revenir sur le cas de Duchamp comme figure exemplaire de la modernité. Reprenant les essais de 1977, il les fait précéder d'une longue étude qui jette sur le père des pseudo ready-made, le rêveur inlassable de La Mariée, et le bâtisseur de ce « Château de la pureté » dont parlait son ami Octavio Paz, une lueur extrêmement dérangeante. En le situant dans une postérité qui est celle de des Esseintes et de Monsieur Teste, comme elle est celle de Max Stirner et de Rudolf Steiner, il lui confère un sens qui, par ricochet, tend à bouleverser l'image que l'on s'est construite de l'histoire de l'art moderne.
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Une tombe dans un cimetière de l'Île-de-France. « Vincent Willem Van Gogh, né à Groot-Zundert (Hollande) le 30 mars 1853, mort à Auvers-sur-Oise (France) le 29 juillet 1890 ». Ces seules informations laconiques pourraient faire réapparaître la vie de Vincent, celle du pasteur qu'il aurait voulu être, comme son père, comme son grand-père ; celle de l'errant qu'il a été, à Bruxelles, Amsterdam, La Haye, à Paris, Arles et Saint-Rémy-de-Provence, à Auvers enfin. Mais là n'est pas l'essentiel. Au-delà d'un récit de doutes, de mécomptes, de misères, de maladies, de solitude, d'exil et de crises... l'univers de Vincent, c'est la peinture. À elle seule il a voué sa vie, parce que c'est par elle et pour elle qu'il a lutté contre tous et contre lui-même. Inlassablement, il peignit le soleil. Jusqu'à la fin. Jusqu'au suicide.
C'est à la réalité qu'est la peinture que Pascal Bonafoux veut conduire, toujours. Date de première édition : 1987.
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Pillée, plagiée, perpétuellement invoquée et sans cesse occultée, la biographie de Michel-Ange par Condivi, reste la source la plus sûre, la plus complète et la plus vivante de toutes les tentatives ultérieures ; c’est le texte auquel se réfère aussi bien le chercheur que le curieux ou l’amateur. Le plus grand créateur de l’Occident y apparaît tel qu’il était, et tel qu’il se voulut, à la fois comme ce « père de l’Art moderne » dont parle Delacroix, comme le penseur incontournable et négligé, et comme le créateur hors normes que la postérité a reconnu. S’il est un homme dont la vie ne saurait être séparée de l’œuvre, c’est bien Michel-Ange : rien de ce qu’il vécut n’échappa à ce qu’il produisit, rien de ce qu’il créa ne resta sans effet sur son destin.
Ascanio Condivi fut l’élève de Michel-Ange, et recueillit du maître lui-même confidences, mises au point, rêveries, réflexions et méditations.
Ce texte, retraduit à partir de l’édition originale et éclairé par un appareil explicatif et documentaire complet, est ici proposé dans une nouvelle édition, revue et augmentée, abondamment illustrée. Date de première édition : 1934.
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