Études de la littérature francophone

Ôoka fut un spécialiste de Stendhal avant de devenir l’un des grands écrivains japonais d’après-guerre. Depuis sa première lecture de La Chartreuse de Parme en 1933 jusqu’à sa mort en 1988, il ne cessa d’approfondir sa recherche sur la vie et l’œuvre de Stendhal. Mon Stendhal est un recueil des articles qu’il a publiés sur ce sujet dans les magazines littéraires de l’époque. Chacun éclaire un aspect singulier de la vie et de l’œuvre de Stendhal, souvent au prisme d’un critique français (Taine, Balzac, Thibaudet, etc.) ou japonais (Ueda Bin, Mori Ôgai, Tanizaki Jun’ichirô, et bien d’autres auteurs qui ont contribué à la réception de Stendhal au Japon à partir de 1900). Interrogeant le point de vue de chacun, Ôoka écrit pour ainsi dire une histoire de la réception de Stendhal en France et au Japon. En même temps, il développe et approfondit une question qui intéresse tous les lecteurs de littérature : quelle est la nature de l’amour que suscite en nous la lecture d’une œuvre littéraire ? À travers le prisme de ce témoignage, le lecteur pourra appréhender l’évolution de la critique et de la pensée littéraires au Japon tout au long du XXe siècle. Il pourra découvrir en filigrane les fondements de la pensée romanesque d’Ôoka Shôhei, et même, en retournant le miroir, interroger son propre rapport à la littérature sous l’angle singulier de l’amour qu’il porte lui-même à ses auteurs d’élection.

Entre Novalis et Mallarmé, et en dépit de la distance historique de près d’un siècle, d’indéniables correspondances de contextes et de projets, de thèmes, d’images et de formes, ont déjà été mentionnées par les commentateurs. On veut ici approfondir ces correspondances, analogies et différences, par une confrontation plus systématique de l’ensemble des deux œuvres, et par une exploration nouvelle, tenant compte des récentes recherches, en allemand, en anglais et en français, concernant ces deux auteurs.

Ce recueil d’essais met en lumière les principales étapes de la réflexion théorique sur le roman en France (ainsi que l’influence exercée sur cette réflexion par les théoriciens du genre narratif de l’antiquité classique et par les Italiens du Cinquecento), à partir de la Renaissance jusqu’à la fin du Grand Siècle. Et c’est dans la mesure où le roman occupait, dans la phase initiale de cette réflexion, la place la plus basse dans la hiérarchie des genres, que les théoriciens l’ont rattaché à l’épopée, qui occupait au contraire la place la plus éminente, et lui ont de la sorte conféré des « lettres de noblesse ». Toutefois les théoriciens n’ont pas manqué de souligner que si les rapports entre le roman et l’épopée sont étroits à l’âge baroque, ils se desserrent à l’âge classique, si bien que les deux sous-genres narratifs finissent, dans la seconde moitié du XVIIe siècle, par parler deux langages différents. L’analyse des poétiques du genre narratif aux XVIe et XVIIe siècles constitue en somme la toile de fond de cet ouvrage, au cours duquel sont non seulement examinés quelques épopées et quelques romans du Grand Siècle particulièrement significatifs (et mis en évidence les rapports que ces derniers entretiennent ou n’entretiennent pas avec le poème héroïque), mais est aussi prise en considération l’opinion que se sont faite, à la même époque, de l’épopée et du roman, d’importants auteurs qui ont cultivé d’autres genres littéraires.

Il n’existait pas, à ce jour, de véritable histoire littéraire d’un fleuve qui a pourtant inspiré les écrivains et les poètes depuis l’Antiquité. Après de longues années d’explorations dans les archives et les bibliothèques de la vallée du Rhône de Lausanne à Arles, ce travail réunit et analyse un grand nombre de références, de textes et de documents souvent inédits, en langue française et en langue provençale, constituant la bibliothèque rhodanienne la plus complète à ce jour. Cependant, le présent ouvrage n’a rien d’une simple compilation. Ce matériau fait l’objet d’une réflexion sur l’émergence, l’évolution et la spécificité d’une littérature rhodanienne, dont l’œuvre centrale est Lou Pouèmo dóu Rose / Le Poème du Rhône (1896), le chef-d’œuvre de Frédéric Mistral, qui, après une relative indifférence des écrivains pour le Rhône, consacre les thèmes rhodaniens et crée ses propres mythes.

Ouvrage collectif à dimension internationale, le Dictionnaire Michel Tournier propose en 323 entrées une présentation analytique de l’œuvre et de la figure intellectuelle de l’auteur (1924-2016). Né à Paris, philosophe de formation, très marqué par le monde germanique, il vient tard à la littérature après des années passées dans le monde de l’édition, de la radio et de la télévision. En retrait d’une modernité incarnée par l’école de l’absurde, le Nouveau Roman et la famille des expérimentateurs du langage, il est élu à l’Académie Goncourt, en 1972, après les publications très remarquées de Vendredi ou les Limbes du Pacifique (1967) et du Roi des Aulnes (1970). Son œuvre renouvelle l’écriture du roman, à la fois réaliste et fantastique, déchiffrant le monde contemporain à la lumière des mythes à portée métaphysique. Grand voyageur s’intéressant aux civilisations orientales, Japon, Inde, à l’Afrique, au Canada, à la photographie aussi – il est le fondateur des rencontres internationales d’Arles –, son regard sur le monde, teinté d’humour, a une portée universelle qui bouscule les conformismes et renouvelle les idées reçues.

Cet ouvrage rassemble vingt-cinq articles de l’auteur portant sur la matière et les traditions de l’écriture épique du Moyen Âge français, pour mettre en valeur les évolutions et les transformations qui se dessinent, du XIIe à la fin du XIVe siècle, dans les rapports entre la chanson de geste et l’historiographie. Il interroge en particulier les interactions entre vérité poétique, fiction romanesque et vérité historique, interactions qui aboutissent à l’intégration de la matière épique carolingienne (la « matière de France ») à une écriture historique, en vers ou en prose, sensible aux prestiges et aux potentialités idéologiques d’une fiction que l’on s’efforce de faire passer pour de l’histoire authentique. Il envisage successivement divers aspects de la poétique des chansons de geste, de leur univers entre tradition et mutations, de la place de l’idéologie dans la création épique, pour se terminer avec les transformations que subissent leur matière et leur écriture dans des textes historiographiques comme la Chronique de Turpin, la Chronique rimée de Philippe Mousket, ou le Myreur des histors et la Geste de Liège de Jean d’Outremeuse.

Le présent volume est le fruit d’une collaboration au long cours entre médiévistes et modernistes – littéraires, historiens ou philosophes – ayant pour objet le discours mystique. Il est le deuxième d’une série de quatre : langage, sujet, institution, révélation. Dans la période qui mène du XIIe siècle au seuil des Lumières, le discours mystique s’offre comme un véritable carrefour, dont l’intelligibilité se déploie autour de ces quatre pôles pour former ce que Pierre Gire nomme un carré mystique. Le pôle du sujet est crucial, si l’on songe que la mystique est souvent définie comme une « connaissance expérimentale de Dieu » (Jean Gerson), qui engage l’homme dans un processus de transformation intérieure. L’union déifiante ou la vision jouent un rôle déterminant dans cette dynamique spirituelle, où l’individu s’éprouve en rencontrant le divin. Les études ici rassemblées s’interrogent sur les rapports entre expérience mystique et écriture du sujet, au Moyen Âge et durant la première modernité.

Dans La Henriade, Voltaire offre un récit poétique et captivant des guerres de religion, depuis la Saint-Barthélemy jusqu’à la conquête de Paris par Henri IV. Alternant les récits de batailles et l’analyse politique, la réflexion philosophique et la vision de l’Histoire, il aborde les grands débats qui animeront la pensée des Lumières, comme la place de la religion dans la société, la tolérance, la figure du souverain ou le progrès des arts. Une décennie après la mort de Louis XIV, il y pose la première pierre du mythe du « Grand Siècle », esquissant les emblèmes de la Nation, tels qu’ils se constitueront dans la France moderne. Illustration remarquable de la poésie au début du XVIIIe siècle, La Henriade a connu dès sa parution un immense succès et est devenue au fil de ses multiples rééditions un carrefour capital de la vie littéraire et philosophique. Cet ouvrage collectif analyse le parcours éditorial de ce poème, en étudie la poétique et la conception de la fiction, notamment dans le rapport à l’Histoire, et explore la trace qu’il a laissée dans la mémoire critique et la tradition scolaire.

Mars 1699, une date capitale dans la vie et dans l’œuvre de Fénelon : mettant fin à près de cinq années de vives querelles sur la question de l’amour pur et désintéressé, un bref du pape Innocent XII condamnait 23 propositions de l’Explication des maximes des saints de l’archevêque de Cambrai ; quelques jours plus tard paraissait anonymement à Paris le premier tome des Aventures de Télémaque. Réunis à Strasbourg trois siècles plus tard, en 1999, quelque trente-cinq spécialistes de Fénelon, de la littérature classique et de la pensée religieuse des XVIIe et XVIIIe siècles se sont interrogés sur la signification et les conséquences du double événement de mars 1699. Y avait-il un lien entre la condamnation des Maximes des saints et la publication hâtive du Télémaque ? Quelles conséquences eut la première sur l’évolution de la pensée théologique ? Comment interpréter le foudroyant succès du Télémaque qui deviendra pour plus de deux siècles l’œuvre la plus souvent rééditée et traduite de la littérature française ? Signification politique d’un livre qui pouvait passer comme un manifeste d’opposition à Louis XIV ? Chef-d’œuvre littéraire, qui avait su merveilleusement associer la passion pour l’Antiquité, pour Homère et pour Virgile, avec une modernité qui annonçait, tout en les façonnant, le goût et la sensibilité des générations suivantes ? Ainsi comment les contemporains, et les lecteurs des XVIIIe et XIXe siècles, lurent-ils ce roman, que l’on pourrait aussi appeler épopée ou poème en prose ? Autant de questions abordées dans cet ouvrage qui au-delà de la personne de Fénelon éclaire les mutations de la pensée religieuse et de l’art littéraire au temps de la crise de la conscience européenne.

À partir de découvertes et de la réévaluation des traditions manuscrites et imprimées, les meilleurs spécialistes reprennent ici sur nouveaux frais le dossier de la circulation de la Servitude volontaire de La Boétie. Les sept études ici recueillies mettent en scène toute une série de possesseurs, de lecteurs et de producteurs réunis autour d’un texte dont la circulation n’implique pourtant pas simplement la réception. Il s’agit de rendre compte de la mouvance d’un texte facilement adaptable à la recontextualisation, au regard de la tyrannie de Marie Stuart ou de la cause des Malcontents en France. Ainsi la primauté autrefois accordée à un seul manuscrit (BnF Fonds français 839) cède-t-elle le pas à une pluralité de traditions, soulignant la souplesse de la Servitude volontaire à l’échelle européenne.

Les articles réunis dans le présent volume couvrent quelque vingt-cinq ans de réflexion autour de la satire, la parodie et l’engagement littéraire. Revus et mis à jour, ils sont une invitation à se pencher sur les frontières floues, grâce auxquelles émergent des registres d’expression à la fois apparentés et différents, prêts à se combiner ou se contaminer. En étudiant – de la louange au blâme en passant par l’enseignement – les facettes de l’écriture politique entre Moyen Âge et Renaissance, l’ouvrage tente de situer le geste fondateur des écrivains qui, sous Charles VI, sont descendus dans l’arène politique, cherchant à influencer le cours des événements. Dans quelles conditions la parole engagée a-t-elle pu émerger et se revendiquer comme telle ?... Quels discours, dans le champ littéraire médiéval, ont préparé le terrain à un registre d’écriture qui avait de beaux jours devant lui, du Ronsard des Discours aux formes que prend l’engagement sur la Toile ?... C’est à une traversée de la littérature entre Moyen Âge et Renaissance qu’est invité le lecteur, car les clercs ont coulé dans les moules les plus variés le message adressé, au-delà du prince, à la noblesse et parfois à la nation : le songe allégorique, l’épître (humaniste), le traité, le roman, le théâtre et le lyrisme ont retenu tour à tour notre attention.

1820. Les Méditations. Le Lac. Qui connaît encore la suite ? Et pourtant. Lamartine n’a pas seulement inventé le lyrisme romantique, il a aussi actualisé sa doctrine poétique dans le domaine le plus éloigné en apparence de ses vallons et coteaux ombragés : dans la politique parlementaire. De 1834 à 1848, puis pratiquement jusqu’à sa mort, il s’est forgé un destin de polygraphe hors pair. Il est devenu simultanément et successivement orateur de la Chambre, historien, journaliste, romancier. Avec pour seule mission d’inventer sur la terre une de ses Républiques imaginaires qui peuplent les manifestes politiques et poétiques dès 1830. Il est le père de la démocratie moderne et nous rappelle à son insu que la politique des gouvernements doit et devra toujours des comptes à la poésie. A-t-il réussi à joindre avec panache et splendeur le poème et la tribune en Février 1848 ? A-t-il au contraire manqué le tournant du désenchantement, dépassé par ses cadets, Flaubert et Baudelaire ? Sans doute, le poète moderne n’a-t-il pas que des succès à son actif. Lyrique par intermittence – successful aurait dit Stendhal –, mais aussi vilipendé, moqué et finalement déchu simultanément de la lyre et du pouvoir, Lamartine est le poète démocratique par excellence. Il dota d’une souveraineté révolutionnaire l’opinion publique, la rumeur, les bruits de la rue, les voix du peuple en les consacrant au moyen d’une éloquence démocratique, en inventant un lyrisme de masse : au même titre que ses muses glorieuses et anciennes, en prenant le risque d’y perdre la poésie.

L’œuvre d’Aragon, dans sa pluralité de formes, met en jeu des champs du savoir très divers : la littérature et son histoire ; l’histoire des formes, de l’art et de la musique ; celle des langues ; le cinéma ; les sciences politiques… Elle s’adresse tout aussi bien au lecteur de poèmes qu’à celui de romans. Elle s’est adressée aussi au militant, au partisan, au résistant ; les textes politiques ou journalistiques intéressent aujourd’hui non seulement l’histoire de la littérature, mais aussi tout lecteur qui cherche à comprendre les enjeux politiques, les luttes et les violences du XXe siècle. Ce dictionnaire a l’ambition d’aider ceux qui souhaitent appréhender l’œuvre d’Aragon dans sa complexité et sa richesse et en approfondir certains aspects méconnus, grâce à un état du savoir qui a mobilisé 62 contributeurs, sous la direction de Nathalie Piégay et Josette Pintueles, avec la collaboration de Fernand Salzmann.

Loin d’être un écrivain du consensus, François Mauriac échappe à toutes les catégories. À ceux qui veulent l’emprisonner dans son milieu d’origine, il se confronte, à ceux qui étiquettent son œuvre, il s’oppose. On le croit de droite, il pense à gauche. Fidèle mais rebelle, il résiste et se cabre. Catholique, il écrit des romans sulfureux au parfum de scandale. Bourgeois, il met en évidence les failles d’une société traditionnelle et réagit contre l’oppression et l’injustice. Provincial et sédentaire, il s’engage par-delà les frontières et défend une vision universelle de l’humanité. Académicien et Prix Nobel, couronné pour son œuvre romanesque, loué pour la pureté et l’élégance de sa langue, il s’impose comme éditorialiste et jette son « prix dans la bagarre ». Retentissante, sa parole singulière est portée par une voix brisée. En écho à cette fêlure, il y a un monde malade et un homme qui se bat. Inclassable, Mauriac dérange. Renouer avec l’œuvre et la pensée d’un auteur continuellement en mouvement, incapable de rentrer dans le rang et engagé toujours plus avant dans l’exercice de sa liberté, tel est le projet de cet ouvrage, composé de plus de sept cents entrées rédigées par une équipe internationale de soixante-douze spécialistes.

Les lectures de ce XVIIIe siècle dont il est issu constituent un héritage qui représente pour Stendhal une cellule génératrice d’imaginaire et d’idées : les mémorialistes, Montesquieu, Voltaire, Prévost, Diderot, Rousseau. Sans oublier la place inaugurale qui revient à Molière, un des premiers modèles, et les récits de voyage qui ont servi de discours d’escorte au futur « touriste ». En regard, Stendhal le « cosmopolite », celui qui disait avoir « parcouru l’Europe de Naples à Moscou », a bien été lu, entre autres, par Suarès et Valéry en France, Ortega y Gasset en Espagne, Gadda, Sciascia et Calvino en Italie, Zamiatine en Russie, Sebald en Allemagne. Cet aperçu de quelques lecteurs européens et modernes illustre l’héritage laissé par celui qui croyait « aux lecteurs de l’avenir ».

L’amour en poésie a suscité nombre d’investigations thématiques et historiques, déployées dans des champs culturels variés, mais peu de recherches sur les structures de l’expression. Comment la poésie dit-elle l’amour, et qu’en dit-elle ? Comment l’être aimé se trouve-t-il évoqué, appelé, célébré et relié à l’énonciateur aimant ? Cet ouvrage descriptif, dans lequel l’examen de l’organisation des énoncés guide l’interprétation des textes, se propose de repérer les formes, figures et procès constitutifs du caractère « amoureux » du verbe poétique. De l’inscription du prénom dans le poème aux recréations modernes de la louange, les principales modalités d’évocation de l’être aimé sont considérées, sans éluder les questions qui forment aujourd’hui le nébuleux halo du simple mot « image ». Si la paronomase, l’analogie et l’hyperbole exercent toujours leur plein empire sur les poètes amoureux du XXe siècle, les mises en œuvre attestent une évolution dans le traitement des images. La célébration, sujet classique des études littéraires, n’est pas le seul mobile du poème. L’aspiration poétique à neutraliser l’incompatibilité du réel et de l’imaginaire, rejoint l’aspiration amoureuse à « sortir de soi » pour accéder à autrui, ce qui détermine des procès communicants spécifiques, structures ouvertes de la représentation et de l’énonciation. La teneur sentimentale de cette parole destinée, orientée, est aussi envisagée, dans une réflexion sur la déclaration d’amour. S’affirme ainsi, d’étude en étude, la vocation relationnelle d’un type de discours fondé sur une dépendance allocentrée. L’énonciateur tend à établir un lien à tu et à toi, qu’il lui faut sans cesse renouer. Un aperçu des différentes configurations de la liaison interpersonnelle rend compte de la formation de ce couple verbal. L’approche formelle introduit au cœur de discours encore peu explorés. Car même circonscrit à une langue et un siècle, le domaine reste immense, la poésie française du XXe siècle constituant une matière littéraire foisonnante, hautement hétérogène. Au-delà de son prime enjeu – dégager et décrire des structures significatives communes à des textes d’une extrême diversité –, ce livre fait entendre ou découvrir quantité de voix amoureuses de notre poésie.

Ce qui constitue aujourd’hui pour nous l’œuvre de Mme de Sévigné est le résultat de la rencontre improbable entre une correspondance privée et un vaste public. Beaucoup se sont penchés sur le mystère de cette mutation d’un texte, en interrogeant principalement l’histoire des publications successives et de la réception. La Conquête de l’intime offre une perspective nouvelle sur la Correspondance, à travers une analyse génétique prenant d’abord en compte l’espace double, à la fois public et privé, dans lequel naît le discours épistolaire. Contrairement à notre conception moderne, la distinction de ces sphères, dans la seconde moitié du XVIIe siècle, reste encore inachevée et laisse subsister de nombreux espaces indifférenciés. L’art de l’épistolière consiste à explorer ces nouvelles lignes de partage lors d’incessants aller-retour : public et privé, c’est-à-dire aussi contraintes et libertés, extérieur et intérieur, rhétorique et création. Là se situe le principe dynamique d’une œuvre en mouvement, réfractaire aux interprétations univoques. Sans jamais renoncer au bruissement des nouvelles, aux conventions du monde ni au modèle conversationnel, Mme de Sévigné parvient à faire de la lettre un refuge de l’intime, l’instrument privilégié d’une construction de soi. Ce pari ambitieux suscite de multiples interrogations : comment une forme d’écriture relevant d’un usage étroitement codifié parvient-elle à donner corps à l’intime ? Quels codes inédits ont rendu possible ce détournement d’un genre ? Quelles nouvelles formes d’expression ont pu pallier les lacunes de la langue pour aborder la vie affective ? Le subtil enchevêtrement du public et du privé, de la norme et des libertés, nous conduira ainsi jusque dans les arcanes du laboratoire de l’œuvre.

Jacques Lusseyran (1924-1971), écrivain et essayiste aveugle, est aussi une figure méconnue de la Résistance intérieure française durant la Seconde Guerre mondiale. Restées longtemps ignorées dans son propre pays – alors qu’il a poursuivi une carrière de professeur de littérature dans plusieurs grandes universités américaines –, sa vie et son œuvre suscitent un intérêt grandissant dans la recherche française et internationale. Le succès du livre que lui a consacré Jérôme Garcin, Le Voyant (Gallimard, 2015, Folio, 2016), en est à la fois la cause et la manifestation. Cet ouvrage propose une vaste exploration de la vision intérieure paradoxale de Lusseyran qui, ayant perdu la vue à l’âge de 8 ans, s’est construit autour de la lumière et des couleurs dont il affirme garder la perception et qu’il magnifie par l’écriture. Les différentes approches historique, littéraire, philosophique, mais également scientifique (neuro-ophtalmologie), permettent ici d’étudier la place qu’il occupa au sein de la Résistance, l’attitude qu’il adopta face à la réalité tragique des camps de concentration (il fut déporté à Buchenwald), et d’interroger les catégories essentielles de son écriture – telle la synesthésie, qui concourt de manière exemplaire à l’élaboration d’un monde intérieur riche et poétique contrastant avec les représentations classiques de l’absence de vue comme privation et déficience. Le discours de la cécité chez Lusseyran est également confronté à celui d’autres écrivains aveugles contemporains, qui replacent son œuvre dans un réseau de références allant de l’Antiquité homérique à une écriture du quotidien marquée par une désacralisation de la non-vue en passant par la vision hugolienne de la cécité et de la mystique.

Cet essai a pour intention de mettre en valeur la figure controversée du fils de David, Absalom, le jeune homme à la tête d’or, dont la révolte contre son père ne fut pas seulement une querelle de palais, mais dut obéir à une recherche de lui-même, selon le précepte nietzschéen : « Deviens qui tu es ». Une telle figure ne pouvait pas manquer d’inspirer, depuis le récit biblique, nombre d’écrivains – romanciers, dramaturges, poètes, essayistes, partagés entre réprobation et admiration –, ainsi que nombre de peintres sensibles à la beauté tragique d’un être aussi tumultueux, dont la mort singulière, entre châtiment et glorification, fut pleurée par son père : « Absalom, ô mon fils ! que ne suis-je mort à ta place ». La figure du fils de David suspendu aux ramures du chêne annonce celle d’un autre Fils, cloué sur la croix et béni par son Père.

Ce dictionnaire répond à une triple volonté : il entend d’abord établir le bilan de plusieurs décennies de réflexion théorique, plus de quarante ans après la parution du Pacte autobiographique (1975) de Philippe Lejeune. Il vise ensuite à cartographier un champ de recherches dont l’extension est souvent mal comprise : l’autobiographie au sens strict, mais également, et plus globalement, les écritures de soi. À un moment où la médiatisation de l’autofiction brouille les frontières entre fiction et non-fiction, il semble important de décrire les spécificités du champ non fictionnel et de se demander si l’écriture autobiographique est un modèle d’écriture identifiable à quelques traits précis ou un registre qui transcende les frontières génériques. Enfin, ce dictionnaire souhaite féconder un nouvel élan théorique. Il dépasse une vulgate promue par l’institution scolaire et universitaire, constituée en canon, ne se limite pas aux seuls corpus consacrés mais s’intéresse également à des auteurs méconnus, voire aux écritures ordinaires. Derrière le succès de l’autobiographie se cache une diversité de pratiques et de genres ayant en commun l’écriture à la première personne, qui connaissent des fortunes variables mais ne cessent de se nourrir réciproquement : Mémoires, souvenirs, témoignages, journaux personnels, correspondances intimes, chroniques… Il s’agit de désenclaver l’autobiographie en la réinscrivant dans une large continuité historique et au sein de l’espace francophone ; les écritures de soi, souvent réduites à leur seule prétention à calquer le monde, sont aussi des supports essentiels au renouvellement de la création littéraire.

Les poèmes nervaliens gardent les traces d’une accumulation de connaissances érudites. Les odelettes des années 1830 sont composées dans l’atmosphère qui règne autour de la Révolution de Juillet. Les sonnets de 1841 reflètent l’état psychique de l’hôte des maisons de santé, mais aussi les débats sur la poésie dans les années 1840. La reprise de quelques sonnets en 1844 et 1845 n’est pas sans lien avec le sentiment religieux durant cette période. Les deux recueils d’odelettes et de sonnets en 1852 ont pour but de proposer un renouvellement de la poésie française. Enfin, les poèmes des Chimères peuvent être lus comme une réalisation de cette poétique nouvelle inventée par Nerval. L’objectif général de cette étude est d’établir un dialogue face à face avec Nerval, et non de le lire par le biais des images de la folie, du mysticisme ou du mythe personnel. Nous évitons, dans la mesure du possible, de projeter notre propre imaginaire sur les vers ; pour cela, nous cherchons à mettre en lumière le savoir de l’époque où il a vécu, à travers lequel nous essayons de recréer le point de vue de ses lecteurs contemporains.

Quoique minoritaire dans la poésie européenne – en particulier dans la poésie française – de la seconde moitié du XXe siècle, l’héritage romantique d’une démiurgie souveraine reste pourtant explicitement maintenu chez certains, comme André Frénaud, Pierre Emmanuel et Patrice de La Tour du Pin. Mais le paradigme de cette ambition du Livre total, répondant à l’aspect intensif de la notion de totalité, semble nécessairement, après le second conflit mondial, associé au risque totalitaire de la parole définitive obérant le reste du monde. Un autre mode de totalisation, misant sur l’extensivité, substitue alors au pouvoir du sujet poétique absolu l’humilité d’une singularité parmi d’autres, exprimant dans l’œuvre la blessure de l’altérité qui la fragmente. Par l’acceptation de cette mise à distance de la puissance, les livres de poèmes situés dans leur temps s’ouvrent à la multiplicité irréductible, pour renouveler le droit, même s’il se sait précaire, à une dynamique de totalisation verbale qui n’exclut ni la responsabilité civique, ni l’humour heureux.

Avec l’idée du retour des personnages, Balzac a l’intuition soudaine de l’unité de composition. L’œuvre qu’il est en train d’écrire trouve ainsi sa cohérence, annoncée par un titre à vocation unitaire, La Comédie humaine. La Bible est en cela son modèle. Il lui emprunte techniques narratives, structures, rhétorique et accorde la même importance qu’elle aux mots, aux lettres, aux chiffres. Son ambition immodérée va être d’écrire un livre total, une œuvre-monde, où se devinent les figures des patriarches, l’émouvante beauté des vierges, la poésie du Cantique des cantiques et des visions d’Apocalypse. Peut-être même a-t-il divisé son œuvre en ensembles homologues des livres bibliques, faisant du Colonel Chabert son Job, ou d’Illusions perdues son Ecclésiaste. Par absorption, transformation, dilatation, relativisation, parodie, la Bible devient donc matière balzacienne et le roman, palimpseste biblique. De plus, le romancier incite ses lecteurs à une véritable exégèse. On est saisi de vertige chaque fois qu’on entreprend de décrypter le sens littéral des intrigues pour atteindre les multiples significations qui leur sont données par le symbole, le mythe, la métaphore, l’allégorie, la morale. Cet essai se veut une herméneutique du romanesque, destinée à dépasser le sens apparent de La Comédie humaine, aussi riche soit-il, pour en révéler le sens ésotérique et mystique, condition nécessaire du sublime balzacien.

En quoi le théâtre, qui fleurit en plein XVIe siècle pour s’épanouir dans les commencements du XVIIe siècle, de l’âge baroque vers le classicisme, se nourrit-il de la matière des épopées et des romans qui l’ont précédé ? Comment arrive-t-il en même temps à s’inscrire – suivant un mouvement inverse – dans les récits romanesques ? De la transposition sur scène des fictions narratives à l’inclusion du paradigme théâtral dans le roman, de quelle manière le mode dramatique et le mode narratif dialoguent-ils ensemble ? Et où leurs frontières se rencontrent-elles ? Ce recueil, qui rassemble une douzaine de contributions issues d’horizons critiques divers (entre France et Italie, XVIe et XVIIe siècles, théâtre et roman), explore le domaine des interrelations génériques et suit des parcours de migrations et de convergences entre les modes et les genres. Il offre ainsi – à partir d’études de cas précis – un tableau contrasté des influences réciproques et des échanges mutuels entre les deux grandes modalités de la représentation, alliées et rivales à l’époque : le théâtre en pleine ascension et le roman à un moment clé dans l’élaboration de sa poétique.

Depuis quarante ans, on ne parle guère de l’autobiographie sans évoquer le « pacte autobiographique ». Mais sait-on à quel point cette idée a évolué entre sa première formulation dans L’Autobiographie en France (1971) et Signes de vie (2005) ? Le présent ouvrage est consacré à la fortune de l’étude la plus citée de Philippe Lejeune, « Le pacte autobiographique » (1973), reproduite intégralement et suivie d’une analyse des débats qu’elle a suscités entre son auteur et des écrivains (S. Doubrovsky, A. Robbe-Grillet) ou d’autres théoriciens (P. de Man, G. Genette, G. Gusdorf, etc.). Le rôle étonnant du « Pacte autobiographique » dans la genèse de l’autofiction a été abondamment discuté. Là n’est pas, pourtant, le seul impact d’une étude qui a aussi ouvert la voie à une conception pragmatique du genre littéraire et représente, en plein règne du Texte, un effort pour penser la référentialité de la littérature.

Giraudoux reste un des très grands noms du théâtre de l’entre-deux-guerres, mais des controverses brouillent la réception de son œuvre : trop littéraire, trop rêveuse, suspecte de pacifisme, voire de trahison des idéaux républicains qui l’ont nourrie. Son esthétique romanesque, plus novatrice et corrosive qu’on ne croit, et qui avait marqué successivement Gide, Proust, Thibaudet, Blanchot, Aragon, et jusqu’à Jean-Luc Godard, est à redécouvrir. Cet ouvrage, rédigé par une équipe internationale de spécialistes issus de plusieurs disciplines (littérature, philosophie, histoire, urbanisme, cinéma), ne néglige aucune investigation dans le tissu de l’œuvre, en recense les thèmes profonds et en restitue la cartographie. Les mises en perspective historiques sont précises, et aucune polémique n’est ignorée. Intégrant les travaux les plus récents de la très vivante critique giralducienne, ce dictionnaire entend ne pas dissocier le soldat patriote, le « fantaisiste » si proche parfois des surréalistes, le romancier qui écoute les sirènes du sublime mais qui désespère du monde tel qu’il va, l’homme de théâtre épris du « beau langage » mais qui voit dans la scène une tribune, l’humaniste qui se veut conscience civique, le critique littéraire qui découvre l’ascèse de ce qu’il appelle déjà « l’écriture ». Car l’imaginaire de Giraudoux est un et traverse tous les genres. C’est celui d’un auteur qui a porté au plus haut – peut-être un peu trop – la foi dans une nation littéraire.

Grand siècle du roman par le nombre d’ouvrages publiés, le XVIIe siècle voit l’essor de ce genre en même temps que sa théorisation : des préfaces des Scudéry au Traité de l’origine des romans (1670) de Huet, des stratégies concertées visent à convaincre religieux, doctes et mondains de la valeur morale et pédagogique du roman ainsi que de sa soumission à des règles. Dans les années 1660, les modifications de la pratique romanesque s’accompagnent d’un renouveau de la réflexion théorique. Les mutations formelles sont alors mises au compte d’un changement de genre : le roman héroïque ou grand roman céderait la place à la nouvelle ou petit roman. À partir des années 1670, la séparation radicale entre les deux formes fait l’objet d’un consensus, bientôt systématisé par le traité de Du Plaisir (1683), inscrit dans l’histoire littéraire au XVIIIe siècle, puis définitivement enregistré par la critique moderne. Comment comprendre la relation qu’entretiennent poétique et pratique romanesques au XVIIe siècle ? Cet ouvrage se propose d’étudier la conception du roman durant tout le siècle à partir des discours formulés à son propos : préfaces, traités, articles ou lettres. Qu’ils attaquent, défendent ou codifient le roman, tous contribuent à l’instituer en genre littéraire.

À propos du choix d’un prénom, d’un néologisme ou d’une expression, il est fréquent d’entendre dire : « ça sonne bien/mal/ bizarre… ». Y a-t-il un lien entre ces appréciations spontanées d’aujourd’hui et le « jugement de l’oreille » qui s’installe dans les discours sur la langue du XVIe au XVIIIe siècle ? Pour rendre compte des variations de l’usage, comparer mots et tours syntaxiques, évaluer le rythme d’une phrase ou d’un vers, grammairiens et lettrés en ont souvent appelé à « l’oreille », ce « juge difficile et superbe ». Mais de quelle nature est ce jugement ? Et quelle place « l’oreille » a-t-elle tenue dans les représentations de la langue française, dans la dynamique de la normalisation, dans la volonté d’élaboration d’un « beau français » ? C’est ce concept en devenir que le présent ouvrage propose de mettre au jour et d’explorer, en retraçant son émergence, sa diffusion et son déclin, depuis la Renaissance jusqu’à la Révolution.

Cet ouvrage vient répondre à des interrogations spécifiques à la phraséologie française, interrogations qu’on peut ramener aux trois points suivants : quelles contributions apporte la recherche en français dans le domaine de la phraséologie générale ? Quelles problématiques privilégie-t-elle ? Quelles orientations générales prend-elle ? Pour apporter des éléments de réponse à ces questionnements, nous retiendrons les trois axes transversaux suivants vers lesquels convergent toutes les contributions de cet ouvrage : l’objet de la phraséologie, ses outils méthodologiques et les unités polylexicales qui font l’objet de l’ensemble des recherches dans ce domaine. Ces trois éléments couvrent de fait les trois conditions auxquelles doit répondre toute discipline : objet spécifique, méthodologie et unités d’analyse.

Mallarmé a toujours exprimé une passion pour le théâtre, de même que pour l’écriture théâtrale. Livre et Nature se donnent comme deux aspects d’un même Théâtre pouvant porter le nom de l’un ou de l’autre : « un théâtre inhérent à l’esprit, quiconque d’un œil certain regarda la nature le porte avec soi, résumé de types et d’accords ; ainsi que les confronte le volume ouvrant des pages parallèles ». Les études ici rassemblées procèdent à une élucidation du sens spirituel que Mallarmé donnait au théâtre. Elles envisagent celui-ci dans son rapport aux vécus eux-mêmes dramatiques de l’auteur (Chap. I), à ses conceptions de la « logique » du théâtre et de la « fête » sociale et politique (Chap. II), du théâtre et de la musique (Chap. III), du théâtre et de la peinture (Chap. IV), du théâtre et de la vérité morale (Chap. V), enfin du théâtre et de la notion de rythme cosmique présente dans la lecture bachelardienne de Mallarmé (Chap. VI). La Conclusion insiste sur l’ambiguïté spirituelle de ce théâtre notamment dans ces mots : « la Divinité, qui jamais n’est que Soi », et dans le « Rien » ou « Néant » de cette théâtrale « Divinité ».

Dans la tradition de la synonymie distinctive en France, l’ouvrage de P. J Roubaud, Nouveaux Synonymes français, publié à la fin du XVIIIe siècle, est à redécouvrir. Les contributions ici réunies font apparaître son originalité radicale tout en le situant dans un vaste parcours, de la Justesse de la langue françoise de l’abbé Girard (1718) au Dictionnaire des Synonymes de la Langue française de P. B. Lafaye (1858). Roubaud, héritier des étymologistes antérieurs comme Ménage, s’écarte de l’examen des seuls signifiés pour opposer des signes, forme et contenu. Découvrant dans les affixes des entités oppositives dotées d’un sens spécifique, il est un des pionniers de la morphologie dérivationnelle. Sous une forme pré-structurale qui évoque les tentatives d’un Pierre Guiraud, il ébauche une problématique de l’analogie du son et du sens et renoue, comme de Brosses ou Court de Gébelin, avec la matérialité des faits d’articulation.

Ouvrage collectif à dimension internationale, le Dictionnaire Marguerite Yourcenar propose en 325 entrées une présentation analytique de l’œuvre, de la figure intellectuelle, des prises de position publiques, des temps forts de l’existence de Marguerite Yourcenar (1903-1987). Femme de Lettres française née en Belgique et naturalisée américaine, elle s’illustre durant six décennies dans l’ensemble des genres littéraires tout en doublant son œuvre par une intense activité épistolaire. En retrait d’une modernité incarnée par le surréalisme, l’existentialisme et le Nouveau Roman, la première femme élue à l’Académie Française déplace toutefois bien des usages et se trouve en phase avec un XXIe siècle dont elle annonce certaines évolutions culturelles : le jeu entre fiction et non fiction, le renouvellement de l’écriture de soi hors du modèle autobiographique, la revendication écologique dont elle compte parmi les pionnières, l’exigence d’une littérature du monde à laquelle cette éternelle voyageuse associe un idéal d’universalité.

Et si les valets de comédie n’avaient rien de commun avec la domesticité française des XVIIe et XVIIIe siècles ? Si Sganarelle et Arlequin n’étaient pas des figures de pauvres ou d’opprimés, ni Figaro le premier signe d’une Révolution en marche ? Cet ouvrage se propose d’étudier à nouveaux frais le valet de comédie en France sous l’Ancien Régime, à la lumière de la convention théâtrale dans laquelle il s’inscrit. Il le confronte pour cela à son principal modèle, l’esclave de comédie romaine, lui aussi régulièrement placé en position de maîtrise dramaturgique et spectaculaire. Il fait ainsi apparaître que ces rôles, plus métathéâtraux que sociaux, donnent avant tout à penser l’activité théâtrale, dans des contextes comparables de vedettariat exacerbé : figures d’acteurs ou de poètes, esclaves et valets comiques donnent à voir le théâtre dans toute sa virtuosité technique, en un geste de mise en valeur et d’autopromotion. Ainsi l’étude de la comédie romaine, qui occupe le premier volet de l’ouvrage, permet d’informer celle de la comédie de l’époque moderne en France, aussi bien celle des troupes françaises que des troupes italiennes qui s’y implantent parfois durablement. Elle offre notamment à la compréhension de ce théâtre un modèle alternatif à celui de l’esthétique classique qui s’impose en France au cours du XVIIe siècle : au lieu d’un théâtre qui se ferait le reflet du monde ou le porteur d’une pensée morale, le valet comique serait le signe d’un théâtre du jeu et de l’effet, travaillé par le double principe de la convention et de la variation, et gouverné par la recherche de la surprise.

Depuis un célèbre article de Foucault (1969), on sait que l’auteur n’est pas une simple instance biographique (un « homme »), mais un processus complexe. Cet ouvrage se propose de mettre en relief la dimension imaginaire de la fonction auctoriale, en envisageant une période de l’histoire littéraire climatérique à cet égard : l’époque romantique. Cette époque où l’auteur est devenu consubstantiel à l’essence même de la littérature fut aussi une époque de promotion sans précédent de l’« écrivain imaginaire ». Mais pour cet écrivain promu au rang de mythe et de fantasme se définirent alors un certain nombre de « scénographies auctoriales » : des prêt-à-être auteur en quelque sorte, dont ce livre tente d’écrire l’histoire.

Ce livre se propose d’éclairer le concept central d’action, soubassement de la construction dramatique, au moyen d’une anatomie du terme dans l’œuvre d’un des grands auteurs de l’écriture théâtrale : Marivaux (1688-1763). Il s’agit ici d’une plongée dans une œuvre variée et profuse (36 pièces), réflexion qui s’inscrit contre, tout au moins au-delà du « marivaudage ». On y côtoiera un magicien de la mécanique dramatique aux savoirs étendus et aux éclats permanents d’inspiration, tel qu’en lui-même, au carrefour des multiples courants de pensée, d’imaginaire et de sensibilité du XVIIIe siècle. C’est en somme redécouvrir Marivaux sous un jour inattendu mais essentiel : le dramaturge dans l’antre de la fabrique de ses pièces.

Ce volume est né de la rencontre entre le nombre quantitatif, au cœur des méthodes statistiques fondées sur le dénombrement et les récurrences dans un corpus textuel, et le nombre poétique, envisagé au niveau métrique, rythmique et structurel du poème. Il croise des méthodes d’analyse du fait poétique qui emploient les outils traditionnels ou expérimentent les outils numériques. La poésie nécessite la mise au point de processus méthodologiques idoines et l’élaboration de modèles adaptés, reposant sur l’observation contrôlée des données. Il propose une réflexion sur le renouveau des formes et la création littéraire : depuis l’Antiquité jusqu’à la poésie moderne, l’outil numérique est mis au service d’une nouvelle poétique, fondée sur une approche concrète du nombre pour un nouveau souffle poétique.

« Tout m’intéresse, tout m’étonne. » Une inlassable curiosité, le goût du paradoxe et de la surprise, de la moquerie parfois, le souci de saisir « le tout ensemble » sans jamais négliger la nuance, la certitude que la philosophie – gage de liberté – doit être utile à l’humanité, ont donné à la vie de Montesquieu (1689-1755) l’élan d’un continuel renouvellement. S’écartant de la voie toute tracée qui s’offrait à lui, celle d’un notable respecté, il a fait scandale avec des Lettres persanes, choqué les prudes avec le licencieux Temple de Gnide, ébranlé les fondements de l’histoire avec ses Considérations sur les causes de la grandeur des Romains et de leur décadence, fondé les démocraties modernes avec L’Esprit des lois. Mais surtout, en faisant entendre la raison du cœur, il a ouvert un autre chemin : celui des Lumières.

Les mondes et langages que crée Hélène Cixous seront interrogés sous le prisme de la genèse de l’écriture, de ses scènes primitives. Active dans l’œuvre de Cixous, la question du « qu’est-ce qu’écrire ? » recoupe le motif central du « livre que je n’écrirai pas ». Où l’on tournera autour de l’invention d’une langue, le cixous, de l’injonction de phraser, de l’écriture féminine en tant qu’excès, dépense, ancrage dans le corps, des constellations électives où bruissent les voix de Clarice Lispector, Ingeborg Bachmann, Marina Tsvétaïeva. De la littérature comme chamanisme et comme puissance alchimique.

Le verbe être est le terme le plus utilisé de la Langue Française. En effet, aucun autre terme de la langue n’accomplit autant de fonctions si différentes les unes des autres. Il est aussi usuel que bizarre, aussi varié que fréquent, aussi simple qu’indispensable. Il nous est tellement familier qu’on ne penserait pas d’emblée à retrouver une étude sur sa nature, son évolution et son fonctionnement linguistiques. En réalité, exception faite des articles du dictionnaire, rares sont les ouvrages entièrement consacrés au verbe être. Dans ce livre, nous pouvons découvrir à tour de rôle ce que la morphologie, la syntaxe et la sémantique auraient à nous dire à propos du verbe être. C’est au sein du verbe, autour de lui, et tout aussi bien à travers lui, que se sont tissées sa richesse, sa densité et sa polyvalence historiques. On y détermine entre autres quelle distance existe entre chacun de ses composants, en en explorant les possibilités combinatoires, les nuances et les fonctions. On arrive enfin à pouvoir dresser une carte, une topographie détaillée de ses différentes potentialités. Loin d’une prétendue vacuité traditionnelle, cette étude se conclut par l’étonnante constatation d’une positivité avérée au sein du verbe être, et par la redécouverte d’une véritable plénitude discursive qui lui est littéralement consubstantielle.

Écrite par un moine irlandais en 1149, reprise au siècle suivant par Vincent de Beauvais dans son Speculum historiale puis par l’auteur anonyme du Speculum morale, la Vision de Tondale a connu un succès extraordinaire jusqu’à la fin du Moyen Âge. Le présent ouvrage propose une analyse comparée des trois rédactions latines ainsi qu’un classement et une étude de toutes les traductions françaises dont une partie – cinq sur onze – demeurent inédites. L’analyse de la Visio Tungdali latine fait ressortir une tension entre le respect d’une tradition littéraire bien enracinée – celle des voyages de l’âme dans l’au-delà – et les innovations insérées par l’auteur, comme la laïcisation du protagoniste et la dramatisation du voyage qui se charge d’une dimension pénitentielle. Les versions françaises, elles, se prêtent à différents modes et niveaux de lecture. Dans le contexte de la prédication, la Vision est utilisée en tant que récit exemplaire ; dans celui de la dévotion privée, elle constitue le support pour la méditation sur les peines d’enfer ; dans le milieu laïque et courtois, le récit s’offre à une réception esthétique, voire politique, où l’expérience du grant seigneur Tondale se trouve assimilée à une aventure chevaleresque transposée dans l’au-delà. En dehors de l’histoire littéraire, la Vision de Tondale constitue aussi un témoignage précieux pour l’histoire de la pensée eschatologique et notamment pour la genèse du Purgatoire.

Littérature française, littérature francophone – que ce cache-t-il derrière cette distinction apparemment si évidente ? En révélant l’existence d’une ligne de couleur servant à contrôler un ordre littéraire inégalitaire, Sarah Burnautzki explore la violence symbolique de la racialisation dans l’espace littéraire français. À partir du défi de classification littéraire posé par les textes de Marie NDiaye et Yambo Ouologuem et de certains moments clés jusqu’à présent demeurés peu visibles, la recherche dévoile les traces de négociations conflictuelles d’une littérarité perçue comme ‘africaine’ ou ‘universelle’. En articulant la lecture des textes littéraires aux questions de sociologie de la littérature, il s’agit d’éclairer la manière dont certains ouvrages de Yambo Ouologuem et de Marie NDiaye interviennent, tantôt de manière subversive, tantôt de manière complice, dans un espace littéraire subjugué par des rapports de pouvoir racialisés. Ce travail représente ainsi un enrichissement considérable de la connaissance des deux auteurs. Étude novatrice et ambitieuse, réflexion méthodiquement articulée, Les Frontières racialisées de la littérature française. Contrôle au faciès et stratégies de passage inaugure un champ d’investigation important dans les études littéraires françaises.

Retracer la biographie de Gaspard de Cherville, ce n’est pas seulement éclairer la trajectoire chaotique d’un homme et des écrits qu’il a produits avec Dumas ou qu’il a rédigés seul. C’est aussi récolter des informations sur le Dumas des dernières années et sur ses pratiques d’écriture. C’est encore, entre autres, remarquer les rapports difficiles qu’ont entretenus Hetzel, Dumas et Cherville avec l’éditeur belge Alphonse Lebègue ; revenir sur le rôle important qu’a tenu Noël Parfait, l’infatigable secrétaire de Dumas, aux côtés de son patron ; juger l’attitude de Dumas fils à l’égard du collaborateur de son père, etc. Enfin, et ce n’est pas la seule surprise, découvrir le jeune Émile Zola demandant conseil pour sa carrière à Cherville et s’inspirant plus tard de textes et de réflexions du marquis pour écrire certains épisodes de La Terre.

Voici donc un livre qui voudrait jeter un éclairage neuf sur la manière de dire le social, un regard nouveau sur l’articulation du social et du roman francophone, à la fois moderne et classique : un roman en demi-teinte, bien ancré dans l’air du temps, le sien, le nôtre. C’est cet échange qu’il s’agit d’examiner d’un écrivain à l’autre, à même les textes et à leur mise en dialogue : de romancier à romancier, parce que le social ou l’engagement ne vont pas cesser de se mettre en œuvre et à l’épreuve dans des stratégies romanesques contrastées. Comme par effet de reflux, les romans se sont colorés et dotés d’une unité dans la représentation de l’univers qu’ils construisent. Une forte congruence des motifs et d’écriture donne à ce corpus abondant une signature particulière. Cette signature est celle d’un style, mais aussi d’une vision du monde. De là, chez le romancier, la fascination que nous connaissons pour toutes les formes d’hybridation personnelle : mésalliances, jeux d’inversion de l’être et du paraître, dispersion d’expériences et de rôles.

Les Aventures de Tintin constituent l’illustration de ce que le philosophe polonais Ingarden appelait un « quasi-monde » : Hergé élabore en effet de manière fictive mais constructive un univers qui prend l’épaisseur de la réalité sans s’identifier à elle, le lecteur éprouvant la sensation d’évoluer dans un cadre familier avec sa logique propre. De A comme Abdallah et Alcool, à Z comme Zouave, en passant par le B de Boucherie Sanzot, le D de Don Quichotte, le M de Misogynie, le S de Sexualité et de Syldavie, sont listés ici les lieux, les personnages, les thèmes, les concepts qui font la richesse des 24 albums. Ce Dictionnaire Tintin s’adresse à tous ceux qui souhaitent se plonger ou se replonger dans la magie d’un mythe toujours bien vivant, quarante ans après la parution du dernier album achevé.

Ce livre, qui inaugurait, avec le théâtre du Moyen Âge, la série des cinq volumes consacrés à notre ancien théâtre français, trouve ici sa seconde édition refondue, qui devait tenir compte des travaux parus depuis une vingtaine d’années. Il met en valeur des pans entiers de notre patrimoine théâtral disparus de l’enseignement et donc de la conscience culturelle de nos contemporains. Il décrit une véritable naissance du théâtre en Occident, avec le drame liturgique, joué dans les monastères (Xe-XIIIe siècle). Il s’arrête beaucoup plus longuement, après un XIVe siècle théâtralement discret, sur la merveilleuse floraison d’un théâtre désormais sorti des églises pour rejoindre la place publique – un théâtre éminemment populaire, donc, qu’il soit religieux ou profane et comique, et apte à répondre, en tout lieu du royaume, à l’immense appétit d’images des spectateurs du XVe siècle. Ce théâtre, né au Moyen Âge, est encore très vivant et souvent créateur bien avant dans le siècle de la Renaissance ; on en retrouve ainsi les formes au XVIe siècle. (Date de première édition : 2002)

Lise Sabourin, professeur de littérature française du XIXe siècle à l’Université de Nancy, éminente spécialiste de l’œuvre d’Alfred de Vigny, a publié en 1998 chez Honoré Champion Alfred de Vigny et l’Académie française, Vie de l’institution (1830-1870) et Alfred de Vigny. Papiers académiques inédits, édition critique avec préface, ouvrages qui reçurent alors conjointement le Prix Alfred de Vigny en 1998 et le Prix Louis Barthou de l’Académie française en 1999. Ses amis et collègues lui rendent hommage chez ce même éditeur, témoignant de ce qui fut son inlassable engagement, sa passion pour la littérature, auprès de Vigny, Dumas, Senghor ou François Cheng. Le volume propose trois entrées : la rencontre de la beauté fait se croiser des écrivains et des musiciens ou des peintres, la quête de la beauté présente des principes esthétiques et des jeux formels, la fabrique de la beauté enfin s’attache à des représentations, notamment théâtrales et à leur réception.

« À partir de quel moment un écrivain, chargé d’un projet longuement fermenté mais qui lui résiste, finit par se lancer et, d’une traite, le réalise ? » En se penchant sur le cas des Mémoires de Saint-Simon, Jean-Michel Delacomptée nous en livre la réponse. Il nous propose un portrait intime, ardent et nuancé des Mémoires et de l’homme qui les rédigea : sous sa plume c’est toute la fougue et le génie du contemporain de Louis XIV qu’il réussit à faire revivre. « Devrait être adressé à tous les hommes politiques appelés demain à s’exprimer devant leurs électeurs. Ce n’est pas un conseil, c’est un médicament, que dis-je, une thérapie ! » Christine Ferniot, Lire. Date de première édition : 2011.

Prolongeant deux publications antérieures, dont l’une aux Éditions Honoré Champion (Précis et imprécis, 2014), ce volume conclut plusieurs années de réflexion internationale sur l’expression de l’approximation et de la précision orientée largement mais non exclusivement vers des faits observables en français et analysés selon des perspectives associant le plus souvent morphosyntaxe, sémantique et pragmatique énonciative.

Première création théâtrale d’Aimé Césaire, en 1963, La Tragédie du roi Christophe, inscrite au répertoire de la Comédie française, est une pièce magistrale, nourrie du voyage de l’écrivain en Haïti en 1944 et de l’admiration pérenne manifestée pour cette île sœur où « la négritude se mit debout pour la première fois ». Elle dépasse la simple reconstitution historique pour hisser, dans un geste poétique inimitable, à la hauteur des débats partagés par tous, des questions toujours d’actualité : la nécessaire résistance à l’esclavage et au colonialisme mais aussi la réflexion à engager sur les lendemains d’une libération. La pièce expose les enjeux de l’affranchissement des peules dominés.

Lorsqu’elle publia L’Amour, la fantasia en 1985, Assia Djebar a déjà à son actif une carrière littéraire remarquée. Ce roman, après le recueil de nouvelles de 1981, rompt un silence de plusieurs années. L’écrivaine y propose, en une construction romanesque polyphonique d’une grande richesse, un récit mêlant références historiques réinterprétées des années de la conquête puis de celles de la guerre de libération et une mélodie autobiographique en détours et esquives.