Histoire de l’art

History of Art - This package offers a worldwide panorama of arts from Antiquity to nowadays. Studies about the most famous works of our history stand alongside theorical essays and general biographies. From antic paintings to street art, from the first benefactors to the market’s internalization, the greatest specialists present us an indispensable perspective of all the domains and dimensions of Art.
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Publisher:- Hermann [41] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/hermann
- Gallimard [36] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/gallimard
- Klincksieck [32] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/klincksieck
- Les Belles Lettres [25] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/les-belles-lettres
- Flammarion [15] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/flammarion
- Cercle d’Art [14] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/cercle-dart
- Nouveau Monde [14] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/nouveau-monde
- Honoré Champion [9] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/honore-champion
- Champ Vallon [8] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/champ-vallon
- Éditions du Félin [5] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/editions-du-felin
- Tallandier [5] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/tallandier
- Les Impressions Nouvelles [4] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/les-impressions-nouvelles
- Nirvana Éditions [4] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/nirvana-editions
- Éditions du Rocher [2] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/editions-du-rocher
- Ellipses [2] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/ellipses
- PU Québec [2] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/pu-quebec
- Seuil [2] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/seuil
- Thierry Marchaisse [2] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/thierry-marchaisse
- Climats [1] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/climats
- Éditions Rue d'Ulm [1] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/editions-rue-dulm
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Henry Daniel Thielcke
- Patrick White
- 2022, Hermann
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Henry Daniel Thielcke (1788-1874) a failli passer dans les craques de l’Histoire. L’auteur résume ici le parcours fascinant d’un peintre né à Buckingham Palace et qui a évolué au sein de la famille royale britannique jusqu’en 1820, pour s’exiler ensuite en Écosse (1820-1831), à Québec (1832-1854) et à Chicago (1854-1878). Peintre sous-estimé et méconnu, Thielcke était pourtant un peintre talentueux et résilient, qui fut poussé au nomadisme par un curieux destin. Cette enquête journalistique de longue haleine a débuté en 2006 dans la foulée des recherches en histoire de l’art entreprises par David Karel et Annie Fraser. Cet essai est un devoir de mémoire.
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Art Brut & science
- Jean-Gaël Barbara
- 2021, Hermann
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Ingénieur-adjoint des Ponts et Chaussées, atteint d’une invalidité physique qui deviendra source de troubles psychiatriques, Jean Perdrizet (1907-1975) a créé toute sa vie durant un monde imaginaire et une utopie salvatrice dans l’isolement psychologique, en dessinant des plans richement annotés de robots et de machines volantes, échos aux grandes questions sur la vie extraterrestre, la pensée artificielle, la conquête spatiale, la guerre nucléaire, la communication, la cybernétique, l’imagination, le mouvement, la conscience ou encore la vie après la mort. Cette œuvre, qui a côtoyé dès la fin des années 1950 le nouveau monde de l’art brut – avec Jean Dubuffet –, se laisse approcher, tout en dévoilant par sa transparence ce qu’elle est, entre art et invention technique, en marge de la science, traduction d’une société à la fois ébahie et angoissée par le progrès scientifique et technique. À travers une enquête historique quasi policière de l’ensemble des œuvres connues de Jean Perdrizet et de ses archives, l’auteur livre par l’étude des détails des dessins scrutés à la loupe centimètre par centimètre une image étonnante du XXe siècle, sa reconstruction par la nécessité d’un seul homme qui l’éclaire d’un nouveau jour, tout en interrogeant l’art brut, et plus largement l’Homme.
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Francis Picabia, rastaquouère
- Bernard Marcadé
- 2021, Flammarion
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« Dans ses cinquante années de peinture, Picabia a constamment évité de s’attacher à une formule quelconque ou de porter un insigne. On pourrait l’appeler le plus grand représentant de la liberté en art, non seulement à l’encontre de l’esclavage des académies, mais aussi contre la soumission à quelque dogme que ce soit. » Ces remarques de Marcel Duchamp soulignent la dimension profondément libertaire de celui qui aimait se qualifier d’« artiste en tous genres ». Ce parcours chaotique, contradictoire, fait d’allers et retours permanents entre abstraction et figuration, géométrie et biomorphisme, onirisme et réalisme, ne saurait être appréhendé de façon simplement formelle. Il demeure difficile d’identifier un style ou une manière Picabia. Ce qu’une approche biographique nous permet a contrariode comprendre, c’est précisément une certaine constance dans l’attitude. Ce fils de famille « né sans mère », aux goûts de luxe particulièrement prononcés et à la vie psychique et conjugale agitée, n’est en effet pas à une contradiction près. Francis Picabia n’abhorre rien tant que l’idéal de pureté et d’intransigeance qu’il voit poindre chez ses amis dadaïstes et même chez André Breton. Picabia aime trop la vie pour se laisser enfermer dans une croyance ou une certitude, fussent-elles d’avant-garde. Jusqu’à sa mort, notre « Funny-Guy » restera fidèle à cet état d’esprit, qui renvoie plus à une manière de vivre qu’à un programme strictement artistique. Ce qui pourrait passer pour une suite de reniements et de régressions n’est en fait qu’une manière de dire oui à la vie, à ses errements et à ses contradictions. Francis Picabia est l’artiste qui fait son miel de cette « mort de l’art » tant de fois proclamée au cours du XXᵉ siècle. « Parce que je suis le seul qui, après la mort de l’Art, n’en ai pas hérité ; tous les artistes qui suivent son cortège et se promènent à travers le monde figuraient sur son testament ; moi, il m’a déshérité, mais il m’a ainsi laissé libre de dire tout ce qui me passe par la tête et de faire ce qu’il me plaît. » B. M.
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Coupoles, voûtes et plafonds peints d’époque romaine
- Alix Barbet
- 2021, Hermann
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Engager l’étude des coupoles, voûtes et plafonds peints de l’empire romain est une entreprise qui nous conduit depuis la Grande-Bretagne actuelle jusqu’aux confins de l’antique Mésopotamie, en passant par les pays de l’Europe de l’Est, sans oublier l’Afrique du Nord, jusqu’en Libye et en Égypte. Plus de quatre cents décors sont étudiés, photographiés, dont certains ont disparu, détruits ou volés. Sur les deux cent soixante-douze sites dont proviennent ces peintures, soixante sont issues de la Gaule, donc, presque un quart des sites illustrés avec une mise en perspective de la Gaule dans l’espace du monde romain. Nous tentons de classer ces peintures qui au commencement imitent les caissons de bois ou de pierre qui les ont précédés, puis les draperies, avant d’inventer des schémas décoratifs très variés, proches de certains pavements de mosaïques. Les jonchées de fleurs sont abondantes évidemment dans les tombes dont elles rappellent la fête des roses annuelle consacrée aux défunts. Un empereur comme Néron y ajoutera de l’or sur les voûtes de son palais justement appelé la Domus Aurea qui inspirera les peintres de la Renaissance lorsqu’elle sera alors découverte. Le lien entre le passé et le présent peut se lire à travers cette enquête.
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Christian Boltanski - Récits
- Laure Adler and Christian Boltanski
- 2021, Flammarion
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Christian Boltanski vient de disparaître. Ce livre d’entretiens s’est achevé quinze jours auparavant. Il avait décidé de tout, du titre, de la couverture, de l’ordre des chapitres. Il semblait heureux de ce texte qu’il avait minutieusement relu et corrigé. Il ne faut pas y lire la moindre dimension testamentaire. Christian était habité par une force de vie peu commune, il riait tout le temps, il était très drôle, et ce fut une joie de faire ce livre avec lui. Il était comme on dit « un bon vivant », même si son œuvre, dans ses différents registres et ce, depuis l’origine, était hantée par la mort. L’éphémère, la finitude, la fragilité, le hasard constituent en un entrelacs serré l’arche de ses pensées. L. A.
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"L'art, c'est bien fini". Essai sur l'hyper-esthétique et les atmosphères
- Yves Michaud
- 2021, Gallimard
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On doit à Yves Michaud une analyse fondamentale de l’évolution contemporaine de l’Art. Dans le domaine des arts visuels qu’on appelle Art, nous sommes passés d’œuvres (traditionnellement tableaux et sculptures) à des installations, des environnements, des dispositifs multimédias qui enveloppent le spectateur dans des expériences multi-sensorielles. Telle est la "vaporisation de l’art", son passage à l’état gazeux. La seconde évolution, que décrit cet ouvrage, "le triomphe de l’esthétique", c’est le mouvement d’esthétisation générale de nos milieux de vie. Il faut que tout soit "luxe, calme et volupté", plaisant, charmant, lisse, agréable, ou encore excitant, intéressant dans le registre couramment appelé "esthétique". L’apparition au cours du XVIIIe siècle du concept d’esthétique fut indissociable du changement des expériences que donnaient les arts et de nouvelles formes de la sensibilité. Il en va de même aujourd’hui. L’expérience esthétique a changé : de frontale elle est devenue atmosphérique et se fait sous le signe du plaisir, du sensible et de l’éprouvé. Nous sommes en présence d’une révolution sensible qui rend indispensable une révolution dans "la théorie esthétique", mais la révolution de la sensibilité hyper-esthétique est encore plus importante que celle de la théorie. Le monde des atmosphères n’est plus celui de la perception esthétique. Le monde du Grand Art est mort et bien mort.
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En s’appuyant sur les Recherches philosophiques (1953) de Wittgenstein, Morris Weitz entend démontrer en 1956 l’impossibilité de toute définition de l’art. Après l’examen de la théorie de Weitz, ce livre étudie quatre théories de l’art appartenant à la tradition dite « analytique », qui ont tenté, avec plus ou moins de radicalité, de contourner cet interdit wittgensteinien et ont eu une grande influence sur la philosophe contemporaine de l’art : la théorie institutionnaliste de George Dickie (1973), la théorie réelle d’Arthur Danto (1964), la théorie typale de Richard Wollheim (1968) et la théorie symptomale de Nelson Goodman (1977). L’analyse de ces quatre théories, ainsi que des difficultés qu’elles rencontrent, a pour but de nous mettre sur la voie d’une nouvelle philosophie de l’art.
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Mary Reynolds
- Christine Oddo
- 2021, Tallandier
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Jeune Américaine expatriée en France, Mary Louise Reynolds (1891-1950), entraînée dans le cercle des surréalistes, devient une artiste reconnue à la pointe de l’avant-garde et s’engage dans la Résistance en 1941. Veuve de guerre, la belle Mary débarque dans le Paris des années folles qui swingue au son du jazz et ferraille autour de Dada et du surréalisme. Du Dôme à Saint-Germain-des-Près, du Jockey à l’emblématique Bœuf sur le toit, Mary règne sur les nuits de la capitale et se lie avec Henri-Pierre Roché, Constantin Brancusi, Man Ray, Peggy Guggenheim, Jean Cocteau, André Breton et, surtout, le séduisant Marcel Duchamp dont elle s’éprend. Friande d’esthétisme, l’époque la conduit à la reliure d’art et ses réalisations, recherchées par une clientèle exigeante, rivalisent d’audace et d’humour. Alors que la France est à la merci des nazis, Mary entre dès mars 1941 dans la Résistance aux côtés de Gabrièle Picabia. Mais le réseau est donné : Mary échappe de peu à la Gestapo et, après une folle épopée, regagne clandestinement les États-Unis. Rentrée à Paris après-guerre, elle dirige une revue d’art, avant de s’éteindre, frappée par la maladie, veillée par Duchamp. Christine Oddo nous restitue dans un style alerte et limpide cette histoire d’amour et d’art.
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Peggy Guggenheim
- Francine Prose
- 2021, Tallandier
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Héritière d’une richissime famille juive américaine, Peggy Guggenheim (1898-1979) a rassemblé une des plus belles collections au monde d’art moderne. Excentrique, anticonformiste, libertine, Peggy Guggenheim éprouve un goût effréné pour l’art et les artistes. Après-guerre, sur les conseils d’André Breton, elle expose à Londres Kandinsky, Calder ou Brancusi. Venue à Paris, elle achète un tableau par jour, aide Giacometti et Picasso, puis elle part à New York où elle épouse Max Ernst. En 1942, sa galerie Art of this Century révèle au public les surréalistes européens et la jeune avant-garde américaine – Jackson Pollock, Mark Rothko. En 1949, installée à Venise, au bord du Grand Canal, dans un palais du XVIIIe siècle, elle expose une somptueuse collection que le monde entier admire encore aujourd’hui.
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Au lendemain de la Première Guerre mondiale, d’ambitieuses avant-gardes telles que le constructivisme et le surréalisme se répandent en variantes originales à travers le monde occidental et au-delà, appelant à une révolution de l’homme, de la culture et de la société. Dans les années vingt, au temps de l’art déco, individuellement ou en groupe, on réclame cependant plus de réalisme – poétique, magique, socialiste… – accompagnant des courants régionalistes en Europe ou en Amérique. Réputées moins utopistes, ces réactions répondent aux querelles idéologiques ravivées par la crise économique de l’entre-deux-guerres. Deux types de cultures s’ignorent et s’affrontent. Aux États-Unis, en Union soviétique, dans les dictatures ou les démocraties européennes, un retour à l’ordre souhaité ou imposé est manifeste. La guerre civile en Espagne, préludant à un conflit mondial, va jeter à bas tous les espoirs de changer le monde. C’en sera fini des avant-gardismes comme de leurs adversaires et des certitudes des hommes qui devront constater que l’humanité change mais n’avance pas. Constructivistes ou surréalistes, les grandes avant-gardes historiques ont si bien imprégné les arts, les idées et les comportements qu’on oublie trop ce qu’on leur doit. Elles ne représentent pas qu’une période passée, un concept dépassé et une forme d’action devenue inopérante, même si nous avons cependant encore beaucoup à apprendre de ces mouvements et des réactions qu’ils ont suscitées jusque dans notre vie quotidienne.
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Le Marché de l'art sous l'Occupation
- Emmanuelle Polack
- 2021, Tallandier
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Sous l’Occupation, le marché de l’art a été florissant. Une semaine après l’entrée des troupes allemandes dans Paris commence la saisie des œuvres appartenant aux familles juives. Sous la plume d’Emmanuelle Polack se déploie une galerie de protagonistes – marchands, commissaires-priseurs, antiquaires, experts, courtiers, acheteurs, conservateurs. On entre dans le lieu de leurs activités – appartements, galeries, salles de ventes aux enchères, palaces, banques. Une faune d’intermédiaires peu scrupuleux profite de la confiscation des œuvres. On découvre le destin tragique de galeristes juifs victimes de l’« aryanisation » du monde de l’art. Après la guerre, peu de sanctions seront prises. Aujourd’hui, de nombreuses œuvres n’ont toujours pas été restituées. Elles sont les témoins silencieux de l’Histoire.
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Goya
- Marie-France Schmidt
- 2021, Gallimard
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"La peinture unit en un seul personnage imaginaire les circonstances et les caractères que la Nature présente dispersés dans la multitude, et de cette combinaison ingénieusement conçue résulte cette heureuse imitation qui vaut le titre d'inventeur au bon artiste et non celui de copiste servile." Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828), peintre, dessinateur et graveur espagnol, se situe à la croisée de deux siècles. À la gaieté exubérante ou insouciante du XVIIIe, qu'il exprime dans ses cartons de tapisserie, succède un pessimisme souvent provocant, renforcé par sa surdité et l'effondrement tragique de sa patrie au début du XIXe siècle. À travers les sarcasmes de ses "peintures noires" et de ses gravures, mais aussi dans ses portraits où l'artiste pénètre les âmes, avec tendresse ou cruauté, il donne une touche artistique singulière au mouvement romantique naissant qu'il côtoie lors de son exil à Bordeaux, ville des afrancesados libéraux – et cela jusqu'à sa mort. Témoin de son temps, Goya en est aussi l'accusateur ; et sa peinture, délivrée des contraintes traditionnelles, marque un tournant décisif dans l'histoire de l'art moderne.
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Kandinsky en scène
- Françoise Dubor
- 2021, Hermann
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Au moment où il s’engage sur la voie de l’abstraction en peinture, Kandinsky réfléchit à l’œuvre d’art monumentale qui synthétiserait tous les enjeux fondamentaux de l’art, et il choisit la forme de la composition scénique. Il en résulte une étonnante création qui bouleverse tous les canons de la scène, qui défie sa propre mise en œuvre, en remodelant ses unités fondatrices (l’action, le personnage) et en éradiquant la fable dramatique. La scène de Kandinsky raconte moins qu’elle ne fait ressentir. Elle se propose comme un terrain expérimental sensitif propice à la vibration de l’âme de l’artiste, et la nôtre. L’évolution des formes visuelles et sonores, frappantes par leur suggestif mystère, trouvent des échos sur la scène d’aujourd’hui, qui permet des effets qui étaient irréalisables à l’époque de Kandinsky. Curieuse et radicale conception, comme insoucieuse de son application.
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Magritte et les philosophes
- Sémir BADIR
- 2021, Les Impressions Nouvelles
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"Dans ce livre, je propose une enquête. En m’appuyant très largement sur les dits et écrits de Magritte recueillis après sa mort, et qui ont accompagné les tableaux tout au long de leur création, je tente de restituer la pensée en images de Magritte. En eux-mêmes les tableaux n’y donnent pas accès : on aurait beau chercher et commenter ce qu’ils signifient, on ne parviendrait pas encore à saisir en quoi ils sont nécessaires à la pensée. Alors je les mets en rapport avec des concepts philosophiques. Je montre, à partir de six études, que les tableaux de Magritte sont comparables à des concepts philosophiques et qu’ils réalisent, au sein de l’œuvre, un travail similaire aux concepts qu’emploient les philosophes pour écrire leur pensée." Sémir Badir
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L'art contemporain
- Catherine Millet
- 2021, Flammarion
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Des objets incongrus, des gestes excentriques, mais aussi des photographies, des vidéos et des peintures de facture traditionnelle, voilà ce qui constitue l’art contemporain. Quelquefois, ces œuvres étonnent ou choquent. Elles suscitent en même temps la curiosité, au point de s’y perdre un peu. Aussi, pour qui s’aventure dans le monde de l’art, l’auteure de ce livre fournit des repères et suggère quelques pistes de réflexion. Depuis quand l’art « moderne » est-il devenu « contemporain » ? Pourquoi les artistes ont-ils voulu transformer le rapport des spectateurs avec les œuvres ? Et quand les frontières avec la mode, l’architecture ou même des objets rituels deviennent floues, peut-on encore faire entrer cet art dans une définition ? Ce livre révèle en quoi l’art contemporain est avant tout un espace ouvert, une aire de liberté pour penser et agir différemment quand les idéologies et les systèmes philosophiques qui nous guident sont en crise.
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De la Poétique en Design
- Asma Ghiloufi
- 2021, Nirvana Éditions
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« Ce livre est le produit d’une recherche, effectuée dans un esprit pluridiciplinaire par une poétesse-designer-artiste plasticienne pratiquant l’Art Contemporain. Il s’agit, en fait, dans cette entreprise, pour le moins risquée de faire du Design un lieu d’enchantement poétique du monde et de considérer la production poétique comme une activité de création artistique. »
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Primitivismes II. Une guerre moderne
- Philippe Dagen
- 2021, Gallimard
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Primitivismes, une invention moderne cherchait à montrer comment et pourquoi l’Europe, à la fin du XIXe siècle, fait du primitif une idée essentielle : au temps de l’expansion coloniale et de la naissance de l’anthropologie, ce primitif s’incarne dans les "sauvages", les fous, les préhistoriques et les enfants. Primitivismes II, une guerre moderne continue l’étude des fondements et des usages de la notion jusqu’à la Seconde Guerre mondiale. Trois thèmes s’y tressent. Les arts d’Afrique, d’abord : ceux-ci, après avoir brièvement participé à l’histoire des avant-gardes avec Apollinaire et Picasso, sont captés dans l’entre-deux-guerres par la mode nègre qui se développe en accord avec le discours colonialiste et raciste. Elle les réduit à l’état d’objets décoratifs, sinon publicitaires. Le refus de cette appropriation, ensuite : par ses écrits, ses revues et ses actes, le surréalisme oppose l’Océanie telle qu’il la rêve à ce trop bel art nègre. Dans le même mouvement, il construit une autre histoire et une autre géographie de la création. Celles-ci donnent aux cultures amérindiennes, du Nouveau-Mexique à l’Alaska, à la préhistoire et aux peuples "barbares" anciens, la place qui leur était refusée. Cette contre-culture s’oppose au récit habituel qui veut que la Grèce soit le berceau de la civilisation. Le néo-classicisme s’imposant comme le style des totalitarismes soviétique et nazi, l’affrontement est donc idéologique et politique autant que culturel. Ainsi apparaît la notion de guerre, qui donne son sous-titre au présent volume. Quand Dada fait scandale par le grotesque et le rudimentaire, il se déclare l’adversaire des sociétés occidentales si développées, coupables des carnages de la Première Guerre mondiale. Le surréalisme, à sa suite, attaque l’ordre du monde occidental – rationnel, standardisé, obsédé par le progrès et le profit – et veut susciter ou ressusciter le temps de la poésie, de la magie et de la liberté naturelles.
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Souvenirs d'un marchand de tableaux
- Ambroise Vollard
- 2021, Nouveau Monde
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Galeriste hors pair, marchand d’art, dénicheur de talents, Ambroise Vollard (1866-1939) est devenu le symbole d’une réussite prodigieuse dans un métier hasardeux. Grâce à son intuition exceptionnelle, il a révélé au monde les plus grands artistes, parmi lesquels Gauguin, Cézanne, Renoir, Matisse et Picasso. Avec ces Souvenirs, il revient sur les étapes successives d’une carrière placée toute entière sous le signe de l’audace. Il raconte, par petites touches, les succès de ses découvertes, ses déceptions face aux échecs, et puis les débats, que ses choix très avant-gardistes n’ont pas manqué de susciter dans le marché de l’art. Il évoque les amitiés qu’il entretenait avec ses protégés – Manet, le Douanier Rousseau, Degas, Rodin –, leurs confidences, et nous fait revivre les grandes heures de sa célèbre galerie de la rue Laffitte, à Paris. Ses récits pittoresques et analyses, toujours pittoresques, souvent teintés d’humour, font des Souvenirs d’un marchand de tableaux une référence dans l’histoire de l’art moderne.
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La période hellénistique correspond à une extension géographique maximale du monde grec. On trouve dans ce vaste espace, qui s’étend jusqu’aux portes de l’Inde, des sculptures qui portent la marque de leur temps avec des inflexions régionales. On ne peut, à partir de la mort d’Alexandre en 323, tracer des frontières rigides qui correspondraient aux limites mouvantes des royaumes qui se constituent en remodelant un espace élargi, car les hommes et les objets circulent. Après un premier volume consacré à la présentation des fonctions et des grands thèmes de la sculpture hellénistique (Picard, 2016), François Queyrel privilégie dans cet ouvrage une approche régionale. Il met ainsi en valeur localement la consommation des sculptures, qui peut coïncider mais pas nécessairement avec leur lieu de production, et cerne les échanges et interactions entre sculpteurs et commanditaires, car la sculpture était faite pour un contexte particulier. En adoptant un ordre géographique, il vérifie si des différences existent entre cités et royaumes et constate l’originalité de traditions locales et leur diversité, alors même que les conditions historiques varient suivant les régions, et la force d’une ambition unificatrice qui évolue dans ses formes durant les trois derniers siècles avant notre ère.
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Bertel Thorvaldsen
- Eugène Plon
- 2020, Klincksieck
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Le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen (1770-1844) occupe une place remarquable dans l’histoire de la réception de l’art antique. On peut dire qu’il fut à la sculpture ce que David fut à la peinture, le meilleur des défenseurs du néo-classicisme dans la lignée de Winckelmann. C’est à Rome, où il vécut près de quarante ans, qu’il réalisa la plupart de ses œuvres, en y recueillant l’hommage d’Antonio Canova. Devenu son grand rival, il s’en distingue par une application plus rigoureuse des canons de beauté propres à la statuaire antique. En témoigne son célèbre Jason et la toison d’or, qui le révèle au public en 1803 et le propulse au premier rang de la scène italienne et internationale. L’ouvrage qu’Eugène Plon lui consacrera en 1867 est le plus complet. Jamais réédité depuis une seconde édition en 1874, il l’est, à l’occasion du 250e anniversaire de la naissance de Thorvaldsen, dans une version présentée et annotée par Eryck de Rubercy. S’y ajoutent les textes sur Thorvaldsen des historiens d’art Henri Delaborde (1811-1899) et Sauveur Jacquemont (1837-1898) qu’accompagne la traduction inédite de textes d’auteurs allemands aussi essentiels que Friederike Brun, August Wilhelm Schlegel (lettre à Goethe), Wilhelm Waiblinger, Friedrich Hebbel et August Kestner.
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