Études de la littérature médiévale

Roi légendaire de Bretagne, Arthur a toujours fasciné auteurs et artistes qui, des premiers romans de la Table Ronde aux adaptations plus modernes, n'ont cessé de mettre par écrit ou en images son étonnant destin. Comment ce souverain breton du VIe siècle est-il devenu le personnage central d'un vaste cycle littéraire et artistique encore alimenté aujourd'hui ? Comment et pourquoi a-t-il été placé au panthéon des figures mythiques ? L'enjeu de ce parcours en compagnie d'Arthur est d'établir l'acte de naissance du mythe arthurien, un mythe avant tout littéraire, dont les principales composantes sont en germe dans les textes fondateurs du XIIe siècle, en particulier l'Historia regum Britanniae de Geoffroy de Monmouth (1135-1138) et son adaptation en français le Roman de Brut de Wace (1155). Il s'agit de suivre l'accession du roi Arthur au rang de héros mythique, en déclinant les différentes étapes de sa biographie héroïque, de la naissance merveilleuse du grand roi de Bretagne, à son règne glorieux et à sa mort prématurée, empreinte de mystère.

Les Cent Nouvelles nouvelles, œuvre anonyme rédigée à la cour de Bourgogne aux alentours de 1460, se distinguent à la fois par leur caractère précurseur et par leur ancrage profond dans la littérature européenne du Moyen Âge flamboyant. De fait, il s’agit là du premier recueil de nouvelles en langue française, conçu dans le cadre de la prestigieuse cour de Philippe le Bon, sur le modèle du déjà célèbre Décaméron de Boccace. Organisées à l’Université du Littoral – Côte d’Opale (Dunkerque) les 20 et 21 octobre 2011, les rencontres dont les actes paraissent aujourd’hui ont eu pour objectif de mettre à l’honneur cette œuvre phare, en proposant par surcroît un espace de réflexion sur les origines et le rayonnement du genre de la nouvelle à travers l’Europe médiévale et moderne. Quelle que soit leur originalité, force est de constater que la plupart des récits qui composent ce recueil appartiennent à une longue tradition littéraire. Aussi s’agissait-il de s’intéresser aux sources qui purent inspirer l’auteur du recueil, de même qu’à sa réception et à l’influence qui fut la sienne. Le contexte historique et littéraire de l’œuvre, l’esthétique cultivée par le nouvelliste permettent en outre de dégager les fondements d’un genre promis à un bel avenir.

L’analyse comparative du premier roman arthurien allemand, Erec, composé par Hartmann von Aue à la fin du XIIe siècle, et de sa source française, Érec et Énide de Chrétien de Troyes, permet de mettre en évidence l’intention particulière de l’adaptateur allemand. La question de l’amour ainsi que celle de la bonne ou de la mauvaise parole, qui se trouvaient au centre du roman français, sont neutralisées par Hartmann. Celui-ci retrace le parcours d’un jeune roi qui, après s’être égaré sur le chemin de la colère qui aveugle et rend injuste, redevient exemplaire et fait preuve d’altruisme et de miséricorde. Par bien des aspects l’adaptation allemande épouse la vocation d’un Miroir des princes. Hartmann s’est donc sciemment éloigné de sa source pour aborder une problématique différente de celle de l’hypotexte. Par ailleurs, une étude minutieuse de l’arrière-plan idéologique et historique du roman allemand met en exergue la conception que les contemporains de Hartmann ont de la bonne royauté et de la chevalerie chrétienne.

Fruit d’une tradition collective et d’un génie individuel, tel est le style de celui que l’on considère traditionnellement comme l’un des premiers grands écrivains de langue française et l’inventeur du roman. Dans une perspective de stylistique historique, ce qui pouvait constituer le socle rhétorique de l’écriture de Chrétien de Troyes est minutieusement examiné selon une méthode comparative appuyée sur les arts poétiques de la fin du XIIe siècle et du début du XIIIe siècle. L’écriture des seuils, qui initient une réflexion spéculaire sur l’écriture, les structures de la fiction, qui cherchent à installer l’effet de réel en privilégiant ce qui donne de la profondeur et traduit la complexité, le choix d’une représentation multiple et parfois mystérieuse de la réalité, soutenue par l’hétérogénéité des points de vue et les procédés du dialogisme, la nécessité enfin d’une composition d’autant plus solide et rigoureuse que l’oeuvre est fondée sur la disparate et « faite de morceaux » caractérisent notamment l’originalité du nouveau roman. En dépit d’une stéréotypie contrecarrant le désir d’analyse, l’impression reçue est celle d’une grande modernité ; elle vient sans doute de ce que nous avons tendance aujourd’hui à apprécier le genre romanesque selon une perspective essentiellement narratologique, qui néglige l’aspect esthétique : au Moyen Âge, sous la plume de Chrétien de Troyes, le roman était aussi poème… Le maître champenois l’élabore en collectant ce qui n’était que sporadique ou timide jusque-là, en faisant entrer en résonance des données qui viennent des chansons de geste, des chroniques et surtout de la triade des protoromans antiques. Il poursuit progressivement, au fil de son œuvre, le travail de transformation initié : c’est un synthétiseur de génie et un créateur original. Il permet ainsi à l’œuvre de prendre, d’un tenant, de la hauteur, tout en s’embellissant de multiples ornements et en faisant jouer la lumière du sens : sous sa plume, le roman s’édifie à l’instar des cathédrales gothiques qui voient le jour à son époque.

Définitivement attachée au personnage du chevalier errant, la devise d’armes et d’amours évoque la situation romanesque par excellence. Interroger l’union intime de l’aventure guerrière et de l’amour, c’est remonter au foyer secret du genre majeur de notre littérature. Sans cesse, le monde du roman s’ordonne en des agencements divers. Dans son effort de dépassement de soi, le chevalier est toujours en quête de ce qui ad-vient à l’horizon de l’énigme et de l’imprévu. Il se meut dans l’espace de la merveille, entre le secret et le dire, le sommeil et la veille, la plus intense lumière du jour et la noire mélancolie, la raison et la divagation de l’esprit. Refusant les stéréotypes de la « critique du soupçon », Michel Stanesco attribue au roman arthurien le rôle de vecteur de notre première modernité.

Les grands mythes sont des miroirs où se réfléchissent, au fil du temps, des valeurs et des visions du monde. Parmi les mythes fondateurs de notre culture, celui de Perceval présente une spécificité qui le rend particulièrement ouvert à une pluralité d’interprétations : le texte qui l’inaugure est inachevé. En laissant le Conte du Graal sans conclusion, Chrétien de Troyes déployait un large éventail de perspectives : Perceval serait-il le héros triomphant d’une quête aboutie, ou devrait-il tendre sans répit vers quelque chose qui toujours se dérobe devant lui ? À moins qu’il ne prenne goût à sa recherche, ou qu’elle ne lui devienne vitale… C’est au déploiement diachronique de ce mythe qu’est consacré le présent ouvrage. Après une mise au point sur la notion de « mythe littéraire », il suit Perceval à la trace, en quête des sens toujours renouvelés que son histoire a pris au fil des siècles.

S’interroger sur les enfances arthuriennes revient à accepter que les héros, Arthur et toute la Table Ronde, nous intéressent au point de désirer savoir ce qu’ils étaient lorsqu’on les appelait Gauvainet ou Sagremoret. Les réponses présentes dans la littérature arthurienne prouvent que notre questionnement est partagé par toute une tradition de lecteurs, et que les auteurs, copistes, rédacteurs des diverses Suites, ont souhaité combler les attentes de leur public. Le monde arthurien, monde du roi adulte guidé par un Merlin sans âge, est un univers qui s’efforce d’accéder à la maturité : la disparition des dragons et des diables, la parade amoureuse, le jeu des tournois et même la quête du Graal ne disent pas autre chose. Abandonner l’enfance, s’inscrire dans un lignage, dans une mémoire, écrire ce qui est arrivé pour en faire histoire... Tâches sans fin de qui s’éloigne de l’enfance.

Femmes et littérature, une histoire culturelle offre pour la première fois un ample panorama de la présence des femmes en littérature, du Moyen Âge au XXIe siècle, en France et dans les pays francophones. Composé de deux volumes, l’ouvrage rend compte des multiples formes que prend leur production selon le temps auquel elles appartiennent : poésie, théâtre et roman, correspondance, journal intime et autobiographie, essai, pratique journalistique, littérature populaire et littérature pour enfants. Leur participation active à la vie littéraire, leur présence dans les cours et couvents, salons, cercles et académies, dans la presse et les médias, leur rapport au manuscrit, au livre et à l’édition, leurs réflexions sur l’éducation ainsi que sur leur 'condition' spécifique sont analysés et mis en perspective. Fruit du travail collectif d’une dizaine de spécialistes, une telle synthèse contribue à enrichir considérablement les connaissances existantes. Elle rend ainsi toute sa place à une production littéraire souvent ignorée, rarement reconnue à sa juste valeur.

D’inspiration pleinement religieuse, les Heures de contemplacion sur la Passion de Nostre Seigneur Jhesucrist s’adressent en premier lieu à un public féminin. Les textes sur la Passion sont légion au Moyen Âge, mais l’oeuvre de Christine de Pizan, écrite dans les années 1420 et probablement au couvent des Dominicaines à Poissy, donne une tournure toute personnelle aux sources et modèles dont elle disposait. Ses choix sont heureux : en suivant les Évangiles sans pour autant négliger la légende, et surtout en ajoutant des accents féminins, elle a composé des Heures uniques, qui présentent la Passion d’une façon jusque-là inconnue.

La Divine Comédie de Dante parle de chacun de nous. Un grand nombre de ses vers sont devenus des proverbes, des maximes morales, des sentences, auxquels nous avons recours pour donner plus de force à nos jugements. Composée au début du XIVe siècle, la Commedia est l'œuvre de Dante la plus célèbre et l'un des plus importants témoignages de la civilisation médiévale. Connue et étudiée dans le monde entier, elle est tenue pour l'un des chefs-d'œuvre de la littérature. Pendant trois ans, Carlo Ossola en a donné au Collège de France une Lectura Dantis, dans la grande tradition de la proclamation publique, commentée, des vers de Dante qui dure depuis plus de six-cents ans. Ce texte, d’abord publié en Italie avant d’être largement revu et augmenté pour cette édition, en est le condensé.

Il y a une dramaturgie médiévale. Cette évidence s’impose à qui retrace le travail minutieux et cohérent des dramaturges entre le XIIe et le début du XVIe siècle. Avant de porter sur la scène une matière connue, ils la remodèlent en profondeur. Aucune de leurs créations n’est une transposition brute du récit narratif, toutes témoignent d’une réflexion et d’un savoir-faire sur les moyens propres à captiver les spectateurs. Tantôt on use de conventions, tantôt on crée une imitation suggestive du réel. Étudiée ici sous l’angle de deux de ses dimensions fondamentales, l’espace et le temps, cette dramaturgie se révèle finalement plus homogène que la diversité des œuvres dramatiques ne l’a donné à penser jusqu’à présent.

Œuvre d’amour et de sang, Raoul de Cambrai met en scène un monde féodal promis au chaos, et qui peine à s’inventer ses lois. Les amitiés se brisent, les serments loyaux conduisent aux catastrophes, les rois sont traîtres, les jugements de Dieu ne tranchent plus rien. On quitte l’épopée pour entrer dans le romanesque, on hésite entre la légende et l’histoire. Réunissant extraits de thèses, articles anciens et récents (dont quatre traductions inédites), ce volume fait une large part au thème de la « desmesure » et offre un panorama d’études sur les chansons de geste.

Quelle que soit la page où nous commençons notre lecture des poèmes de François Villon, nous rencontrons l’effet de réel, l’impression incontournable qu’un individu nous y révèle sa pensée, nous y parle du monde réel où il vit : « L’an quatre cens cinquante six, Je, Françoys Villon, escollier » (Lais, v. 1-2) « En l’an de mon trentiesme aage, Que toutes mes hontes j’euz beues » (Testament, v. 1-2) « Freres humains qui aprés nous vivez, N’ayez les cueurs contre nous endurciz » (Ballade des pendus, v. 1-2) L’effet de réel est le secret poétique de Villon, la clé de son art poétique qui consiste, en premier lieu, à nous faire croire qu’il n’y a pas d’art, que ce que nous lisons est vrai, qu’il n’y a pas de distance entre nous et la voix du poète. Les articles réunis ici invitent les lecteurs de Villon à interroger son art, à voir l’effet de réel à l’œuvre dans les poèmes, et à se demander comment l’art de Villon nous fait croire à son personnage et au monde qu’il représente. Chaque article sonde un aspect de l’effet de réel. Après les questions de la représentation et de la référence et du jeu des noms propres dans l’œuvre de Villon et la poésie de son temps (chap. 1-2), l’ordre du livre va de l’intérieur intime du langage et de la voix du poète (chap. 3-4) à la vision morale inspirée par la perspective du monde qui en résulte (chap. 5-7), puis à l’identité poétique révélée par sa mise en page dans les manuscrits (chap 8-9) et enfin à la vie narrative du je poétique dans les récits inventés à partir des poèmes (chap. 10).

Marie de France compose vers 1180, dans l’Angleterre normande des Plantagenêts, le premier recueil de fables en français, une oeuvre exceptionnelle par la richesse de son contenu. Le lecteur y trouve mêlés de la manière la plus étonnante aussi bien les classiques du genre que des fabliaux dépeignant les ruses de femmes adultères, aussi bien des aventures animalières proches du Roman du Renart que des apologues philosophiques atypiques, où l’on croise sorcière, dragon et lutin. Le présent ouvrage est la première monographie à s’intéresser à cette oeuvre dans son entier et à en détailler l’origine, les techniques et l’organisation. L’enquête menée sur les histoires des nombreux genres qui y sont rassemblés, de l’imitation de l’Antiquité aux emprunts à la littérature arabe, puis sur les coulisses du travail poétique et politique effectué par l’auteur permet de restituer à ce recueil unique sa position centrale dans la Renaissance du XIIe siècle et son statut d’oeuvre fondatrice de la littérature française.

Dans le récit médiéval, le substantif « merveille » annonce généralement qu’un événement extraordinaire va se produire, extraordinaire par rapport à l’ordre de la nature, par rapport aussi aux trois références antiques toujours en vigueur, le Beau, le Vrai, le Bien. La beauté de l’héroïne romanesque, la vérité révélée dans la contemplation du Graal et le bien suprême de l’extase peuvent recevoir la mention de «merveille » ; à l’opposé pourtant, il en est de même pour la laideur du monstre, le mensonge du traître ou le mal accompli sous influence diabolique. Se pose alors la question de son origine. La réponse peut venir de l’espace transcendantal, du Ciel ou de l’enfer ; de la féerie, espace mixte où les pouvoirs surnaturels des êtres faés cohabitent avec les sentiments humains ; de l’autrefois païen et celtique, que la culture chrétienne a plus ou moins bien intégré ; des curiosités de la nature enfin, et même de la nature humaine. Quand le texte n’apporte aucune des clarifications attendues, la merveille prend une coloration fantastique. À une époque où les formes romanesques sont en cours d’élaboration, la merveille représente un pôle de fascination propre à solliciter l’imaginaire héroïque. Deux foyers thématiques sont particulièrement actifs, les faits et dits de Merlin et les merveilles du Graal, porteuses des mystères fondamentaux, asymptotes des mystères sacrés. Les quinze études ici réunies explorent la notion de « merveille » dans les textes narratifs composés en langue vernaculaire entre la Chanson de Roland et le Roman de la Rose.

Dans le roman médiéval, la qualité esthétique est partout : elle est assignée aux demoiselles comme aux chevaliers, aux décors comme aux lieux d’apparition du Graal. Cette étude, qui envisage la beauté comme une question (est-il même pertinent de postuler une catégorie beauté ?), porte sur plusieurs romans du début du XIIIe siècle : le Perlesvaus, le Lancelot propre, la Queste del Saint Graal, le Bel Inconnu de Renaud de Beaujeu, Meraugis de Portlesguez de Raoul de Houdenc et le Roman de la Rose de Guillaume de Lorris. Il s’agit de déterminer si la représentation du beau ressortit à une conception unifiée. L’enquête associe à l’examen du corpus celui d’œuvres vernaculaires du XIIe siècle ; elle y associe également l’observation de deux champs discursifs qui portent sur des réalisations singulières de la valeur esthétique : les arts poétiques et plusieurs textes théologiques. Il ressort que, sans être pour autant l’équivalent roman de la pulchritudo, la « beauté romanesque » est à la fois une res, dotée de caractéristiques sensibles relativement stables, et un signum, ouvert sur un aliud aliquid.

« Michel Rousse n’oublie jamais que si le texte est, s’agissant du théâtre, la source d’information la plus riche sur un art dont nous ignorons l’essentiel, il est la résultante de multiples facteurs : un auteur, mais tout autant des acteurs, un dispositif scénique, un public dont les habitudes et les traditions commandent par avance le tracé de l’œuvre. Ainsi Michel Rousse a-t-il réussi à retracer la genèse de la farce et à présenter un panorama complet du genre pendant sa période d’expansion : public, composition du spectacle, mise en scène, jeu, acteurs, troupes, répertoires... Ce qui suppose des qualités et des connaissances d’historien, de folkloriste, de critique littéraire, de philologue, et d’homme de théâtre, qu’il met au service d’une scrupuleuse honnêteté scientifique. » (J. Dufournet)

L’on estime souvent que la versification des sotties françaises, textes dramatiques courts qui décrivent les folies du monde, a été gravement détériorée au cours de leur transmission, surtout quand il s’agit de pièces conservées sous forme d’imprimés de format agenda. Mais rien ne prouve que l’état de la versification de ces pièces, employées dans des conditions différentes des autres types d’écrits, ait été irréprochable lors de la représentation. Que disent en réalité ces phénomènes formels qui nous déroutent autant dans la lecture que dans l’analyse, et quelle attitude pouvons-nous adopter face à eux ? En explorant la versification des textes intitulés « sotties » par les contemporains, le présent travail vise à décrire l’état et le processus de mise en forme du discours par la versification des textes dramatiques de la deuxième moitié du XVe et de la première moitié du XVIe siècle. À travers l’examen détaillé de chaque pièce, il révélera les manières dont ces sotties, qui sont en réalité gouvernées par une souplesse réglée et qui accueillent même des vers « irréguliers » afin de produire des effets spécifiques, ont été composées, jouées et diffusées sur le plan formel.

La Chanson de Roland, ici traduite d'après la version recueillie par le manuscrit d'Oxford, est le premier texte littéraire écrit en français et la première chanson de geste connue en Europe occidentale. On situe sa création autour de l'an 1100. Si elle partage avec les autres gestes françaises l'absence d'historicité, le sentiment féodal, l'imagination la plus débordante, elle est indiscutablement supérieure à tous les autres poèmes épiques par sa composition parfaite, soignée jusqu'à des détails insoupçonnés d'équilibre et de beauté formelle. Elle représente un des sommets de cet art. Il est surprenant qu'une expédition inutile ou presque comme le fut celle de Charlemagne en Espagne en 778, et qui s'acheva par l'écrasante défaite de la bataille de Roncevaux, ait trouvé une justification aussi grandiose. Son héros, l'impétueux Roland, l'une des figures littéraires les plus inoubliables des lettres françaises de tous les temps, est connu pour sa démesure héroïque, son sincère repentir postérieur, son amour illimité de la chevalerie et de l'honneur de la douce France. Sur nombre de places de vieilles villes européennes se dressent des statues de Roland, écho de la diffusion que la journée de Roncevaux et sa version littéraire ont atteinte dans le monde médiéval et chrétien.

Essentiellement célébré pour son merveilleux Stabat mater et sa fortune musicale connue de tous, Jacopone da Todi fut longtemps considéré comme un mystique exalté, un fou de Dieu. Or, dans les Laudes, textes destinés à être lus ou chantés et circulant dans tous les couvents franciscains dès le XIIIe siècle, Jacopone da Todi déploie une puissance créatrice et un registre de tons qui marqueront son temps et en particulier un jeune poète, Dante Alighieri, dont la Divine Comédie restera influencée par Jacopone. Le laudario représente une voix originale associant le mysticisme et le réalisme le plus cru, le lyrisme hérité de la poésie courtoise et l'âpreté de l'invective, le raisonnement et le cri, la tradition littéraire et l’expérimentation stylistique.

Cléomadès d’Adenet le Roi et Méliacin de Girart d’Amiens constituent ensemble une énigme de l’histoire littéraire du Moyen Âge. Nés d’un même conte oriental, ils forment deux romans distincts, exactement contemporains. En cherchant à percer ce mystère de la gémellité des textes, l’ouvrage explore des aspects encore mal connus du roman médiéval : le rôle du mécénat littéraire à la cour de France à la fin du XIIIe siècle, la dimension à la fois ludique et politique d’une écriture de l’émulation, les modalités de l’appropriation culturelle d’un matériau oriental atypique, les contours esthétiques mouvants du roman d’aventures en vers à l’orée de son déclin, les méandres de la postérité médiévale et post-médiévale de deux textes aussi singuliers qu’indissociables.

Démons et merveilles, loups-garous, femme-serpent mélusinienne, fées, dracs aquatiques, lamies, chevaliers fantômes et bien d'autres créatures fantastiques surgissent au fil des pages des Otia Imperialia – traduits ici en partie pour la première fois en français moderne – que l'Anglais Gervais de Tilbury composa, au début du XIIIe siècle, pour le plaisir de l'Empereur Otton IV de Brunswick. Homme d’Église, éminent juriste, grand dignitaire et conseiller de l’Empereur, l’auteur, après une jeunesse passée à la brillante cour d’Henri II Plantagenêt et d’Aliénor d’Aquitaine, fut amené par ses fonctions à parcourir l’Europe et à séjourner longuement en Italie et dans le royaume d’Arles. Les Otia Imperialia visent à amuser, à étonner le lecteur, mais aussi à le faire réfléchir. Gervais a mérité le titre de « premier folkloriste du Moyen Âge ». Mais c’est aussi un observateur attentif de son temps, qui nous donne à voir mille détails de la vie des hommes au tournant des XIIe et XIIIe siècles.

Au XIIe siècle, avec son Roman de Brut, Robert Wace invente à la fois la littérature française, l’histoire et le monde arthurien. Entre Angleterre et Normandie, il tisse l’unité du royaume d’Henri II Plantagenêt et d’Aliénor d’Aquitaine. Entre mémoire et histoire, il rattache son roi à l’univers d’Arthur, à la conquête de l’« Île de Bretagne » par César et sa défense par Cassivellaunos. Poète, il sait donner à la légende l’épaisseur du mythe, faire intervenir Merlin et les chevaliers de la Table Ronde, offrir du songe en même temps que de l’histoire. Les communications ici rassemblées croisent leurs approches pour offrir une vision féconde et stimulante de cette œuvre fondatrice.

Les fictions épiques et romanesques des XIIe et XIIIe siècles peignent un univers largement guerrier, invitant le lecteur à porter un regard différent sur un phénomène que les récits modernes ont révélé sous son jour le plus absurde et rejeté aux rives de l’inénarrable. La littérature médiévale tient en effet sur la guerre un discours complexe, qui appelle à réfléchir sur la manière dont elle rationalise et interprète la violence collective. C’est à quoi s’attache ce livre, qui articule une réflexion poétique et l’analyse des représentations idéelles. Il éclaire ainsi la multiplicité des points de vue sur la guerre, son étrange labilité narrative, ainsi que son rapport à l’ordre du monde et à celui de la destinée. Le sens que donnent à l’action guerrière des œuvres majoritairement adressées à une élite laïque se comprend en les replaçant dans un dialogue avec les vues cléricales contemporaines et en tenant compte des spécificités des formes littéraires, de leur écriture de l’Histoire, et de la façon dont elles organisent le temps.

Écrit en latin au XIIe siècle, découvert au XIXe siècle et traduit ici pour la première fois en français, l'Ysengrimus est un texte sans équivalent : ancêtre du Roman de Renart, il raconte l'éternel affrontement du loup et du goupil. Mais dans cette épopée monastique, écrite pour réjouir les clercs, c’est Ysengrin, moine et évêque, qui joue encore le premier rôle. Sa sottise et sa voracité l'exposent aux pires mésaventures, sèment la panique dans un monastère de Gand, avant d'entraîner sa perte, aussi cruelle que méritée. En toile de fond de cette fable animale, l'Europe de la seconde croisade, dominée par la figure de saint Bernard et par l'essor de la vie monastique. Épopée, fable satire, l'Ysengrimus fait éclater la notion de genre et mêle à un humour érudit et cruel les accents sombres d'un pessimisme radical.

Si « le style, c’est l’homme », on comprend combien la littérature largement anonyme du Moyen Âge rend son approche difficile ; c’est pourtant au style de Wace que la journée d’étude de Jersey a été consacrée. Né dans l’île qui a accueilli cette rencontre, Wace a composé cinq textes majeurs qui lui sont attribués sans le moindre doute : cette ampleur autorise une approche du style ne relevant pas seulement de l’art de traduire et d’organiser le récit mais d’une manière d’écrire qui lui serait propre. Wace est le premier auteur majeur de la littérature médiévale, et l’œuvre qu’il nous laisse nous permet une approche stylistique impossible dans un autre corpus.

L’étude des épopées traditionnelles en général et de la chanson de geste en particulier a mis en valeur l’importance du phénomène de la stéréotypie, tant au plan du contenu que de l’expression. À partir de l’analyse critique des notions de « motif narratif » et de « style formulaire », le présent volume, réédition complétée et mise à jour d’un ouvrage paru en 1992, propose des critères stricts de définition : distinction entre motifs narratifs et motifs rhétoriques, structuration interne des uns et des autres, description de leurs possibilités de composition. Il ouvre enfin des perspectives vers l’étude thématique, l’analyse stylistique et l’évolution diachronique de chaque catégorie. Divers index le complètent, et notamment des index de motifs établis à partir du dépouillement de sept chansons totalisant près de 55000 vers. La méthode qui y est définie peut s’appliquer, au-delà des chansons de geste, aux épopées traditionnelles de nombreuses cultures et servir ainsi à de fructueuses études comparatives.

Les Vœux du Paon de Jacques de Longuyon (1312) ont joui d'un très grand succès à la fin du Moyen Âge, en France, en Angleterre, dans le duché de Brabant, en Espagne et en Italie. Les continuations, les réécritures et les imitations qu'ils ont suscitées dans les littératures de plusieurs aires culturelles se conjoignent à une influence sur la réalité historique et l'imaginaire chevaleresque, à travers l'appropriation par l'aristocratie princière du rituel des vœux sur un oiseau et la belle postérité littéraire et artistique des Neuf Preux. Jacques de Longuyon et ses continuateurs contribuent aussi à la création d'une figure médiévale spécifique d'Alexandre le Grand, et inventent à ses côtés de nouveaux personnages, qui n'ont de passé ni littéraire ni historique et leur permettent d'exercer pleinement leur liberté de créateurs de fictions. Le présent ouvrage a l'ambition d'approfondir l'étude des innovations littéraires qu'offre cette œuvre du XIVe siècle encore très peu explorée par la critique et d'analyser quelques-unes des manifestations de son rayonnement.

Le présent ouvrage propose un parcours de recherches portant sur l’étude du genre encyclopédique médiéval d’une part, des relations entre la littérature médiévale et le monde du savoir, surtout celui des encyclopédies, d’autre part. Cette direction de recherche offre des éclairages particuliers pour la compréhension des mentalités médiévales. Elle permet aussi de mieux cerner le statut de l’écrivain, ainsi que la fonction de la littérature dans la société médiévale. Du point de vue de la critique littéraire proprement dite, l’analyse des procédés d’écriture reposant sur un donné de savoir encyclopédique et savant apporte une contribution supplémentaire à la compréhension que l’on peut avoir de la littérature médiévale et de ses objets.

« Mainte belle oeuvre faicte » : sous ce titre qui exprime magnifiquement leur admiration et leur gratitude, les meilleurs spécialistes du théâtre médiéval rendent hommage à un maître. Leurs contributions abordent tous les aspects de la scène médiévale : – conditions de la représentation ; – transmission et tradition des œuvres au travers de l’Europe ; – éléments matériels et effets spéciaux dans la mise en scène ; – typologie et spécificité des genres littéraires ; – enjeux politiques et théologiques des mystères ; – réception du jeu dramatique en France et dans toute l’Europe. Ces trente études attestent du rayonnement de Graham Runnalls et de ses travaux sur l’état présent de la recherche.

Figure marquante de la seconde moitié du XIVe siècle, Othon de Grandson a été célébré par Georges Chastellain, Jean Froissart et Christine de Pizan pour ses qualités de vaillant chevalier, et par Martin le Franc, Alain Chartier et Geoffrey Chaucer pour ses vers. Son œuvre, tombée dans l’oubli dès la fin du XVe siècle, redécouverte à la fin du XIXe siècle par Arthur Piaget, reste encore assez mal connue. Cet ouvrage regroupe des articles inédits consacrés au chevalier-poète. Ils offrent des éclairages historiques, littéraires et paléographiques sur Othon de Grandson et son œuvre.

Qui a créé la Farce de Maître Pathelin ? Dans quel contexte ? Où ? Quand ? Comment ? Pourquoi ? Après trente ans d’enquête et de publications, Bruno Roy livre ses conclusions : l’auteur du Pathelin est Triboulet, premier du nom, le fou du roi René. Le Pathelin, loin d’avoir été conçu comme une farce, serait plutôt une sorte de revue de personnages et d’événements associés à la cour angevine du roi René durant les années 1450. Selon Bruno Roy, l’intrigue de la pièce repose sur un fait divers conservé dans la mémoire familiale des Triboulet de Provence. Quant au personnage de Josseaume le Drapier, il renvoie à Guillaume Josseaume, le réformateur franciscain haut en couleur, familier de la cour de René d’Anjou.

Les premiers romans médiévaux sont des chefs-d’œuvre ; Chrétien de Troyes nous en offre la preuve avec Perceval où, de façon radicalement nouvelle, il articule la légende et la langue, la mémoire celtique et les préoccupations courtoises, et ménage de subtils échos entre Perceval, le chevalier débutant qui chemine vers de plus nobles valeurs, et le chevalier accompli, modèle de courtoisie qu’est Gauvain. Dernier roman de l’auteur, le Conte du Graal est aussi son œuvre la plus énigmatique ; qui sait ce qu’est le Graal ? L’œuvre se résout-elle à une problématique chrétienne, ou Chrétien veut-il nous mener plus loin ? La courtoisie suffit-elle à mettre en ordre le monde arthurien ? Toutes ces questions sont abordées ici, dans des approches que l’on a voulu aussi variées que possible : leur richesse montre assez à quel point cette littérature suscite encore l’étonnement et l’admiration.

Ce livre est un essai sur le Roman de la Rose de Jean Renart, roman atypique et sophistiqué du début du XIIIe siècle, généralement désigné aujourd'hui sous le nom de Roman de Guillaume de Dole, du nom de son héros, pour le distinguer du célèbre Roman de la Rose de Guillaume de Lorris et Jean de Meun. Dans ce dernier, la rose est la métaphore de la jeune fille aimée et de sa virginité. Dans le Roman de la Rose de Jean Renart, la rose, bien réelle, est une marque de naissance sur la cuisse de l’héroïne. Mais elle désigne le sexe féminin par contiguïté et déplacement – par métonymie, en somme. Le roman joue constamment de ce glissement en affichant une superficialité ostentatoire, qui contraste avec l’art littéraire et la pensée de son époque, anxieux de trouver sous la lettre un sens second et profond. Il ne cesse de révéler l’essentiel à travers l’accessoire : peut-être est-ce le secret même de l’art romanesque.

Les satires et les parodies constituent un domaine méconnu au sein d'une littérature byzantine dont on a surtout lu et commenté la production savante des historiens, philosophes et théologiens. Certaines d'entre elles, dont le présent ouvrage propose une anthologie, ont été écrites en langue vulgaire entre le XIIe et le XVe siècle et figurent ainsi parmi les premières œuvres de la littérature grecque moderne. Elles nous font découvrir des aspects ignorés de la vie quotidienne de cette civilisation, comme les déboires conjugaux d'un poète famélique, les vexations infligées à un jeune moine dans son monastère de Constantinople, les milieux du jeu et de la prostitution dans la Crète vénitienne, et nous révèlent que la fantaisie et la dérision y avaient toute leur place. Elles montrent que la culture byzantine tardive était un univers, non pas clos, uniquement relié sur son héritage antique, mais ouvert à des formes de pensée et d'écriture communes à tout le Moyen-Âge européen. Le lecteur français trouvera dans ce recueil des textes que l'on peut rapprocher des fabliaux, du Roman de Renart, ou des poèmes de Rutebeuf.

Spécialiste des Passions dramatiques d’expression française jouées tout au long du second Moyen Âge, Jean-Pierre Bordier s’est plus largement intéressé aux formes théâtrales cultivées en Europe durant les Xe-XVIe siècles. Pour donner à lire ces jeux par personnages bien plus divers que ne le laisserait attendre leur commune imprégnation de la doctrine chrétienne, Jean-Pierre Bordier s’est fait tour à tour philologue, linguiste, anthropologue, littéraire, historien. Et à ces approches diverses d’un même champ d’étude, il a joint une constante et fructueuse ouverture à d’autres registres d’expression (récits courtois, littérature hagiographique, poésie satirique, écriture allégorique…). Cette variété éclairante se retrouve dans l’hommage que lui rendent ici une trentaine d’anciens élèves, collègues et amis. Le théâtre des XIIe-XVIIe siècles a la part belle mais non l’exclusivité. Aux contributions centrées sur le théâtre proprement dit, s’ajoutent en effet celles qui, autour de la notion de théâtralité, s’intéressent à la présence d’une « qualité théâtrale » dans des textes variés. Sans rompre totalement avec un apparentement au théâtre, un troisième volet explore d’autres voies de la révélation, privilégiant la « littérarité » comme signe et manifestation du sens.

Dans son « Voyage », Jean de Mandeville nous entraîne à la découverte de l'ensemble du monde connu avant Christophe Colomb, de France à Jérusalem, puis en Perse, au Caucase et enfin en Inde : autant de royaumes merveilleux aux palais fastueux et aux paysages foisonnant de splendeurs. Loin de tout européocentrisme, Mandeville présente, dans un style coloré et vif, un monde uni et ouvert, sans discriminations raciales ni religieuses. Pour cet humaniste chrétien, « rien n’est laid de ce qui est dans la Nature ». Son « Voyage» est très vite devenu le premier « best-seller » de la culture européenne : traduit dans toutes les langues dès 1350, il a connu 250 versions manuscrites et 120 éditions. S’il demeure un classique en Allemagne ou en Angleterre, il était introuvable en France depuis plus d’un siècle. Chevalier aux origines incertaines (Français ou Anglais ?), Jean de Mandeville étudia à Paris, puis entreprit voyages et pèlerinages en Terre Sainte et dans l’ensemble du Bassin méditerranéen. A son retour, il s’installa dans un couvent de Liège, où il mourut en 1372, et consacra son existence à la rédaction de ses pérégrinations et à la compilation de récits de voyages antérieurs.