Études de la littérature francophone II

2014 centième anniversaire de son décès. 1913 Parution du Grand Meaulnes. Présentation de la genèse et de la réception du Grand Meaulnes. Etude sur les personnages, le temps et l'espace du récit. Analyse de l'influence des courants littéraires et artistiques sur l'œuvre de l'écrivain.

Cet ouvrage est une enquête sur un point aveugle de notre histoire littéraire, Anatole France, prix Nobel de littérature presque tombé dans l’oubli. Avant d’être l’une des plus grandes voix du dreyfusisme et un compagnon de route du socialisme, France a surtout été considéré comme l’écrivain français par excellence, capable de cristalliser et de fixer dans la littérature le prestige de la Nation, au long des décennies de doute culturel qui ont suivi la défaite de 1870. La réception enthousiaste d’Anatole France dans la mouvance du nationalisme français, Barrès et Maurras en tête, le confirme. Des tendances nostalgiques, une écriture et des idées néo-classiques, une posture sceptique face aux excès de la Révolution française donnent l’image d’un écrivain sinon de la tradition, du moins de l’« évolution », à distance du mythe révolutionnaire. France apparaît alors comme une sorte de « lieu de mémoire » vivant, capable de concentrer en lui nombre de « lieux de mémoire » nationaux (« la conversation », « la coupole », « la visite au maître »…). Il s’impose comme la figure transitionnelle d’une France inquiète, en quête de pérennité symbolique et le miroir littéraire d’une IIIe République avide de légitimité historique. Cet ouvrage, qui s’appuie sur une étude circonstanciée de la réception d’Anatole France dans le courant nationaliste, se veut aussi un parcours critique d’une œuvre qui marque un moment charnière dans les aventures de l’humanisme à la française.

Après Ulysse, qu’« après » marque un temps ou un mouvement, on s’interroge. Que reste-t-il de l’étranger ? Après Ulysse, comment aujourd’hui comprendre l’étranger qui jamais – qu’on le veuille ou non – ne cessera de venir à nous ? La question, celle de l’hospitalité, est ici posée dans des imaginaires qui tournent autour de la Méditerranée, la traversent en tous sens, sur les traces parfois immatérielles de l’Odyssée qui en eux murmure, veille, affleure. C’est aussi une invitation à penser l’hospitalité sous ses allures politiques, où l’éthique en vient toujours à composer avec l’esthétique. On le verra dans des histoires d’écrivains et chez d’autres encore, moins poètes en apparence mais qui, linguiste comme Émile Benveniste ou philosophe comme Jacques Derrida, composent aussi avec la langue pour invoquer l’invité de jadis qui deviendra l’étranger ; et ce qu’aujourd’hui, pour demain, nous avons à lui offrir. Ce qu’aujourd’hui, pour demain, aussi, il fera de nous. Enfin, se dire « après Ulysse », c’est aussi se dire après un nom, rappeler que le nom de l’étranger, le nom qui toujours en dit trop et jamais assez, est à la fois l’écueil et la clef de l’accueil. Voilà ce que nous révèlent Albert Cohen, Albert Camus, Assia Djebar, mais aussi Edmond Jabès, pour penser l’hospitalité de la mer au désert, du livre à la lecture, entre parole et silence.

L’expérience de la wilderness – l’espace sauvage américain – est traditionnellement associée à l’écriture de la nature – nature writing – née avec Thoreau, dans la deuxième moitié du XIXe siècle. Or, elle est apparue bien avant, dès les écrits de William Bartram, inspirant fortement deux écrivains français de renom – Chateaubriand et Tocqueville – qui ont décrit les splendeurs des grands espaces naturels américains entre 1775 et 1831. Portés par la vogue américaine issue des romans de J. F. Cooper, Chateaubriand et Tocqueville font naître l’écriture littéraire de la nature en s’inspirant in situ des solitudes du Nouveau-Monde. Thoreau viendra parachever ce premier élan en consacrant l’autonomie d’un genre nouveau, promis de nos jours à un essor toujours plus grand.

Du grand feu de joie des Lumières restent surtout des cendres : la modernité s’est éteinte. Depuis un aujourd’hui marqué par l’extinction massive des espèces animales, la raréfaction des ressources naturelles ou l’amoindrissante standardisation des modes de vie, nous voyons peut-être avec plus d’acuité que, depuis ses débuts, le « projet moderne » se vouait à son épuisement. Ce constat n’avait pourtant nul besoin d’attendre notre époque pour se voir édicter. Charles Baudelaire, en particulier, décrivit avec rigueur comment la modernité en viendrait inexorablement à se saper elle-même. Contrairement à sa légende, Baudelaire n’est ni le poète de la vie moderne, ni un antimoderne. Dans son œuvre, il critique en acte la religion moderniste et sa foi dans le progrès technique ou politique, l’explication historique, l’urbanisation, l’expansion coloniale et la croissance économique. Il propose en retour une poétisation de soi et du monde, pour tenter d’éviter le suicide collectif de la modernité. Ce livre est ainsi une invitation à relire Baudelaire dans toute sa complexité et à y trouver une inspiration pour penser et agir au futur.

Le nom de Boris Vian est connu de tous, que ce soit en tant qu’auteur, jazzman, pataphysicien ou chanteur. Pourtant, depuis le colloque de Cerisy en 1976 et la publication de ses œuvres complètes dans la prestigieuse collection La Pléiade en 2010, il semblerait que, à quelques exceptions près, les études universitaires se soient spécialisées dans des analyses réduites à un seul genre et toujours empreintes d’éléments biographiques. Ce volume propose de déroger à la règle et d’adopter de nouvelles perspectives sur l’identité multiple de l’œuvre de Vian. En privilégiant un angle interdisciplinaire, nos contributeurs en révèlent la transmédialité, grâce à l’apport de leurs spécialités respectives. Cette approche innovante propose des pistes pour la recherche vianienne qui renouvelleront l’interprétation de l’œuvre de cet auteur protéiforme.

Camille et Paul Claudel ont grandi ensemble ; ils se sont aimés, disputés, soutenus, éloignés, perdus de vue, retrouvés. Un élan créateur souleva leur vie. Dans son souffle, leurs liens se retissèrent sur un plan supérieur. Ils n’en sont pas moins seuls, fondamentalement. Pour Camille que sa personnalité impérieuse place au centre, la solitude représente tour à tour un défi, une chance, et un piège. Pour Paul, étant inscrite dans son être, elle fonde son rapport au monde, secrètement décalé. La parenté de leur génie n’échappe pas à Paul qui s’en flatte ; il la redoute à mesure que Camille perd pied. Ils ont vécu chacun une histoire d’amour qui finit mal, et donne naissance à deux chefsd’œuvre L’Âge mûr et Partage de Midi. La souffrance les relie, à la fois banale et sublimée. Entre les écrits du frère et les sculptures de la sœur, la descendante des Claudel dessine tous les liens possibles avec beaucoup de finesse ; elle s’attaque aussi aux mythes. Il fallait que Rodin fût mauvais ; de même Paul Claudel doit-il l’être. Écoutons plutôt la voix de Camille près de l’agonie, à la dernière visite de son frère : "Elle me reconnaît, profondément touchée de me voir, et répète sans cesse : mon petit Paul !" À la question : "Pour quelle faute avez-vous le plus d’indulgence ?" le jeune Proust répondait : "Pour la vie privée des génies". Ce livre expose cette vie privée à travers les œuvres, c’est-à-dire à travers le génie. Les poètes ne sont pas des saints, les lecteurs parfois non plus !

Bibliophile exceptionnel, polygraphe, précurseur du romantisme, l’écrivain Charles Nodier (1780–1844) a publié à la fois des romans, des contes, des récits, des allégories et des articles pleins d’ironie. Il lui arrivait de ne pas signer ses livres, de prendre des pseudonymes et de multiplier les masques au point que s’impose assez vite la question de son rapport aux divers régimes politiques qui, depuis la Révolution jusqu’à la Monarchie de Juillet, ont constitué le temps historique dans lequel il écrivait. L’hypothèse d’Anne Kupiec est d’emblée politique : Nodier a éprouvé d’une manière suraiguë le moment révolutionnaire, en dépit du fait qu’il l’a vécu en étant encore un enfant. Le fil conducteur politique qui ouvre la lecture de l’œuvre se confronte alors à des difficultés irréductibles, celle des formes changeantes de l’expression littéraire de Nodier, celle des masques multiples de l’écrivain et, enfin, celle d’une ambiguïté des positions politiques. En effet, Nodier fait à la fois l’éloge de Bonald et de Saint-Simon, de Madame de Staël et de Babeuf ou de Buonarroti, il critique le despotisme de l’Empire et se trouve déçu par la Monarchie de Juillet. L’analyse doit ainsi s’élever à la saisie du sens profond de l’ambiguïté, après en avoir traversé toutes les formes et toutes les variations. Ainsi s’éclaire peu à peu la nature d’un scepticisme politique qui doute de tout sans renoncer à rien, qui use des formes multiples de l’écriture pour éveiller son lecteur à l’interrogation, sinon à la critique, du présent et des éléments de positivité de ce présent. La pensée politique fait le détour du fantastique, du rêve animalier, de l’éloge paradoxal, de la « monomanie réflective », de la fiction pour conjurer le désenchantement et ménager des perspectives d’écart, de recul, d’exil par rapport aux déceptions que la période post-révolutionnaire a suscitées. De manière étonnante Nodier est celui qui, en 1835, au moment de l’édition du Discours de la servitude volontaire par Lamennais, propose d’éditer les œuvres complètes de La Boétie. Cette proposition est d’autant plus significative que Nodier a été l’éditeur des Institutions républicaines de Saint-Just… Le penseur politique n’est pas démasqué, mais son masque d’écritures découvre ses vrais enjeux.

Si une orientation commune réunit ces essais critiques, c'est bien que -l'interprétation du texte veut s'y maintenir « dans les limites que fixent l'ici et le maintenant de l'écrit » : ses circonstances, au sens le plus large. Éditeur des œuvres complètes d'écrivains majeurs du XXe siècle comme Pierre Reverdy et André Breton, Étienne- Alain Hubert pense que le choix d'un vocable, le pouvoir d'un concept, une inflexion particulière de la voix n'ont leurs -pleines chances d'être saisis que replacés dans un contexte précis, parfois étroit. Beaucoup de dates défilent ici. Les poèmes et les proses de la première moitié du XXe siècle sont nés souvent dans des paysages mouvementés. Compagnon de Braque et de Picasso comme d'Apollinaire et de Max Jacob, Pierre Reverdy, dont sont étudiés longuement l'apport au cubisme et la conception fondatrice de l'image poétique, parlait de l'« obscure mêlée » dans laquelle avaient surgi les grandes créations de son temps. Décryptés, ses contes poétiques révèlent des chapitres ignorés par les histoires de la littérature. Les lectures peuvent compter parmi les « circonstances » fondatrices d'une vie d'écrivain : pour qui sait les capter, les poèmes d'Apollinaire bruissent toujours des échos que sa précoce libido sciendi l'a conduit à emmagasiner dans les rayons les moins fréquentés des bibliothèques. Parfois, c'est le vécu qui, une fois restitué, apporte la clé de poèmes qui risquaient de demeurer voués aux commentaires généralisants : voir Capitale de la douleur d'Eluard ou Corps et biens de Desnos. De la même façon, l'intention de l'écriture automatique se laisse cerner au plus près à partir d'une page d'un carnet inédit d'André Breton. À propos des œuvres qu'il aimait, ce dernier avait à cœur de préciser leur situation. Si le titre n'était pas définitivement associé à un nom illustre, ce recueil d'essais aurait pu s'appeler Situations.

Peut-on vraiment dissocier le génie de l’écrivain des violences de l’homme ? Pour Henri Godard, les deux sont inséparables. Cette biographie retrace le chemin de Céline de la vie à l’œuvre et part à la découverte de ses vérités contradictoires. Au fil des pages se dessine une figure inattendue, intime, complexe, déchirée aussi : de l’enfant sage et affectionné au reclus de Meudon, en passant par le cuirassier à jamais marqué par la guerre, le médecin des quartiers pauvres, l’antisémite furieux, le prisonnier de Copenhague… mais aussi l’amoureux de la mer, le copain qui adore parler sexe, enfin, le plus méconnu, l’homme qui mit le corps féminin et la danse au centre de sa vie.

Dans les pas du voyageur invite à suivre Michel Bideaux (1935-2017) dans l’exploration de ses territoires favoris : la narration et le voyage, sur la période longue du XVIe au XVIIIe siècle. Le recueil se veut dialogique, entrelaçant dix articles de Michel Bideaux et dix contributions de ses collègues et amis, issus d'une journée d’étude organisée à l’université Paul Valéry où la réflexion s’est plus particulièrement orientée vers « l’épreuve du voyage » : non seulement les péripéties du voyage, réel ou fictif, d’exploration ou d’éducation, quel qu’en soit le registre, mais également les modalités de la mise en récit et les tribulations ainsi offertes à la lecture. En somme « un voyage à vivre, à écrire et à lire », où embarquent protagoniste, lecteur et même lecteur des critiques pour une quête qui touche à la fois la diversité des formes et la relativité des valeurs.

Mouvement : à entendre au sens large (courants, pôles, foyers…). Mouvements artistiques et littéraires : oui mais pas seulement, l'expressionnisme pictural a influencé la musique, la sculpture, la littérature, le théâtre, le cinéma. De même pour le cubisme ou le surréalisme. Le projet est donc de rendre compte de ce chassé-croisé permanent des disciplines. Or il n’existait pas de dictionnaire des mouvements embrassant toutes les disciplines à la fois, y compris l’architecture, la photo, la bande dessinée. Ce livre propose un panorama complet des mouvements de 1870 à nos jours, sans oublier de petits groupes qui eurent pourtant leur heure de gloire, même s’ils ne durèrent parfois que quelques mois : Hydropathes, Zutistes, Jemenfoutistes, Effrénéistes, Jarisvistes et, plus près de nous : Front noir, RUpTure (sic), Cannibali, Contrelittérature, Perpendiculaire, Vacarme… Savait-on que le musicalisme, fut avant-guerre, un mouvement réputé de peintres qui ambitionnait de transporter sur la toile les effets du rythme musical ? Et que vers 1910, le bovarysme ne désignait pas du tout ce qu’on imagine aujourd’hui ? On découvrira (où redécouvrira) en même temps les collectifs naguère notoires puis un peu oubliés, tel que la Décadence, les Incohérents, le groupe de Bloomsbury, les Ronchons (club des) ou encore, renaissant de ses cendres la bordelaise et provocante Présence Panchounette.

Quoi de neuf sur La Fontaine ? Ce livre, informé des dernières recherches qui bouleversent les perspectives sur le genre de la fable, propose une étude globale et décapante du premier recueil, celui qui rassemble les apologues les plus célèbres, à commencer par « La Cigale et la Fourmi ». Mêlant les mises en perspective et en contexte aux analyses de détail systématiques et fouillées, il renouvelle sur nombre de sujets l’approche de l’œuvre : sur ses sources, ses origines, sa poétique, sa structure, ses thèmes et ses formes, son bestiaire et sa morale. En dix « leçons » synthétiques, claires et précises, il offre un tour d’horizon qui redécouvre les fables de 1668, révèle la profonde unité sous la diversité chatoyante de ce recueil, soulève et tâche de résoudre nombre des questions latentes qu’il appelle, et en propose une lecture aux prises insolites, qui bouscule bien des évidences.

Selon la philosophe Judith Butler, le problème de la soumission nous concerne tous, ne serait-ce qu’en raison de notre attachement aux personnes à qui nous sommes subordonnés – notamment l’enfant à ses parents. Toute vie humaine se présente comme le site d’un conflit irrésolu entre soumission et émancipation ; les femmes se retrouvent toutefois dans une position singulière en raison de l’association encore souvent posée entre féminité, passivité et soumission. Dans un tel contexte, comment penser le désir des femmes sans les placer dans une position réactive – où elles ne pourraient que répondre au désir des hommes pour elles ? Malgré la grande place attribuée à la sexualité dans la littérature actuelle des femmes, on s’est peu interrogé sur la façon dont l’expression d’un désir marqué par la soumission soulève des questions sur l’imaginaire contemporain. En s’appuyant sur des œuvres de Nelly Arcan, Catherine Millet et Annie Ernaux, Joëlle Papillon propose que, derrière une soumission de surface, les narratrices expriment une résistance aux normes de la féminité. Pratiquer une « passivité active » permet à ces femmes désirantes de rejeter la place qui leur est faite dans les échanges sexuels traditionnels, nous incitant à réimaginer les formes qu’emprunte l’agentivité sexuelle des femmes.

Les grands mythes sont des miroirs où se réfléchissent, au fil du temps, des valeurs et des visions du monde. Parmi les mythes fondateurs de notre culture, celui de Perceval présente une spécificité qui le rend particulièrement ouvert à une pluralité d’interprétations : le texte qui l’inaugure est inachevé. En laissant le Conte du Graal sans conclusion, Chrétien de Troyes déployait un large éventail de perspectives : Perceval serait-il le héros triomphant d’une quête aboutie, ou devrait-il tendre sans répit vers quelque chose qui toujours se dérobe devant lui ? À moins qu’il ne prenne goût à sa recherche, ou qu’elle ne lui devienne vitale… C’est au déploiement diachronique de ce mythe qu’est consacré le présent ouvrage. Après une mise au point sur la notion de « mythe littéraire », il suit Perceval à la trace, en quête des sens toujours renouvelés que son histoire a pris au fil des siècles.

Aventurier célèbre du XVIIIe siècle, Beaumarchais est avant tout le père de Figaro, cette figure familière qui s’invite dans le débat public dès qu’il est question de liberté d’expression ou de lutte contre l’injustice. Récusant le concept de mythe, dont les études de réception sont friandes, cette enquête s’interroge sur la manière dont l’usage systématique de Figaro dans des domaines extra-littéraires détermine l’ensemble du discours critique sur Beaumarchais. Aux origines de la figaromania, un parcours de la subversion à l’institutionnalisation s’opère à la fin du XIXe siècle avec l’avènement des républicains. Cette histoire globale de la réception montre ainsi la convergence entre les significations d’une œuvre appartenant au patrimoine national et les multiples usages et appropriations dont elle fait l’objet, envisagés dans leur diversité à l’échelle européenne.

La question du médium est au centre de cet essai. D’une part, le médium des artefacts visuels traditionnellement considérés comme des « images » (dessins, tableaux, estampes, etc.) est défini par la nature de leurs supports. En appliquant aux oeuvres d’art le même traitement qu’à tout autre objet, la photographie n’a pas fait qu’élargir la famille des images, elle en est devenue le paradigme, de sorte que la reproduction d’une oeuvre d’art qui n’est pas une image est une image. La condition définitoire de ce qui fait image s’en trouve dès lors modifiée. D’autre part, on donne le nom de « médium » à une personne que ses pouvoirs suprasensibles mettent en communication avec les « esprits ». Parce qu’ils situent l’image au confluent de ces deux grandes déterminations (le renvoi et la transmission), les textes de Pascal Quignard peuvent nous éclairer sur les pouvoirs qui lui sont attribués. L’hypothèse est la suivante : non seulement toute image actuelle a un médium, mais toute image, en tant qu’elle est image de ce qui est sans image (« image qui manque à nos jours »), est un médium. La médialité (les « supports ») est aussi une affaire de médiumnité (les « transports »). Médée, l’infanticide, la magicienne, empoisonneuse et guérisseuse, dotée des pouvoirs d’un médium (d’une chamane), est précisément la figure générale de la médiation.

Il n’existait à ce jour nul ouvrage qui explorât avec autant de minutie, de science et de plaisir l’œuvre immense de Jean-Patrick Manchette. L’auteur de La Position du tireur couché, de Nada, du Petit Bleu de la côte ouest plane pourtant depuis quarante ans comme une ombre sur la littérature française, polareuse ou pas. C’était quand même vachement embêtant. Mais maintenant, ça va mieux.

Louis Janover recourt à la méthode généalogique pour enjamber l’espace clos des périodes de l’histoire littéraire et artistique et jeter un nouveau regard sur le destin du surréalisme dans sa double dimension de révolution politique (transformer le monde) et de création de formes sensibles (changer la vie). Cette reconquête de l’histoire politique et artistique du surréalisme renvoie à une démonstration de la puissance d’inactualité de ce dernier. L’admiration très singulière des surréalistes pour Lautréamont, la révolte irrécupérable animant leur refus de l’art pour l’art, l’errance de Nerval dans le rêve et la vie, dans la ville et le Valois de sa jeunesse, l’amitié qui le lie à Heine, la force transformatrice des fictions théoriques et des poèmes, tout se retrouve dans le rejet des normes conformistes et son prix de solitude. Cette généalogie s’achève par le retour vers Jacques Vaché, protagoniste désespéré de la résistance à toutes les réductions culturelles contre lesquelles s’élèvera le surréalisme. Manière, pour Louis Janover, de rendre lisible l’écart qui s’est creusé entre la révolution surréaliste et le surréalisme artistique, et de faire de cette lisibilité le motif politique ou éthique d’une vigilance, sinon d’un réveil des consciences. À la pointe extrême de cette généalogie, au-delà du temps perdu des avant-gardes, se retrouvent Fondane et Artaud, le groupe du Grand Jeu, Daumal et Gilbert-Lecomte.

La galanterie constitue, à l’âge classique, une catégorie culturelle, dont procèdent des œuvres littéraires adossées à une certaine conception de la vie sociale qui favorise le plaisir léger et le loisir lettré. Dans la première moitié du XVIIIe siècle, l’esthétique galante semble toutefois prendre une inflexion particulière sous l’influence du style rococo qui domine alors les beaux-arts et l’architecture, où les grâces d’un Watteau répondent aux meubles chantournés et aux lambris dorés du style Louis XV. En littérature, cette galanterie rocaille trouve particulièrement à s’affirmer dans les petits genres, qui répondent à un désir d’esthétisation de la vie sociale. La poésie fugitive et les œuvres badines que publient des périodiques comme le Mercure galant sont, en ce sens, exemplaires de cette esthétique de la frivolité qui se complaît souvent dans l’anonymat et l’éphémère.

"Tout le monde pense, les poètes aussi. On ne s’en aperçoit pas toujours, parce qu’on préfère les voir en rossignols ou en oiseaux lyres, distraits plutôt que pensifs. Ou en êtres irrationnels, en proie à une fureur dangereuse pour la Cité, ce qui conduisit Platon à les bannir de sa République. Et pourtant. Comment ne pas penser quand la mémoire et le langage sont en jeu, quand tout l’être soutenu par le rythme est à la recherche du mot juste, afin de piéger une vérité qui se dérobe ? Mais la pensée des poètes exerce un charme, et l’on se méfie de ce qui ensorcèle, on n’aime guère être séduit quand on voudrait que règnent les idées. La poésie pense en images, elle s’empare d’objets imprévus ou réputés futiles. Elle aime les surprises plutôt que la théorie, la sensualité plutôt que l’abstraction, et c’est souvent après coup que le poète découvre ce qu’il avait à dire." Vingt-trois grands poètes, de Charles Baudelaire à Jacques Réda, peuplent cette anthologie conçue par un vingt-quatrième d’entre eux.

Être lyrique, c’est d’abord, pour Lamartine, une nouvelle façon de vivre, un nouveau monde à découvrir : monde intime du « cri du coeur », monde politique d’une République à venir, où les droits de l’individu seront partout reconnus, comme dans l’espace du poème. Les Méditations inventent, sans pourtant révolutionner le vers, une expressivité hors norme destinée à chanter la vie dans son inquiétude spirituelle et à affronter sans fin le vide de la mort. Quand le « je » se chante, la poésie médite sur elle-même, sur ses conditions d’émergence et de survie, pour donner le ton à tout un siècle et au-delà.

Cet ouvrage met au jour un pan jusqu’alors méconnu de notre littérature moderne : le roman français à sujet romain contemporain. Apparu au début du XIXe siècle, sous la plume de Madame de Staël, avec Corinne (1807), il s’est développé au travers des deux cents dernières années, avec des oeuvres aussi importantes que Madame Gervaisais des Goncourt (1869), la Rome de Zola (1896), Les Caves du Vatican de Gide (1913), ou La Modification de Michel Butor (1957). Examinant ces oeuvres clefs du répertoire français, aussi bien que d’autres textes qui firent époque, Donatien Grau s’emploie à dégager la généalogie d’un genre, suite du récit de Voyage dans une ville dont la population fut multipliée par trente pendant la période, qui passa de l’état de désert à celui de métropole moderne, et du statut de capitale des États pontificaux à celui de capitale de l’Italie unifiée. Il met en évidence une lecture française de Rome – Paris et Rome étant les seules villes jumelées l’une à l’autre. Le roman, genre anti-religieux par excellence, doit s’y confronter à l’omniprésence du catholicisme ; et la fiction doit affronter la présence étouffante de l’histoire, qui avait, pendant des générations, empêché toute fiction contemporaine. Par ce biais, il nous offre un aperçu sur un rare moment où le temps se rend sensible à lui-même, dans la Ville éternelle.

Après quelques études générales sur la crise des signes au XVIe siècle, M. Jeanneret traque, dans les romans de Rabelais, les ruses de la fiction et les indices du malaise interprétatif.

L'oeuvre poétique de Charles Péguy est bien connue du grand public, mais on ignore souvent le poète, gérant de la revue Les Cahiers de la Quinzaine. Cette étude présente l'évolution de cette revue fondée en 1900.