Histoire de l’art

En 1938, un an après sa titularisation à la chaire d’esthétique et d’histoire de l’art du Collège de France, Henri Focillon publie un ouvrage consacré à l’art du Moyen Âge occidental, du XIe au XVe siècle. Ce travail de synthèse, mêlant faits historiques et analyse des formes, établit une chronologie inédite de l’histoire de l’art médiéval, à travers laquelle est démontrée une filiation formelle entre les civilisations occidentale, barbare et orientale. Précurseur d’une conception formaliste de l’histoire de l’art en France, Henri Focillon décrit avec érudition comment l’étude comparée des formes, des techniques artistiques et des idées permet de saisir l’histoire des sociétés. Ainsi, en révélant notamment le passage de la « muralité » de la sculpture romane à « l’humanisme gothique », il parvient à restituer l’évolution de l’image artistique en Occident et à approfondir notre connaissance de l’homme médiéval, « encore présent et debout parmi nous dans les pierres et les monuments ». Date de première édition : 1938.

Août 1901, Paul Gauguin quitte Tahiti à bord d’une goélette pour les îles Marquises. Il débarque dans l’île d’Hiva Oa, construit son propre faré qu’il nomme Maison du Jouir, peint et écrit. Avant et après est le récit de tous ses exils et de ses combats : Arles, la Bretagne, Panama, Papeete. Gauguin passe également en revue toutes les morales qui l’ont poussé à fuir l’Europe et à se tourner vers un monde primitif : « Morale du cul, morale religieuse, morale patriotique, morale du soldat, du gendarme. » Enfin, il évoque son amitié avec Van Gogh, sa conception de l’art, ses dégoûts et ses enthousiasmes. Une autobiographie parcourue « par la haine, la vengeance », pleine de « choses terribles » et aussi d’amour, considéré comme le plus grand texte de Paul Gauguin. Date de première édition : 1923.

Claude Monet a joué sa vie sur le motif. Il a bien failli perdre. Le chef de file des impressionnistes lègue à la postérité l’image d’un artiste heureux parmi ses fleurs, peintre jardinier annonçant l’art abstrait dans son domaine de Giverny. Il fut surnommé le Raphaël des eaux, tant ses jours et ses œuvres suivent le cours de la Seine. Mais il n’est pas si paisible. Monet eut deux femmes et une seule maîtresse : la lumière. Sa peinture illustre leurs amours passionnés. Cette vie au fil de l’eau vous fera dériver de Londres à Venise, en passant par la Normandie, Paris et la Bretagne, Alger, la Creuse et la Riviera. Vous rencontrerez Georges Clemenceau, Octave Mirbeau, Émile Zola, Jean-Léon Gérôme et ses gladiateurs, des nymphes, quelques fantômes, le père Poly et même un pharaon. Et puis bien sûr des nymphéas, qu’il vaudrait mieux ne pas croiser. Mais c’est une longue histoire.

Paul Cézanne a fait de la peinture l'unique préoccupation de son existence. En 1863, il expose au Salon des Refusés, où le Déjeuner sur l'herbe de Manet fait scandale. Très vite, il se lie avec les impressionnistes et montre chez Nadar, en 1874, sa Maison du pendu, qui voisine avec Impression Soleil levant de Claude Monet. Mais bientôt, tandis qu'il multiplie les séjours à Aix et à l'Estaque, dans la lumière du Midi, son travail prend un tour plus personnel : l'aplatissement des plans semble enfanter un nouvel espace. Viennent les séries, la Sainte Victoire, Les Baigneuses. En 1885, un jeune marchand, Ambroise Vollard, présente la première exposition personnelle de Cézanne. C'est la gloire. Dissociant nettement couleurs et dessin, Cézanne ouvre à la modernité. Mais le motif reste la source nécessaire, et le peintre y revient jusqu'aux derniers instants. Michel Hoog, spécialiste de la période, nous invite à redécouvrir cet œuvre puissant et solitaire. Date de première édition : 1989.

Modalité du sacrifice que les vivants offrent d'abord à l'au-delà puis, de plus en plus, aux générations futures, la collection est étudiée ici en tant que fait historique, au cours d'un millénaire qui la voit changer deux fois de forme : au départ trésor de temple ou de palais, elle devient, à partir du XIVe siècle, collection particulière et, à la fin du XVe siècle, musée. Changement de forme, changement de contenu en substituant aux saintes reliques et aux merveilles – autres reliques à leur manière – les objets de curiosité et les objets naturels, les antiquités classiques, tant romaines que grecques, et les productions artistiques qui les prennent pour modèles, en attendant l'arrivée des antiquités ethniques et des œuvres d'art moderne. Avec, formant l'arrière-plan, le changement de l'orientation temporelle des croyances collectives que traduit l'expansion de l'idéologie au détriment de la religion. Rupture avec la tradition et basculement vers l'avenir, avancée de la sécularisation des mentalités ; entrée, timide d'abord, puis de plus en plus envahissante de la perspective nationale dans l'étude et l'appropriation du passé ; démocratisation de la culture et importance sans précédent des femmes : l'anthropologie historique des objets qu'apporte ce livre révèle ces tendances à l'œuvre dans l'évolution des attitudes à l'égard du sacré, de la nature, de l'histoire et de l'art.

Nighthawks, New York Movie, Gas, House by the Railroad, les images d'Edward Hopper incarnent nos mythologies américaines. À l'instar des scènes les plus mémorables du cinéma d'Hollywood, nous avons fini par croire à leur vérité, sans jamais cependant oublier qu'elles sont taillées dans l'étoffe des rêves. L'art d'Edward Hopper s'enracine dans le naturalisme des peintres de l'Ash Can School ; il se développe pendant les années 1920 et 1930, dans un contexte soucieux d'identité nationale, qui referme sur lui le piège étroit du réalisme. Didier Ottinger analyse cette œuvre qui présente de singulières affinités avec le surréalisme le plus fondamental, se rapproche des précurseurs d'un art conceptuel, expose des scènes apparemment banales et réalistes mais qui retrouvent l'intimisme de Vermeer, la spiritualité de Rembrandt, la théâtralité de Watteau ou de Degas.

Ces entretiens parus en 1911, six ans avant la mort de Rodin, proposent un voyage dans l’œuvre et la technique du sculpteur, dans son travail « au service de la Nature », fidèle à une conception gréco-romaine et contemplative de l’art. L’artiste de la « ressemblance avec l’âme » livre le secret de sa science du modelé (considérer les formes en profondeur, la surface devant toujours surgir comme l’extrémité d’un volume…). On mesure mieux la sensualité, la vitalité de ses créations, et leur mouvement, magistralement défini comme « transition d’une attitude à une autre ». Rodin nous lègue ici les pages humbles et flamboyantes de son testament esthétique. Date de première édition : 1911.

« Il reste le soir seul dans l'atelier, dispose les coupelles des différents dosages de blancs obtenus, les applique sur des feuilles différentes, puis dans d'autres coupelles mélange les blancs premiers entre eux, les numérote comme les feuilles qu'il dispose dans tout l'atelier, enfin sort faire quelques pas dans la rue noire laver ses rétines, les lancer vers la nuit d'hiver opaque comme la suie, les plumes des corbeaux. Quand il revient, il note enfin celui qui a percé l'obscurité, le blanc royal, le blanc Fouquet, qui le fait soudain vomir dans la rue. » Franck Herbet-Pain.

La constitution des valeurs artistiques s’effectue à l’articulation du champ artistique et du marché. Dans le champ artistique s’opèrent et se révisent les évaluations esthétiques ; dans le marché se réalisent les transactions et s’élaborent des prix. Alors qu’ils ont chacun leur propre système de fixation des valeurs, ces deux réseaux entretiennent des relations d’étroite interdépendance. Face aux transformations économiques et artistiques à l’œuvre depuis la fin du XXe siècle, les marchés de l’art classé – ancien et moderne – et le marché de l’art contemporain doivent relever de nouveaux défis. Quels effets la mondialisation des échanges et des réseaux a-t-elle sur le marché de l’art ? Quels effets exercent les nouveaux supports impliquant la démultiplication et la dématérialisation des œuvres ? Date de première édition : 2003.

Historien et critique d’art atypique, par l’influence de ses convictions politiques sur ses travaux, Louis Dimier ne cachait pas sa prédilection pour l’Ancien Régime et s’est ainsi particulièrement attaché à l’étude de la peinture française, de la Renaissance aux Lumières. Dans cet ouvrage, il souhaite apporter au grand public comme aux spécialistes des informations complètes et précises sur l’art pictural du XVIIIe siècle qui s’est distingué, en France, par son extrême variété et son influence internationale. Suivant le modèle apporté par Giorgio Vasari, il choisit de le faire à travers la présentation de ses plus célèbres acteurs, des peintres aux dessinateurs, en passant par les ornemanistes. Réalisée en collaboration avec de nombreux chercheurs, cette étude rassemble ainsi les monographies de plus d’une trentaine d’artistes, d’Antoine Watteau à Jean-Nicolas Servandoni. Sous-tendue par l’ambition de faire valoir la diversité de ces artistes et de ne négliger aucun mouvement, des fresques religieuses à la peinture de genre, elle éclaire de manière inédite le rôle de chacun d’entre eux au cœur de la fertilité artistique française. En alliant leurs biographies et l’analyse critique de leurs œuvres à l’étude générale de la production artistique des Lumières, Louis Dimier nous offre une somme sans équivalent sur l’évolution de la peinture en France au XVIIIe siècle. Date de première édition : 1928-1930.