Histoire de l’art

Présenté dans un ordre chronologique, l’ensemble des critiques d’art d’Apollinaire permet de se former un jugement indépendant sur ses idées esthétiques, sa compétence et son rôle dans le développement de l’art moderne. En outre, ses écrits en tant que chroniques, nous font revivre jour par jour l’époque la plus animée, la plus héroïque du XXe siècle. Les textes s’échelonnent de 1902 à 1918. On y découvre constamment un grand esprit, un grand poète et un homme de goût, ce qui n’empêche nullement le piquant, la fraicheur et l’imprévu. La critique de Guillaume Apollinaire, en effet, était souvent subjective, impressionniste : il n’hésitait pas à dire avec candeur : « J’aime ce tableau », ou « Je trouve ce tableau détestable ». À l’analyse rigoureusement intellectuelle, il préférait l’impression lyrique, et « son génie de critique », comme l’a remarqué André Salmon, « était inséparable de son génie de poète ». Date de première édition : 1981.

En 1938, un an après sa titularisation à la chaire d’esthétique et d’histoire de l’art du Collège de France, Henri Focillon publie un ouvrage consacré à l’art du Moyen Âge occidental, du XIe au XVe siècle. Ce travail de synthèse, mêlant faits historiques et analyse des formes, éta-blit une chronologie inédite de l’histoire de l’art médiéval, à travers laquelle est démontrée une filiation formelle entre les civilisations occidentale, barbare et orientale. En 1938, un an après sa titularisation à la chaire d’esthétique et d’histoire de l’art du Collège de France, Henri Focillon publie un ouvrage consacré à l’art du Moyen Âge occidental, du XIe au XVe siècle. Ce travail de synthèse, mêlant faits historiques et analyse des formes, établit une chronologie inédite de l’histoire de l’art médiéval, à travers laquelle est démontrée une filiation formelle entre les civilisations occidentale, barbare et orientale. Précurseur d’une conception formaliste de l’histoire de l’art en France, Henri Focillon décrit avec érudition comment l’étude comparée des formes, des techniques artistiques et des idées permet de saisir l’histoire des sociétés. Ainsi, en révélant notamment le passage de la « muralité » de la sculpture romane à « l’humanisme gothique », il parvient à restituer l’évolution de l’image artistique en Occident et à approfondir notre connaissance de l’homme médiéval, « encore présent et debout parmi nous dans les pierres et les monuments ». Date de première édition : 1938.

Historien et critique d’art atypique, par l’influence de ses convictions politiques sur ses travaux, Louis Dimier ne cachait pas sa prédilection pour l’Ancien Régime et s’est ainsi particulièrement attaché à l’étude de la peinture française, de la Renaissance aux Lumières. Dans cet ouvrage, il souhaite apporter au grand public comme aux spécialistes des informations complètes et précises sur l’art pictural du XVIIIe siècle qui s’est distingué, en France, par son extrême variété et son influence internationale. Suivant le modèle apporté par Giorgio Vasari, il choisit de le faire à travers la présentation de ses plus célèbres acteurs, des peintres aux dessinateurs, en passant par les ornemanistes. Réalisée en collaboration avec de nombreux chercheurs, cette étude rassemble ainsi les monographies de plus d’une trentaine d’artistes, d’Antoine Watteau à Jean-Nicolas Servandoni. Sous-tendue par l’ambition de faire valoir la diversité de ces artistes et de ne négliger aucun mouvement, des fresques religieuses à la peinture de genre, elle éclaire de manière inédite le rôle de chacun d’entre eux au cœur de la fertilité artistique française. En alliant leurs biographies et l’analyse critique de leurs œuvres à l’étude générale de la production artistique des Lumières, Louis Dimier nous offre une somme sans équivalent sur l’évolution de la peinture en France au XVIIIe siècle. Date de première édition : 1928-1930.

Il y a la légende Modigliani : un homme qui, selon les clichés néoromantiques les plus éculés, aurait puisé son génie dans la maladie, l’alcool et la drogue. Il y a, sur sa vie, sur son œuvre, tant d’informations approximatives voire de mensonges, souvent entretenus, parfois forgés, à plaisir, par l’imagination des écrivains ou l’intérêt des marchands. Et il y a, d’autre part, la vérité. Une vérité assez riche en drames authentiques pour qu’il ne soit pas nécessaire d’en inventer d’autres. Authentique : la nostalgie jamais éteinte, chez ce peintre, d’une activité de sculpteur trop rude et mal comprise. Authentique : sa fin prématurée alors que sa gloire s’affirmait. Date de première édition : 1990.

« Ce serait pour dire que nos émotions devant ou à la lecture d’une œuvre d’art, tiennent à beaucoup de choses loin de la compréhension. Ce serait pour dire aussi que le critique doit, s’il veut faire œuvre véritable de critique, se méfier avant tout de lui-même. » Étrange testament d’un homme condamné à l’exil par l’aveuglement critique, mais qui savait l’importance de son œuvre, Racontars de rapin a été écrit par Paul Gauguin aux Marquises, à la toute fin de sa vie, dans un style volontiers barbare. Méconnu, ce texte de « contre-critique » a longtemps été négligé par les institutions et la critique. C’était prévisible : « Peut-être M. Brunetière lira ceci. Il sourira, dédaigneux et dira : “Que M. Gauguin aille d’abord à l’École Normale et nous discuterons ensuite.” – Aura-t-il raison ? » Privilégiant l’émotion et l’instinct plutôt que les idées et la culture, Racontars de rapin véhicule sous son apparent désordre quelques enjeux majeurs de la critique contemporaine, littéraire aussi bien qu’artistique. Un siècle après la mort de Gauguin, le 8 mai 1903, est-on enfin capable de l’entendre ? Ce serait pour dire qu’il y a urgence. Bertrand Leclair. Date de première édition : 1951.

L’Introduction à la méthode de Léonard de Vinci est un des premiers écrits en prose de Paul Valéry. « J’ai à combiner les normes suivantes, peinture, architecture, mathématiques, mécanique, physique et mécanisme », a-t-il affirmé en l’écrivant. En fait, cet essai, au-delà de ces réflexions à caractère scientifique, contient en grands traits toute la philosophie et l’esthétique de Paul Valéry. Date de première édition : 1919.

Août 1901, Paul Gauguin quitte Tahiti à bord d’une goélette pour les îles Marquises. Il débarque dans l’île d’Hiva Oa, construit son propre faré qu’il nomme Maison du Jouir, peint et écrit. Avant et après est le récit de tous ses exils et de ses combats : Arles, la Bretagne, Panama, Papeete. Gauguin passe également en revue toutes les morales qui l’ont poussé à fuir l’Europe et à se tourner vers un monde primitif : « Morale du cul, morale religieuse, morale patriotique, morale du soldat, du gendarme. » Enfin, il évoque son amitié avec Van Gogh, sa conception de l’art, ses dégoûts et ses enthousiasmes. Une autobiographie parcourue « par la haine, la vengeance », pleine de « choses terribles » et aussi d’amour, considéré comme le plus grand texte de Paul Gauguin. Date de première édition : 1923.

Paul Cézanne a fait de la peinture l'unique préoccupation de son existence. En 1863, il expose au Salon des Refusés, où le Déjeuner sur l'herbe de Manet fait scandale. Très vite, il se lie avec les impressionnistes et montre chez Nadar, en 1874, sa Maison du pendu, qui voisine avec Impression Soleil levant de Claude Monet. Mais bientôt, tandis qu'il multiplie les séjours à Aix et à l'Estaque, dans la lumière du Midi, son travail prend un tour plus personnel : l'aplatissement des plans semble enfanter un nouvel espace. Viennent les séries, la Sainte Victoire, Les Baigneuses. En 1885, un jeune marchand, Ambroise Vollard, présente la première exposition personnelle de Cézanne. C'est la gloire. Dissociant nettement couleurs et dessin, Cézanne ouvre à la modernité. Mais le motif reste la source nécessaire, et le peintre y revient jusqu'aux derniers instants. Michel Hoog, spécialiste de la période, nous invite à redécouvrir cet œuvre puissant et solitaire. Date de première édition : 1989.

En 1874, Impression, soleil levant déchaîne la critique. Les impressionnistes, ces « malades de la rétine », bouleverseront pourtant la peinture. Touche et couleurs sont fragmentées pour traduire les vibrations de la lumière, jusqu'à cette étape ultime, les Nymphéas, qui font d'un Monet presque aveugle le précurseur des abstraits. Sylvie Patin laisse parler le peintre. Un regard, une vision, un œil... – « Monet ce n'est qu'un œil... Mais, bon Dieu, quel œil ! », s'exclamait Cézanne –, une vie immensément longue, un lieu, enfin, Giverny, désormais indissociable de l'œuvre du maître. Date de première édition : 1991.

« Il reste le soir seul dans l'atelier, dispose les coupelles des différents dosages de blancs obtenus, les applique sur des feuilles différentes, puis dans d'autres coupelles mélange les blancs premiers entre eux, les numérote comme les feuilles qu'il dispose dans tout l'atelier, enfin sort faire quelques pas dans la rue noire laver ses rétines, les lancer vers la nuit d'hiver opaque comme la suie, les plumes des corbeaux. Quand il revient, il note enfin celui qui a percé l'obscurité, le blanc royal, le blanc Fouquet, qui le fait soudain vomir dans la rue. » Franck Herbet-Pain.