Études de la littérature francophone II

2014 centième anniversaire de son décès. 1913 Parution du Grand Meaulnes. Présentation de la genèse et de la réception du Grand Meaulnes. Etude sur les personnages, le temps et l'espace du récit. Analyse de l'influence des courants littéraires et artistiques sur l'œuvre de l'écrivain.

L’écrivain franco-libanais Amin Maalouf est paré d’une image de passeur de cultures, de chantre des exilés et d’ambassadeur des immigrants. Chrétien au Liban, Arabe en France, il semble irrémédiablement minoritaire, irrémédiablement étranger. Il revendique d’ailleurs lui-même ce rôle de médiateur entre l’Orient et l’Occident, prêchant pour un monde du multiculturalisme et de l’identité multiple. Commentateurs et critiques accolent ainsi à son œuvre l’étiquette de la poursuite d’une communion universelle des peuples, l’abordant principalement au regard des questions d’identité, d’exil, de quête des origines et d’appartenances multiples. Le présent ouvrage revisite l’œuvre de ce grand auteur qu’est Amin Maalouf – lauréat du prix Goncourt en 1993 et membre de l’Académie française depuis 2011 – afin de mettre en évidence la complexité de celle-ci et de montrer les diverses voies empruntées pour revenir sans cesse à des images et à des leitmotivs obsessifs. De la cartographie de l’œuvre de Maalouf aux questions de sa réception et de sa lecture, en passant par des perspectives culturelles, idéologiques et politiques, il balise de nouvelles pistes d’interprétation. Premier ouvrage collectif à porter exclusivement sur Amin Maalouf, il réunit des contributions du Canada, de la France, du Maroc, du Cameroun et de l’Afrique du Sud. Se concluant sur une entrevue exclusive avec Amin Maalouf, il saura éveiller la curiosité pour cette œuvre qui, de lecture en relecture, fait surgir ce sens profond de l’humanité et conduit à parcourir autrement la terre et ses frontières, la mer et ses rivages.

Cet ouvrage est une enquête sur un point aveugle de notre histoire littéraire, Anatole France, prix Nobel de littérature presque tombé dans l’oubli. Avant d’être l’une des plus grandes voix du dreyfusisme et un compagnon de route du socialisme, France a surtout été considéré comme l’écrivain français par excellence, capable de cristalliser et de fixer dans la littérature le prestige de la Nation, au long des décennies de doute culturel qui ont suivi la défaite de 1870. La réception enthousiaste d’Anatole France dans la mouvance du nationalisme français, Barrès et Maurras en tête, le confirme. Des tendances nostalgiques, une écriture et des idées néo-classiques, une posture sceptique face aux excès de la Révolution française donnent l’image d’un écrivain sinon de la tradition, du moins de l’« évolution », à distance du mythe révolutionnaire. France apparaît alors comme une sorte de « lieu de mémoire » vivant, capable de concentrer en lui nombre de « lieux de mémoire » nationaux (« la conversation », « la coupole », « la visite au maître »…). Il s’impose comme la figure transitionnelle d’une France inquiète, en quête de pérennité symbolique et le miroir littéraire d’une IIIe République avide de légitimité historique. Cet ouvrage, qui s’appuie sur une étude circonstanciée de la réception d’Anatole France dans le courant nationaliste, se veut aussi un parcours critique d’une œuvre qui marque un moment charnière dans les aventures de l’humanisme à la française.

"Mon cœur, vaste témoin du monde, Que tout blessait, à qui tout plut." Anna-Élisabeth de Brancovan, comtesse Mathieu de Noailles (1876 -1933), née au sein d’une famille princière roumaine du côté du père et d’humanistes grecs du côté de la mère, fut, c’est un euphémisme que de le dire, bénie des dieux. Riche, belle, adulée dès ses premiers écrits par ses contemporains, elle fut la muse officielle de la IIIe République, comme Valéry en était l’orateur. Mais elle fut aussi l’auteur d’une œuvre poétique de premier plan et une actrice principale de son temps. Âme d’un salon littéraire qui accueillit le Tout-Paris de l’aube du XXe siècle, créatrice du prix Vie heureuse, ancêtre du Femina, elle fut la première femme à porter le titre de commandeur de la Légion d’honneur et à entrer à l’Académie royale de langue et de littérature françaises de Belgique.

Antonin Artaud désira inverser le sens de la lecture, c’est-à-dire fabriquer une lecture où ce ne soit plus le texte qui soit lu par le lecteur mais le lecteur qui soit lu par le texte. C’est la thèse qui est à l’origine de ce livre : Artaud voulut paralyser le lecteur et le réduire à l’impuissance en lui confisquant sa lecture. Du même coup, la lecture déborde le champ de la littérature pour devenir une pratique à penser dans le voisinage d’autres pratiques limites : la possession, la contagion, la révélation. Un lecteur possédé, contaminé, ou révélé par ce qu’il lit n’interprète pas le texte ; au contraire, il y est soumis avec force. On a ainsi esquissé à partir d’un choix d’œuvres d’Artaud une lecture non-herméneutique, entendant par là une lecture qui ne soit pas un canal pour l’interprétation mais qui, au contraire, entraîne sa suspension.

Pourquoi la peur reste-t-elle prise en charge par des écrivains africains de générations différentes ? Quelles configurations sociopolitiques se dessinent lorsqu’on passe de l’État espéré de droit à l’État d’insécurité absolue? Avoir peur serait-il un paradigme essentiel de lisibilité de l’expérience postcoloniale ? Partant d’une analyse transversale du roman africain de langue française, les auteurs mettent en lumière la vulnérabilité de sujets qui, suppliciés par des épidémies ou des catastrophes de tous ordres, vivant dans la hantise d’être muselés, arrêtés, torturés par les « forces de l’ordre », milices, bandes criminelles et terroristes islamistes infestant des autocraties tropicales, sont promis à une fin tragique. En offrant des pistes essentielles pour l’interprétation de l’insécurité comme signe, cet essai construit des hypothèses sur le rôle de l’État et le sens du politique en contexte de déréliction. Il détermine également les conditions de possibilités d’une véritable émancipation dans une conjoncture où les autoritarismes les plus brutaux sont pris de panique.

Le mot « biologie », inventé au début du XIXe siècle, marque la formation d’un nouvel objet d’étude qui suscite dès sa création l’engouement des spécialistes d’autres disciplines et des écrivains. La littérature française du XIXe siècle s’empare très vite des savoirs biologiques, les commente, les prolonge et y trouve des thèmes et des formes. Elle participe ainsi à leur promotion en un fait culturel global, par des discours qui ont à leur tour infléchi la réception et, parfois, la pensée des savants eux-mêmes. C’est ce dialogisme qu’aborde cet ouvrage centré autour des questions suivantes : quel est l’impact de ces savoirs ? Quels sont les enjeux épistémologiques, idéologiques et esthétiques de leur mise en texte ? Enfin, quel est le rôle de la littérature dans la métamorphose et la diffusion de représentations ou de modèles de pensée devenus prégnants dans la culture ?

Au premier abord, tout semble opposer le monde créé par Brassens à travers quelque 300 chansons et celui où évoluent Tintin et ses compagnons au long des 24 albums. L'univers des chansons est rêvé, légendaire, celui des Aventures est concret, comme une copie du réel. La poésie et la folie planent sur l'œuvre du premier tandis que le petit reporter est immergé dans l'action. Brassens est un spectateur distancié, Tintin un aventurier engagé. L'un, amoureux des femmes, parle cru, l'autre, asexué, ignore le désir. Anticonformisme et anticléricalisme d'un côté, valeurs boy-scouts chrétiennes de l'autre. Et pourtant... Ces deux créations majeures du XXe siècle séduisent des pu­blics communs. Est-ce seulement dû à l'immense talent de leurs démiurges ou à leur contemporanéité - 1921-1981 pour Brassens, 1907-1983 pour Hergé - qui suffirait à engendrer une connivence générationnelle et culturelle ? Ce livre démontre qu'une telle explication ne suffit pas : il existe des analogies, voire des affinités entre ces œuvres apparemment si dissemblables. Contrairement à ce que pourrait laisser penser une approche superficielle, les "philosophies de vie" des personnages mis en scène par Georges Brassens et Georges Remi sont loin d'être incompatibles. Grâce à une analyse approfondie des récits du poète sétois et du dessinateur belge, Renaud Nattiez met en évidence des correspondances surprenantes, des similitudes insoupçonnées. Deux mondes parallèles, au double sens du mot : ils ne se confondent pas, ils ne se rejoignent pas, mais ils évoluent dans la même direction comme si, au fil des ans Brassens s'était rapproché de Tintin et Tintin de Brassens.

Ces études invitent à une relecture de l'œuvre : est-elle déjà lyrique ? Pourquoi commémorer comme à Moscou en 1993 en texte effacé depuis près de cent ans par la partition debussyste. On se propose ici de porter un regard attentif sur l'impact réel de Maeterlinck : 1893, création de Pelléas ; 1902, création du drame lyrique de Debussy.

Ce recueil répond à un programme double : étudier d’une part l’infatigable labeur de révision que Chateaubriand a mené au fil des ans sur ses œuvres, tant anthumes que d’outre-tombe, d’autre part les notes copieuses dont il les a munies à diverses dates. Ces deux objets, complémentaires, relèvent l’un et l’autre d’un retour sur le texte, d’un travail de l’après coup. Ils sollicitent en conséquence une approche dynamique, pouvant prêter un concours important à l’approche statique de l’opus dans son état définitif, qu’il s’agisse de retouches locales visant à améliorer la forme ou à modifier le sens d’un texte consolidé, de blocs textuels entièrement réécrits, de remplois et adaptations faisant du neuf avec du vieux ou, dans le cas des notes, d’une complémentation du texte au moyen d’un texte satellite. Conjuguant philologie et interprétation, les quinze contributeurs se sont efforcés de déterminer d’une séquence à l’autre, d’une oeuvre à l’autre, les motifs qui ont présidé aux changements apportés. Par ailleurs, une telle démarche ne constitue pas un éloignement des dernières volontés de l’auteur, un auteur qui attachait une grande utilité à l’observation des manuscrits des grands écrivains et pourtant a détruit la plupart des siens. C’est comprendre plus profondément ces volontés, au contraire, que de discerner comment et pourquoi elles sont devenues telles.

Si une orientation commune réunit ces essais critiques, c'est bien que -l'interprétation du texte veut s'y maintenir « dans les limites que fixent l'ici et le maintenant de l'écrit » : ses circonstances, au sens le plus large. Éditeur des œuvres complètes d'écrivains majeurs du XXe siècle comme Pierre Reverdy et André Breton, Étienne- Alain Hubert pense que le choix d'un vocable, le pouvoir d'un concept, une inflexion particulière de la voix n'ont leurs -pleines chances d'être saisis que replacés dans un contexte précis, parfois étroit. Beaucoup de dates défilent ici. Les poèmes et les proses de la première moitié du XXe siècle sont nés souvent dans des paysages mouvementés. Compagnon de Braque et de Picasso comme d'Apollinaire et de Max Jacob, Pierre Reverdy, dont sont étudiés longuement l'apport au cubisme et la conception fondatrice de l'image poétique, parlait de l'« obscure mêlée » dans laquelle avaient surgi les grandes créations de son temps. Décryptés, ses contes poétiques révèlent des chapitres ignorés par les histoires de la littérature. Les lectures peuvent compter parmi les « circonstances » fondatrices d'une vie d'écrivain : pour qui sait les capter, les poèmes d'Apollinaire bruissent toujours des échos que sa précoce libido sciendi l'a conduit à emmagasiner dans les rayons les moins fréquentés des bibliothèques. Parfois, c'est le vécu qui, une fois restitué, apporte la clé de poèmes qui risquaient de demeurer voués aux commentaires généralisants : voir Capitale de la douleur d'Eluard ou Corps et biens de Desnos. De la même façon, l'intention de l'écriture automatique se laisse cerner au plus près à partir d'une page d'un carnet inédit d'André Breton. À propos des œuvres qu'il aimait, ce dernier avait à cœur de préciser leur situation. Si le titre n'était pas définitivement associé à un nom illustre, ce recueil d'essais aurait pu s'appeler Situations.

Alain-Fournier et Jacques Rivière échangent une abondante correspondance de 1904 à 1914 ; à ce premier échange se joint le peintre André Lhote, en 1907. Ces lettres, parce qu’elles sont fondées sur une amitié de jeunesse, contribuent à la formation des trois artistes. Les rencontres entre les jeunes gens ont lieu dans la classe de Rhétorique Supérieure de Lakanal où se rencontrent Rivière et Fournier, puis dans le salon bordelais du mécène Gabriel Frizeau, grand ami de Paul Claudel, où Rivière rencontre Lhote. Leurs découvertes littéraires et culturelles, représentatives d’une partie de l’offre culturelle de la période, fondent leur amitié et guident la constitution d’un réseau de sociabilités. Une fois ce cadre posé, l’on peut dégager les caractéristiques de l’amitié unissant les épistoliers. Celle-ci répond aux critères de l’amitié parfaite décrits par la tradition : elle naît entre égaux et repose sur l’échange et le partage. Mais la particularité de leur relation est d’être fondée sur une passion commune pour l’art. La nature du pacte amical influe dès lors sur le pacte épistolaire : le style de la lettre d’amitié, caractérisé par sa variété, permet des échanges critiques, des exposés théoriques et l’exercice de l’écriture littéraire. C’est pourquoi les correspondances forment une école pour les trois artistes : ils y élaborent des identités leur permettant de se positionner dans le champ artistique, des principes esthétiques vitalistes et un style propre. Leurs lettres apparaissent dès lors comme le laboratoire d’une écriture du roman, de l’essai et de la critique d’art.

Depuis la mort de Céline en 1961, nous avons appris bien des choses sur sa vie et sur son œuvre. Rares sont les œuvres aussi controversées dans la littérature mondiale ; rares sont celles qui ont un tel pouvoir de déclencher la polémique. Mais cinquante ans après, le temps et les lecteurs ont mis à l’épreuve le styliste de l’oralité et le pamphlétaire antisémite. À partir des travaux biographiques, des éditions savantes et de la correspondance, cet ouvrage dresse un bilan de l’œuvre et de la critique. Il questionne à nouveaux frais les relations entre l’auteur et son texte et poursuit la réflexion jusqu’aux liens de Céline avec la création contemporaine.

Dans les pas du voyageur invite à suivre Michel Bideaux (1935-2017) dans l’exploration de ses territoires favoris : la narration et le voyage, sur la période longue du XVIe au XVIIIe siècle. Le recueil se veut dialogique, entrelaçant dix articles de Michel Bideaux et dix contributions de ses collègues et amis, issus d'une journée d’étude organisée à l’université Paul Valéry où la réflexion s’est plus particulièrement orientée vers « l’épreuve du voyage » : non seulement les péripéties du voyage, réel ou fictif, d’exploration ou d’éducation, quel qu’en soit le registre, mais également les modalités de la mise en récit et les tribulations ainsi offertes à la lecture. En somme « un voyage à vivre, à écrire et à lire », où embarquent protagoniste, lecteur et même lecteur des critiques pour une quête qui touche à la fois la diversité des formes et la relativité des valeurs.

Entre la fin du XVIe siècle et la fin du XVIIe siècle, les poèmes appartiennent à ceux qui les lisent : manuscrits ou imprimés, passant de main en main, ils sont objets d’appropriations de formes et d’ampleurs variées, autoritaires, qui entraînent une variabilité insoupçonnée. Celui que l’on désigne comme l’auteur recouvre une réalité plus complexe qu’un nom écrit sur une page de titre. Cet ouvrage pose de nouveaux cadres d’analyse de la poésie classique, qui renouvellent en profondeur la compréhension de ses enjeux esthétiques et des pratiques sociales auxquelles elle donne lieu. Il met en évidence un phénomène massif, mais jusque-là peu pris en compte : les innombrables commentaires et réécritures auxquels sont soumis les poèmes à l’époque, de la part de multiples sources et acteurs – correspondants des auteurs, experts sollicités ou non, copistes ou lecteurs. Ces gestes constituent autant d’appropriations par lesquelles on s’empare des poèmes en vue de nouvelles utilisations : on en prend possession, pour affirmer son savoir, tisser des liens, les rendre conformes à sa propre définition de l’usage linguistique, ou tout simplement pour s’exprimer. Ainsi ce livre bouleverse-t-il les notions de poème, entendu comme un objet stable et fini, mais aussi d’auteur, compris comme responsable unique des œuvres, et propose une vision nouvelle de l’idée de poésie classique : enjeu de rapports de force et de conflits de normes, elle s’élabore dans la durée et collectivement, et ne connaît aucune stabilité.

Mouvement : à entendre au sens large (courants, pôles, foyers…). Mouvements artistiques et littéraires : oui mais pas seulement, l'expressionnisme pictural a influencé la musique, la sculpture, la littérature, le théâtre, le cinéma. De même pour le cubisme ou le surréalisme. Le projet est donc de rendre compte de ce chassé-croisé permanent des disciplines. Or il n’existait pas de dictionnaire des mouvements embrassant toutes les disciplines à la fois, y compris l’architecture, la photo, la bande dessinée. Ce livre propose un panorama complet des mouvements de 1870 à nos jours, sans oublier de petits groupes qui eurent pourtant leur heure de gloire, même s’ils ne durèrent parfois que quelques mois : Hydropathes, Zutistes, Jemenfoutistes, Effrénéistes, Jarisvistes et, plus près de nous : Front noir, RUpTure (sic), Cannibali, Contrelittérature, Perpendiculaire, Vacarme… Savait-on que le musicalisme, fut avant-guerre, un mouvement réputé de peintres qui ambitionnait de transporter sur la toile les effets du rythme musical ? Et que vers 1910, le bovarysme ne désignait pas du tout ce qu’on imagine aujourd’hui ? On découvrira (où redécouvrira) en même temps les collectifs naguère notoires puis un peu oubliés, tel que la Décadence, les Incohérents, le groupe de Bloomsbury, les Ronchons (club des) ou encore, renaissant de ses cendres la bordelaise et provocante Présence Panchounette.

Dès les Salons et dans les Essais sur la peinture, Diderot élève la critique d'art au rang de genre littéraire. E. Lavezzi propose une sélection thématique (philosophie de la peinture, technique, genres...) et critique des meilleures pages du fonds de culture artistique du XVIIIe siècle, l'intertexte dont s'est nourri Diderot.

Après trois livres composés dans l’amitié de René Char, Dominique Fourcade s’est éloigné de la poésie. Il a édité les écrits de Matisse, médité sur la peinture et la sculpture américaine ; il s’est imposé comme critique d’art. Il a fait de ces années le creuset d’une poésie nouvelle, équivalent de la révolution moderne en peinture, dont Le Ciel pas d’angle offre en 1983 le manifeste. Dès lors, Dominique Fourcade a pris sa place au premier rang. Proche des poètes littéralistes, il se distingue d’eux par l’invention d’un lyrisme neuf, tirant élan et intensité de se tenir au plus près du réel, de l’époque et du monde. Chaque livre s’engendre à partir de lui-même, mais tous sont nourris d’échanges avec les arts, peinture, sculpture, musique et danse, dynamisant leurs formes au contact de tous ces autres. Comprendre la genèse de cette œuvre et ses divers moments, rendre compte de ce qui en fait la force et l’actualité, tel est l’objet de notre ouvrage.

Cet ouvrage traite d’abord des avant-gardes majeures de la première moitié du XXe siècle, de Dada au surréalisme, jusqu’à Cobra et au situationnisme. À travers des figures telles que Jean Arp, René Magritte, André Breton, Man Ray, Christian Dotremont, Guy Debord et Raoul Vaneigem, il insiste sur l’exceptionnelle multiplicité d’expression de ces mouvements qui ont exploré la poésie et la peinture, mais aussi la photographie, l’architecture et l’essai socio-politique. Il s’agit de montrer que les avant-gardes mirent en relation de nombreux langages esthétiques dans le but de souligner leur complémentarité. Une attention particulière est accordée en outre à leur sensibilité utopique. Dans un second temps, cet ouvrage se penche sur l’art contemporain. Il s’efforce ainsi de rechercher une proximité philosophique entre les avant-gardes historiques et l’art qui domine depuis environ un demi-siècle en Occident tout en reconnaissant leurs divergences profondes. Dans cette optique, il analyse des questions telles que le hasard et le chaos, mais aussi la communauté et la mémoire. Pour illustrer son propos, l’auteur réfléchit également sur sa propre pratique photographique saisie dans sa vérité autobiographique et existentielle.

S’il est connu que le cinéma s’est inspiré dès sa naissance de sources littéraires, c’est également très tôt après les débuts du 7e art qu’est née, à l’inverse, l’idée d’une influence du cinéma sur la littérature. Cette hypothèse s’est développée au fil du XXe siècle, témoignant d’un phénomène critique encore peu exploré : tel était le point de départ d’un ouvrage qui constitue le premier volet de la présente réflexion (Cinématismes. La Littérature au prisme du cinéma, 2012). S’il n’y a plus de doutes aujourd’hui quant aux interactions entre les deux modes d’expression, l’étude des liens entre littérature et cinéma dans le domaine contemporain, loin de se simplifier, n’en est devenue que plus complexe. Étudier le parcours et l’œuvre d’Emmanuel Carrère, c’est approcher cette complexité d’une façon exemplaire. Cinéphile, critique, scénariste de cinéma et de télévision, réalisateur à ce jour de peu de films mais dont chacun touche à des questions fondamentales, Carrère est et se veut pleinement écrivain alors que le cinéma rayonne, dans ses écrits comme dans ses expériences, d’une présence continue, éclatante ou secrète. Telle est la situation singulière qu’étudient les textes ici réunis, et dont les auteurs, lecteurs ou exégètes de l’œuvre de Carrère, sont spécialistes des rapports entre littérature et cinéma envisagés sous leurs aspects les plus divers.

Pourquoi ce regroupement de textes portant sur le surréalisme et signés de Guy Rosolato (1924-2012), médecin de grande culture et psychanalyste ? C’est qu’une même aspiration à libérer la pulsion de vie se trouve dans le surréalisme comme dans les savoirs toujours « en travail » d’un siècle de freudisme. Or, la fraîcheur audacieuse, l’approche originale et la pensée productive de Guy Rosolato commencent seulement à être évaluées. Ces pages, dont le thème est chaque fois un auteur ou une notion formellement étiquetée « surréaliste », seront donc précieuses pour tous ceux qui s’attachent à ce mouvement de pensée poétique dont la largeur de compas ne cesse de se redéployer. Elles relèvent de plusieurs ordres de pertinence. Pertinence d’ordre anthropologique si l’on songe à l’objet « bizarre » célébré par Picabia, ou au sujet sacrificiel auquel s’identifie Antonin Artaud. Pertinence d’ordre phénoménologique, d’autre part : le motif de l’ombilic, en tant que mode d’émergence de la « relation d’inconnu », est mis en œuvre pour décrire le régime de l’endroit/envers, qui ne relève pas d’un système binaire. La notion d’« oscillation métaphoro-métonymique », dégagée par G. Rosolato dès 1974, relève elle aussi d’une observation phénoménologique : cette forme d’« attention en mode esthétique », où l’on retarde la catégorisation des formes et du plaisir qu’elles procurent, Guy Rosolato la désigne du terme de jubilation. C’est enfin l’interaction de la réflexion psychanalytique freudienne avec ces observations anthropologiques ou phénoménologiques qui développe un réseau de significations brillamment éclairantes. Les textes ici réunis se développent de 1956-1957 jusqu’aux années 80 et 90. C’est donc de plusieurs passages d’encres, et d’encrages, qu’il s’agit dans ce livre, tout autant que de circulations de sens entre invention surréaliste et quête freudienne.

Cet ouvrage rassemble des écrits critiques portant sur les avant-gardes du XXe siècle et sur leurs significations esthétiques et philosophiques pour notre monde contemporain. Il analyse tant la littérature que les arts plastiques issus de ces mouvements, du surréalisme à Cobra, en passant par l'Internationale lettriste. Son propos est de montrer l'exceptionnelle diversité d'expression de ces avant-gardes, du poème-manifeste au récit autobiographique, de l'écriture automatique à l'essai, et de la peinture au ready-made. Il inclut en outre un ensemble de photographies personnelles qui illustrent et soulignent l'importance de la thématique du vide pour ces mouvements.

Étant donnée la manière dont le théâtre sérieux français du XVIIe siècle traite la succession monarchique, il y a lieu de se demander s’il ne relève pas de la tribune politique. Il y aurait pourtant de quoi s’étonner : les lois fondamentales sont les seules qui ne prêtent pas à débat sous l’Ancien Régime. Par ailleurs, la loi salique, qui règle la dévolution de la couronne, est censée fonder l’autorité du roi, assurer le salut de ses sujets, garantir l’équilibre de l’État et préserver un ordre voulu par Dieu. La remettre en cause ne peut aller de soi à une époque où le pouvoir monarchique s’absolutise et cherche à raffermir les fondements de l’autorité royale. Les dramaturges du XVIIe siècle jouent-ils donc avec le feu quand ils mettent en scène la succession monarchique ? Peut-on même aller plus loin, et dire que les dramaturges versent dans la subversion quand ils tirent parti des arcanes mouvementés de la succession monarchique ? C’est ce que cet ouvrage s’attache à éclaircir en comparant les cadres qui conditionnent leur production aux crises politiques mises en scène.

Auteur de quelques-uns des plus grands romans du XIXe siècle, inventeur de la modernité en littérature, admiré par Zola, Proust, Gide, Sarraute et tous les écrivains actuels, Flaubert n’en finit plus d’attirer les regards. Alors qu’on croit tout connaître de sa vie, de ses œuvres et de leurs conditions d’écriture, se révèlent au contraire un individu complexe, un écrivain aux facettes multiples et un homme de lettres adulé, décoré et invité dans les plus beaux salons. La présente biographie ne recèle aucune découverte surprenante, sinon celle d’une parole libre proférée par l’écrivain non seulement dans ses livres, publiés ou pas, ses documents de travail mais aussi dans une correspondance que son gigantisme (des milliers de lettres) empêche souvent de lire in extenso. Il s’agit donc de donner à entendre sa voix, magistrale, à lire sa pensée, souvent révoltée, sa conception du monde, toujours singulière, et de se placer au plus près de l’homme et de l’écrivain, au plus près de sa réalité. Une réalité sans fard et sans masque pour mieux renouer avec le Flaubert que ses amis ont connu, un être entier qui n’a jamais renoncé à ses idéaux. Nous avons voulu une biographie entre réalisme et romantisme, à l’intersection même des deux cultures qui ont construit l’homme et fondé l’œuvre. Une seule ambition, donc : rendre la parole à Flaubert pour le restituer aussi vivant qu’il a jamais été.

Les Bibliographies des recueils collectifs de poésie du XVIIe siècle valurent à Frédéric Lachèvre (1855-1943) la réputation de « bibliographe-bénédictin ». Promis à une belle carrière financière, c’est seulement à l’âge de quarante-cinq ans que l’autodidacte publie ses premières études : Jacques Vallée Des Barreaux, Théophile de Viau, Saint-Pavin, Claude de Chouvigny… Sous sa plume, c’est tout l’univers libertin d’un siècle alors mal connu, voire méconnu, qui renaît. L’analyse livre parfois des commentaires personnels qui peuvent prêter à sourire : la vision engagée du chercheur témoigne d’une sensibilité propre à un certain milieu. D’un style souple et léger, quelquefois sarcastique et incisif, l’œuvre de Frédéric Lachèvre invite à se plonger dans le monde des petits poètes et des libres penseurs du XVIIe siècle. Rappeler les travaux scientifiques de Frédéric Lachèvre conduit à évoquer des notions aussi diverses que bibliophilie, bibliographie, censure. Avec elles réapparaissent des personnalités érudites comme Charles Nodier, Jacques-Charles Brunet, Pierre Louÿs, Fernand Vandérem, Georges Mongrédien.