Études de la littérature francophone II

2014 centième anniversaire de son décès. 1913 Parution du Grand Meaulnes. Présentation de la genèse et de la réception du Grand Meaulnes. Etude sur les personnages, le temps et l'espace du récit. Analyse de l'influence des courants littéraires et artistiques sur l'œuvre de l'écrivain.

L’écrivain franco-libanais Amin Maalouf est paré d’une image de passeur de cultures, de chantre des exilés et d’ambassadeur des immigrants. Chrétien au Liban, Arabe en France, il semble irrémédiablement minoritaire, irrémédiablement étranger. Il revendique d’ailleurs lui-même ce rôle de médiateur entre l’Orient et l’Occident, prêchant pour un monde du multiculturalisme et de l’identité multiple. Commentateurs et critiques accolent ainsi à son œuvre l’étiquette de la poursuite d’une communion universelle des peuples, l’abordant principalement au regard des questions d’identité, d’exil, de quête des origines et d’appartenances multiples. Le présent ouvrage revisite l’œuvre de ce grand auteur qu’est Amin Maalouf – lauréat du prix Goncourt en 1993 et membre de l’Académie française depuis 2011 – afin de mettre en évidence la complexité de celle-ci et de montrer les diverses voies empruntées pour revenir sans cesse à des images et à des leitmotivs obsessifs. De la cartographie de l’œuvre de Maalouf aux questions de sa réception et de sa lecture, en passant par des perspectives culturelles, idéologiques et politiques, il balise de nouvelles pistes d’interprétation. Premier ouvrage collectif à porter exclusivement sur Amin Maalouf, il réunit des contributions du Canada, de la France, du Maroc, du Cameroun et de l’Afrique du Sud. Se concluant sur une entrevue exclusive avec Amin Maalouf, il saura éveiller la curiosité pour cette œuvre qui, de lecture en relecture, fait surgir ce sens profond de l’humanité et conduit à parcourir autrement la terre et ses frontières, la mer et ses rivages.

Cet ouvrage est une enquête sur un point aveugle de notre histoire littéraire, Anatole France, prix Nobel de littérature presque tombé dans l’oubli. Avant d’être l’une des plus grandes voix du dreyfusisme et un compagnon de route du socialisme, France a surtout été considéré comme l’écrivain français par excellence, capable de cristalliser et de fixer dans la littérature le prestige de la Nation, au long des décennies de doute culturel qui ont suivi la défaite de 1870. La réception enthousiaste d’Anatole France dans la mouvance du nationalisme français, Barrès et Maurras en tête, le confirme. Des tendances nostalgiques, une écriture et des idées néo-classiques, une posture sceptique face aux excès de la Révolution française donnent l’image d’un écrivain sinon de la tradition, du moins de l’« évolution », à distance du mythe révolutionnaire. France apparaît alors comme une sorte de « lieu de mémoire » vivant, capable de concentrer en lui nombre de « lieux de mémoire » nationaux (« la conversation », « la coupole », « la visite au maître »…). Il s’impose comme la figure transitionnelle d’une France inquiète, en quête de pérennité symbolique et le miroir littéraire d’une IIIe République avide de légitimité historique. Cet ouvrage, qui s’appuie sur une étude circonstanciée de la réception d’Anatole France dans le courant nationaliste, se veut aussi un parcours critique d’une œuvre qui marque un moment charnière dans les aventures de l’humanisme à la française.

André Frénaud est entré en poésie avec la Seconde Guerre Mondiale ; pour autant son œuvre dépasse le cadre de la circonstance. Désireux d’interroger le monde et de trouver réponse à ses questions de vivant-mortel, Frénaud refuse tous les faux-semblants, qu’ils soient politiques ou religieux. Il fonde une éthique poétique de l’authenticité sur le refus des facilités intellectuelles. Bienveillant et fraternel, il veille à défendre les poètes dont la parole est confisquée, lui qui redoute plus que tout d’être « mort sans avoir parlé ». Son écriture mime le ressassement d’une quête inlassable de la visitation poétique. Le poème se construit alors sous les yeux du lecteur qui y lit en même temps son exégèse.

Après Ulysse, qu’« après » marque un temps ou un mouvement, on s’interroge. Que reste-t-il de l’étranger ? Après Ulysse, comment aujourd’hui comprendre l’étranger qui jamais – qu’on le veuille ou non – ne cessera de venir à nous ? La question, celle de l’hospitalité, est ici posée dans des imaginaires qui tournent autour de la Méditerranée, la traversent en tous sens, sur les traces parfois immatérielles de l’Odyssée qui en eux murmure, veille, affleure. C’est aussi une invitation à penser l’hospitalité sous ses allures politiques, où l’éthique en vient toujours à composer avec l’esthétique. On le verra dans des histoires d’écrivains et chez d’autres encore, moins poètes en apparence mais qui, linguiste comme Émile Benveniste ou philosophe comme Jacques Derrida, composent aussi avec la langue pour invoquer l’invité de jadis qui deviendra l’étranger ; et ce qu’aujourd’hui, pour demain, nous avons à lui offrir. Ce qu’aujourd’hui, pour demain, aussi, il fera de nous. Enfin, se dire « après Ulysse », c’est aussi se dire après un nom, rappeler que le nom de l’étranger, le nom qui toujours en dit trop et jamais assez, est à la fois l’écueil et la clef de l’accueil. Voilà ce que nous révèlent Albert Cohen, Albert Camus, Assia Djebar, mais aussi Edmond Jabès, pour penser l’hospitalité de la mer au désert, du livre à la lecture, entre parole et silence.

Antonin Artaud désira inverser le sens de la lecture, c’est-à-dire fabriquer une lecture où ce ne soit plus le texte qui soit lu par le lecteur mais le lecteur qui soit lu par le texte. C’est la thèse qui est à l’origine de ce livre : Artaud voulut paralyser le lecteur et le réduire à l’impuissance en lui confisquant sa lecture. Du même coup, la lecture déborde le champ de la littérature pour devenir une pratique à penser dans le voisinage d’autres pratiques limites : la possession, la contagion, la révélation. Un lecteur possédé, contaminé, ou révélé par ce qu’il lit n’interprète pas le texte ; au contraire, il y est soumis avec force. On a ainsi esquissé à partir d’un choix d’œuvres d’Artaud une lecture non-herméneutique, entendant par là une lecture qui ne soit pas un canal pour l’interprétation mais qui, au contraire, entraîne sa suspension.

L’expérience de la wilderness – l’espace sauvage américain – est traditionnellement associée à l’écriture de la nature – nature writing – née avec Thoreau, dans la deuxième moitié du XIXe siècle. Or, elle est apparue bien avant, dès les écrits de William Bartram, inspirant fortement deux écrivains français de renom – Chateaubriand et Tocqueville – qui ont décrit les splendeurs des grands espaces naturels américains entre 1775 et 1831. Portés par la vogue américaine issue des romans de J. F. Cooper, Chateaubriand et Tocqueville font naître l’écriture littéraire de la nature en s’inspirant in situ des solitudes du Nouveau-Monde. Thoreau viendra parachever ce premier élan en consacrant l’autonomie d’un genre nouveau, promis de nos jours à un essor toujours plus grand.

Qu'est-ce qu'être écrivain ? Qu'est-ce qu'écrire ou vouloir écrire ? Qu'est-ce que le langage littéraire ? Quels liens unissent le roman à la théorie, la pensée critique à l'entreprise créatrice ? Quels buts la littérature se fixe-t-elle? Qu'est-ce qui définit la modernité ? Et peut-être aussi : qu'est-ce que l'amitié ? Ces questions fondamentales, Roland Barthes et Alain Robbe-Grillet n'ont cessé, pendant près de trente ans, de se les poser, à eux-mêmes, et l'un à l'autre. C'est la passionnante trajectoire de leurs réponses qu'entend retracer cet ouvrage, suivant patiemment les sinuosités d'une exceptionnelle amitié littéraire dont l'écho nous parvient encore aujourd'hui. Ce livre nous plonge au coeur de l'effervescence intellectuelle de la seconde moitié du siècle passé, dont nous sentons encore l'irrésistible vent de liberté et qui toujours nous rappelle que la littérature, selon les mots de Roland Barthes, « donne du souffle au monde ».

Du grand feu de joie des Lumières restent surtout des cendres : la modernité s’est éteinte. Depuis un aujourd’hui marqué par l’extinction massive des espèces animales, la raréfaction des ressources naturelles ou l’amoindrissante standardisation des modes de vie, nous voyons peut-être avec plus d’acuité que, depuis ses débuts, le « projet moderne » se vouait à son épuisement. Ce constat n’avait pourtant nul besoin d’attendre notre époque pour se voir édicter. Charles Baudelaire, en particulier, décrivit avec rigueur comment la modernité en viendrait inexorablement à se saper elle-même. Contrairement à sa légende, Baudelaire n’est ni le poète de la vie moderne, ni un antimoderne. Dans son œuvre, il critique en acte la religion moderniste et sa foi dans le progrès technique ou politique, l’explication historique, l’urbanisation, l’expansion coloniale et la croissance économique. Il propose en retour une poétisation de soi et du monde, pour tenter d’éviter le suicide collectif de la modernité. Ce livre est ainsi une invitation à relire Baudelaire dans toute sa complexité et à y trouver une inspiration pour penser et agir au futur.

Le nom de Boris Vian est connu de tous, que ce soit en tant qu’auteur, jazzman, pataphysicien ou chanteur. Pourtant, depuis le colloque de Cerisy en 1976 et la publication de ses œuvres complètes dans la prestigieuse collection La Pléiade en 2010, il semblerait que, à quelques exceptions près, les études universitaires se soient spécialisées dans des analyses réduites à un seul genre et toujours empreintes d’éléments biographiques. Ce volume propose de déroger à la règle et d’adopter de nouvelles perspectives sur l’identité multiple de l’œuvre de Vian. En privilégiant un angle interdisciplinaire, nos contributeurs en révèlent la transmédialité, grâce à l’apport de leurs spécialités respectives. Cette approche innovante propose des pistes pour la recherche vianienne qui renouvelleront l’interprétation de l’œuvre de cet auteur protéiforme.

Camille et Paul Claudel ont grandi ensemble ; ils se sont aimés, disputés, soutenus, éloignés, perdus de vue, retrouvés. Un élan créateur souleva leur vie. Dans son souffle, leurs liens se retissèrent sur un plan supérieur. Ils n’en sont pas moins seuls, fondamentalement. Pour Camille que sa personnalité impérieuse place au centre, la solitude représente tour à tour un défi, une chance, et un piège. Pour Paul, étant inscrite dans son être, elle fonde son rapport au monde, secrètement décalé. La parenté de leur génie n’échappe pas à Paul qui s’en flatte ; il la redoute à mesure que Camille perd pied. Ils ont vécu chacun une histoire d’amour qui finit mal, et donne naissance à deux chefsd’œuvre L’Âge mûr et Partage de Midi. La souffrance les relie, à la fois banale et sublimée. Entre les écrits du frère et les sculptures de la sœur, la descendante des Claudel dessine tous les liens possibles avec beaucoup de finesse ; elle s’attaque aussi aux mythes. Il fallait que Rodin fût mauvais ; de même Paul Claudel doit-il l’être. Écoutons plutôt la voix de Camille près de l’agonie, à la dernière visite de son frère : "Elle me reconnaît, profondément touchée de me voir, et répète sans cesse : mon petit Paul !" À la question : "Pour quelle faute avez-vous le plus d’indulgence ?" le jeune Proust répondait : "Pour la vie privée des génies". Ce livre expose cette vie privée à travers les œuvres, c’est-à-dire à travers le génie. Les poètes ne sont pas des saints, les lecteurs parfois non plus !

Bibliophile exceptionnel, polygraphe, précurseur du romantisme, l’écrivain Charles Nodier (1780–1844) a publié à la fois des romans, des contes, des récits, des allégories et des articles pleins d’ironie. Il lui arrivait de ne pas signer ses livres, de prendre des pseudonymes et de multiplier les masques au point que s’impose assez vite la question de son rapport aux divers régimes politiques qui, depuis la Révolution jusqu’à la Monarchie de Juillet, ont constitué le temps historique dans lequel il écrivait. L’hypothèse d’Anne Kupiec est d’emblée politique : Nodier a éprouvé d’une manière suraiguë le moment révolutionnaire, en dépit du fait qu’il l’a vécu en étant encore un enfant. Le fil conducteur politique qui ouvre la lecture de l’œuvre se confronte alors à des difficultés irréductibles, celle des formes changeantes de l’expression littéraire de Nodier, celle des masques multiples de l’écrivain et, enfin, celle d’une ambiguïté des positions politiques. En effet, Nodier fait à la fois l’éloge de Bonald et de Saint-Simon, de Madame de Staël et de Babeuf ou de Buonarroti, il critique le despotisme de l’Empire et se trouve déçu par la Monarchie de Juillet. L’analyse doit ainsi s’élever à la saisie du sens profond de l’ambiguïté, après en avoir traversé toutes les formes et toutes les variations. Ainsi s’éclaire peu à peu la nature d’un scepticisme politique qui doute de tout sans renoncer à rien, qui use des formes multiples de l’écriture pour éveiller son lecteur à l’interrogation, sinon à la critique, du présent et des éléments de positivité de ce présent. La pensée politique fait le détour du fantastique, du rêve animalier, de l’éloge paradoxal, de la « monomanie réflective », de la fiction pour conjurer le désenchantement et ménager des perspectives d’écart, de recul, d’exil par rapport aux déceptions que la période post-révolutionnaire a suscitées. De manière étonnante Nodier est celui qui, en 1835, au moment de l’édition du Discours de la servitude volontaire par Lamennais, propose d’éditer les œuvres complètes de La Boétie. Cette proposition est d’autant plus significative que Nodier a été l’éditeur des Institutions républicaines de Saint-Just… Le penseur politique n’est pas démasqué, mais son masque d’écritures découvre ses vrais enjeux.

Une approche textuelle de cinq morceaux choisis de l'oeuvre de Voltaire : Poème sur le désastre de Lisbonne, Dictionnaire philosophique, L'ingénu et Le taureau blanc.

Recueil de 7 études sur le poète C. Marot, les liens de son œuvre avec celle de François Villon, avec la littérature orale et traditionnelle, sa traduction d'un tiers des psaumes, etc. Ce livre voudrait faire part d'un plaisir. Car c'est un bonheur que d'ouvrir L'Adolescence clémentine, de cueillir au hasard tel rondeau tourné d'hier ou telle chanson fredonnée de la veille. Après cinq siècles, L'Adolescence n'a pas fini de chanter et Marot est plus jeune que jamais. Héritière du Moyen Age et annonciatrice des temps modernes, son œuvre se situe dans l'intervalle qui sépare Charles d'Orléans de Maurice Scève. Elle s'affranchit des contraintes de la Grande Rhétorique pour affirmer sa liberté souveraine. Divisé en sept chapitres, cet itinéraire critique s'ouvre par deux études générales consacrées à l'oralité et au rire, se poursuit par deux études de cas qui traitent du genre de l'héroïde et de la ballade, et s'achève par deux commentaires qui envisagent, au-delà de L'Adolescence, L'Enfer et son imitation par Etienne Dolet, les Psaumes et leur relecture par Calvin dans le sens d'une autobiographie providentielle. En épilogue, un chapitre de synthèse s'attache à définir le " secret " de Clément Marot, secrétaire et poète, partagé entre le service du Prince et le service de Dieu.

Comment Marcel, le brillant mais stérile narrateur d’À la recherche du temps perdu, en est-il devenu l’auteur ? Un tel passage à l’acte semble voué à rester une énigme. Cependant, la Recherche est ainsi construite qu’on peut induire l’idée dont Proust fut l’homme, celle qui lui a permis de réaliser sa « vocation invisible ». Cette enquête lit Proust à la lumière de ce qu’il fait, souvent sans le dire, ou seulement à demi-mot. Elle montre que le lent accomplissement de sa destinée créatrice recèle une démonstration rigoureuse, aussi nouvelle dans ses principes ou dans ses fins que dans ses moyens romanesques. On ne songe guère à consommer de la philosophie dans Proust. À tort. Car, lorsqu’on relie le théorème du Temps retrouvé à la structure profonde de la Recherche, l’idéalisme proustien apparaît alors comme une véritable leçon de créativité.

Alain-Fournier et Jacques Rivière échangent une abondante correspondance de 1904 à 1914 ; à ce premier échange se joint le peintre André Lhote, en 1907. Ces lettres, parce qu’elles sont fondées sur une amitié de jeunesse, contribuent à la formation des trois artistes. Les rencontres entre les jeunes gens ont lieu dans la classe de Rhétorique Supérieure de Lakanal où se rencontrent Rivière et Fournier, puis dans le salon bordelais du mécène Gabriel Frizeau, grand ami de Paul Claudel, où Rivière rencontre Lhote. Leurs découvertes littéraires et culturelles, représentatives d’une partie de l’offre culturelle de la période, fondent leur amitié et guident la constitution d’un réseau de sociabilités. Une fois ce cadre posé, l’on peut dégager les caractéristiques de l’amitié unissant les épistoliers. Celle-ci répond aux critères de l’amitié parfaite décrits par la tradition : elle naît entre égaux et repose sur l’échange et le partage. Mais la particularité de leur relation est d’être fondée sur une passion commune pour l’art. La nature du pacte amical influe dès lors sur le pacte épistolaire : le style de la lettre d’amitié, caractérisé par sa variété, permet des échanges critiques, des exposés théoriques et l’exercice de l’écriture littéraire. C’est pourquoi les correspondances forment une école pour les trois artistes : ils y élaborent des identités leur permettant de se positionner dans le champ artistique, des principes esthétiques vitalistes et un style propre. Leurs lettres apparaissent dès lors comme le laboratoire d’une écriture du roman, de l’essai et de la critique d’art.

Depuis la mort de Céline en 1961, nous avons appris bien des choses sur sa vie et sur son œuvre. Rares sont les œuvres aussi controversées dans la littérature mondiale ; rares sont celles qui ont un tel pouvoir de déclencher la polémique. Mais cinquante ans après, le temps et les lecteurs ont mis à l’épreuve le styliste de l’oralité et le pamphlétaire antisémite. À partir des travaux biographiques, des éditions savantes et de la correspondance, cet ouvrage dresse un bilan de l’œuvre et de la critique. Il questionne à nouveaux frais les relations entre l’auteur et son texte et poursuit la réflexion jusqu’aux liens de Céline avec la création contemporaine.

Dans les pas du voyageur invite à suivre Michel Bideaux (1935-2017) dans l’exploration de ses territoires favoris : la narration et le voyage, sur la période longue du XVIe au XVIIIe siècle. Le recueil se veut dialogique, entrelaçant dix articles de Michel Bideaux et dix contributions de ses collègues et amis, issus d'une journée d’étude organisée à l’université Paul Valéry où la réflexion s’est plus particulièrement orientée vers « l’épreuve du voyage » : non seulement les péripéties du voyage, réel ou fictif, d’exploration ou d’éducation, quel qu’en soit le registre, mais également les modalités de la mise en récit et les tribulations ainsi offertes à la lecture. En somme « un voyage à vivre, à écrire et à lire », où embarquent protagoniste, lecteur et même lecteur des critiques pour une quête qui touche à la fois la diversité des formes et la relativité des valeurs.

Disparu il y a dix ans, Jean Giraud, alias Mœbius, est un auteur français de bandes dessinées qui bénéficie d’une renommée internationale, mais dont l’œuvre, tout en étant fort lue, reste mal comprise. L’ambition de ce livre est de proposer une lecture à la fois originale et complète de ce travail à travers ses deux séries majeures. Blueberry (en collaboration avec Jean-Michel Charlier) a profondément renouvelé l’imaginaire du western, puis L’Incal (en collaboration avec Jodorowsky) a révolutionné le genre de la science-fiction. L’approche de Jean-Clet Martin fait ressortir la grande originalité de Giraud dessinateur, bâtisseur de mondes, romancier en images, critique social et penseur de la condition humaine.

Entre la fin du XVIe siècle et la fin du XVIIe siècle, les poèmes appartiennent à ceux qui les lisent : manuscrits ou imprimés, passant de main en main, ils sont objets d’appropriations de formes et d’ampleurs variées, autoritaires, qui entraînent une variabilité insoupçonnée. Celui que l’on désigne comme l’auteur recouvre une réalité plus complexe qu’un nom écrit sur une page de titre. Cet ouvrage pose de nouveaux cadres d’analyse de la poésie classique, qui renouvellent en profondeur la compréhension de ses enjeux esthétiques et des pratiques sociales auxquelles elle donne lieu. Il met en évidence un phénomène massif, mais jusque-là peu pris en compte : les innombrables commentaires et réécritures auxquels sont soumis les poèmes à l’époque, de la part de multiples sources et acteurs – correspondants des auteurs, experts sollicités ou non, copistes ou lecteurs. Ces gestes constituent autant d’appropriations par lesquelles on s’empare des poèmes en vue de nouvelles utilisations : on en prend possession, pour affirmer son savoir, tisser des liens, les rendre conformes à sa propre définition de l’usage linguistique, ou tout simplement pour s’exprimer. Ainsi ce livre bouleverse-t-il les notions de poème, entendu comme un objet stable et fini, mais aussi d’auteur, compris comme responsable unique des œuvres, et propose une vision nouvelle de l’idée de poésie classique : enjeu de rapports de force et de conflits de normes, elle s’élabore dans la durée et collectivement, et ne connaît aucune stabilité.

Cette étude porte sur les infléchissements du romanesque dans la littérature contemporaine française, à travers un corpus de narrations écrites dans la première décennie du XXIe siècle. Les œuvres de Jean Echenoz, Jean Rolin et Patrick Deville, ouvrant l’invention romanesque à de multiples espaces, portent une attention singulière au réel (biographique, historique, social) et s’approprient de multiplies dispositifs génériques, en écho aux questionnements qui émergent avec le nouveau siècle. D’un côté, le romanesque souvent considéré comme un rêve, une utopie, est amené à se défaire de sa structure ; de l’autre, il subsiste dans le récit à l’état d’impulsions narratives, de fragments, de motifs, capables d’alimenter et de renouveler le roman. On observe ainsi une homologie entre les sujets de prédilection des trois auteurs – l’aventure, l’agir humain, pensés à même le réel – et le traitement générique du roman : loin de se présenter comme un genre codifié, il est plutôt dynamisé par une écriture aventureuse, qui explore les domaines du savoir et les frontières du littéraire. Cette étude entend ainsi montrer comment la déceptivité première de l’aventure permet aux auteurs de réinvestir la puissance exploratoire du romanesque et de questionner le sujet, transformant ses principes en une liberté formelle et intellectuelle. Jean Echenoz, Jean Rolin et Patrick Deville font ainsi écho aux évolutions des discours critiques qui, depuis la fin des années 1990, affichent des formes de résistance à la « fin des idéologies » et à son relativisme supposé.

Le Dictionnaire des naturalismes entend proposer une vue d’ensemble du naturalisme en luttant contre les images réductrices ; il donne toute leur place aussi bien aux figures majeures qu’aux « petits » naturalistes ; il envisage le mouvement dans sa dimension internationale, en soulignant une diversité qui n’exclut pas des constantes. L’ouvrage conjugue des approches multiples : étude des thèmes, des formes d’écriture, des sociabilités, histoire de l’édition, réception, postérité, … tout en accordant une grande attention aux questions de définition et de chronologie.

Quoi de neuf sur La Fontaine ? Ce livre, informé des dernières recherches qui bouleversent les perspectives sur le genre de la fable, propose une étude globale et décapante du premier recueil, celui qui rassemble les apologues les plus célèbres, à commencer par « La Cigale et la Fourmi ». Mêlant les mises en perspective et en contexte aux analyses de détail systématiques et fouillées, il renouvelle sur nombre de sujets l’approche de l’œuvre : sur ses sources, ses origines, sa poétique, sa structure, ses thèmes et ses formes, son bestiaire et sa morale. En dix « leçons » synthétiques, claires et précises, il offre un tour d’horizon qui redécouvre les fables de 1668, révèle la profonde unité sous la diversité chatoyante de ce recueil, soulève et tâche de résoudre nombre des questions latentes qu’il appelle, et en propose une lecture aux prises insolites, qui bouscule bien des évidences.

« Traditionnel, bien français ? » se demande-t-on ici au sujet de Du côté de chez Swann, à contre-courant des idées reçues, et comme Proust se le demandait en 1909 au sujet de Nerval. Sans répondre aussi catégoriquement – « Je ne le trouve pas du tout » –, les auteurs du présent volume mettent en évidence, en quatre temps – « Le roman cosmopolite », « Esthétiques transnationales », « Nationalismes, antisémitismes » et « La langue française » –, l’engagement profond du roman du côté du cosmopolitisme, et contre toutes les formes délétères du nationalisme : autant dire qu’il est plus que jamais notre contemporain.

Selon la philosophe Judith Butler, le problème de la soumission nous concerne tous, ne serait-ce qu’en raison de notre attachement aux personnes à qui nous sommes subordonnés – notamment l’enfant à ses parents. Toute vie humaine se présente comme le site d’un conflit irrésolu entre soumission et émancipation ; les femmes se retrouvent toutefois dans une position singulière en raison de l’association encore souvent posée entre féminité, passivité et soumission. Dans un tel contexte, comment penser le désir des femmes sans les placer dans une position réactive – où elles ne pourraient que répondre au désir des hommes pour elles ? Malgré la grande place attribuée à la sexualité dans la littérature actuelle des femmes, on s’est peu interrogé sur la façon dont l’expression d’un désir marqué par la soumission soulève des questions sur l’imaginaire contemporain. En s’appuyant sur des œuvres de Nelly Arcan, Catherine Millet et Annie Ernaux, Joëlle Papillon propose que, derrière une soumission de surface, les narratrices expriment une résistance aux normes de la féminité. Pratiquer une « passivité active » permet à ces femmes désirantes de rejeter la place qui leur est faite dans les échanges sexuels traditionnels, nous incitant à réimaginer les formes qu’emprunte l’agentivité sexuelle des femmes.

Nous fêterons le 26 septembre 2021 le 75ème anniversaire de la naissance de Blake et Mortimer, icônes légendaires. Leur créateur, Edgar P. Jacobs, n’estima jamais opportun de parler de sa vie privée. Baryton d’opéra à la gloire peu prospère, dandy contrarié à l’imagination féconde, premier assistant d’Hergé, victime des préjugés de la censure française, Jacobs a vécu sa carrière d’auteur de bande dessinée comme une véritable damnation. Et pourtant il aura fait rêver plusieurs générations de lecteurs... Cette biographie, nourrie de documents rares et de témoignages inédits, fait enfin sortir de l’ombre la personnalité discrète, anxieuse et attachante de ce grand artiste qui aura signé un pacte d’éternité grâce à la bande dessinée…

Cet ouvrage s'intéresse à un phénomène capital, quoique méconnu, de l'histoire littéraire du XIXe siècle : la lecture à haute voix en petit comité. De Lamartine à Gide en passant par Stendhal, Hugo, Flaubert, Rimbaud et Mallarmé, tous les écrivains ont essayé leurs œuvres devant un petit parterre d'amis et de confrères. Maillon oublié de la chaîne du livre, cette phase test est une étape importante, voire déterminante, dans le processus de création littéraire. Un tableau de Théo van Rysselberghe intitulé Une Lecture (1903) forme le point de départ de l'enquête. Pourquoi lit-on ? Que lit-on ? Pour qui lit-on ? L'auteur s'efforce de répondre à toutes ces questions en puisant dans une documentation variée (correspondances, journaux intimes souvenirs littéraires, articles périodiques, etc.). Érudit, l'ouvrage n'a pourtant rien d'académique. Il se présente sous la forme de 80 petits chapitres qui sont autant de pièces du puzzle de la lecture. Une fois n'est pas coutume, l'auteur raconte son enquête en même temps qu'il la mène. Chapitre après chapitre, le lecteur partage ses tâtonnements, ses découvertes, ses échecs – sa satisfaction enfin, quand le phénomène de la lecture littéraire en petit comité est redevenu visible.

Pourquoi ce regroupement de textes portant sur le surréalisme et signés de Guy Rosolato (1924-2012), médecin de grande culture et psychanalyste ? C’est qu’une même aspiration à libérer la pulsion de vie se trouve dans le surréalisme comme dans les savoirs toujours « en travail » d’un siècle de freudisme. Or, la fraîcheur audacieuse, l’approche originale et la pensée productive de Guy Rosolato commencent seulement à être évaluées. Ces pages, dont le thème est chaque fois un auteur ou une notion formellement étiquetée « surréaliste », seront donc précieuses pour tous ceux qui s’attachent à ce mouvement de pensée poétique dont la largeur de compas ne cesse de se redéployer. Elles relèvent de plusieurs ordres de pertinence. Pertinence d’ordre anthropologique si l’on songe à l’objet « bizarre » célébré par Picabia, ou au sujet sacrificiel auquel s’identifie Antonin Artaud. Pertinence d’ordre phénoménologique, d’autre part : le motif de l’ombilic, en tant que mode d’émergence de la « relation d’inconnu », est mis en œuvre pour décrire le régime de l’endroit/envers, qui ne relève pas d’un système binaire. La notion d’« oscillation métaphoro-métonymique », dégagée par G. Rosolato dès 1974, relève elle aussi d’une observation phénoménologique : cette forme d’« attention en mode esthétique », où l’on retarde la catégorisation des formes et du plaisir qu’elles procurent, Guy Rosolato la désigne du terme de jubilation. C’est enfin l’interaction de la réflexion psychanalytique freudienne avec ces observations anthropologiques ou phénoménologiques qui développe un réseau de significations brillamment éclairantes. Les textes ici réunis se développent de 1956-1957 jusqu’aux années 80 et 90. C’est donc de plusieurs passages d’encres, et d’encrages, qu’il s’agit dans ce livre, tout autant que de circulations de sens entre invention surréaliste et quête freudienne.

Cet ouvrage rassemble des écrits critiques portant sur les avant-gardes du XXe siècle et sur leurs significations esthétiques et philosophiques pour notre monde contemporain. Il analyse tant la littérature que les arts plastiques issus de ces mouvements, du surréalisme à Cobra, en passant par l'Internationale lettriste. Son propos est de montrer l'exceptionnelle diversité d'expression de ces avant-gardes, du poème-manifeste au récit autobiographique, de l'écriture automatique à l'essai, et de la peinture au ready-made. Il inclut en outre un ensemble de photographies personnelles qui illustrent et soulignent l'importance de la thématique du vide pour ces mouvements.

Femmes et littérature, une histoire culturelle offre pour la première fois un ample panorama de la présence des femmes en littérature, du Moyen Âge au XXIe siècle, en France et dans les pays francophones. Composé de deux volumes, l’ouvrage rend compte des multiples formes que prend leur production selon le temps auquel elles appartiennent : poésie, théâtre et roman, correspondance, journal intime et autobiographie, essai, pratique journalistique, littérature populaire et littérature pour enfants. Leur participation active à la vie littéraire, leur présence dans les cours et couvents, salons, cercles et académies, dans la presse et les médias, leur rapport au manuscrit, au livre et à l’édition, leurs réflexions sur l’éducation ainsi que sur leur 'condition' spécifique sont analysés et mis en perspective. Fruit du travail collectif d’une dizaine de spécialistes, une telle synthèse contribue à enrichir considérablement les connaissances existantes. Elle rend ainsi toute sa place à une production littéraire souvent ignorée, rarement reconnue à sa juste valeur.

Étant donnée la manière dont le théâtre sérieux français du XVIIe siècle traite la succession monarchique, il y a lieu de se demander s’il ne relève pas de la tribune politique. Il y aurait pourtant de quoi s’étonner : les lois fondamentales sont les seules qui ne prêtent pas à débat sous l’Ancien Régime. Par ailleurs, la loi salique, qui règle la dévolution de la couronne, est censée fonder l’autorité du roi, assurer le salut de ses sujets, garantir l’équilibre de l’État et préserver un ordre voulu par Dieu. La remettre en cause ne peut aller de soi à une époque où le pouvoir monarchique s’absolutise et cherche à raffermir les fondements de l’autorité royale. Les dramaturges du XVIIe siècle jouent-ils donc avec le feu quand ils mettent en scène la succession monarchique ? Peut-on même aller plus loin, et dire que les dramaturges versent dans la subversion quand ils tirent parti des arcanes mouvementés de la succession monarchique ? C’est ce que cet ouvrage s’attache à éclaircir en comparant les cadres qui conditionnent leur production aux crises politiques mises en scène.

Auteur de quelques-uns des plus grands romans du XIXe siècle, inventeur de la modernité en littérature, admiré par Zola, Proust, Gide, Sarraute et tous les écrivains actuels, Flaubert n’en finit plus d’attirer les regards. Alors qu’on croit tout connaître de sa vie, de ses œuvres et de leurs conditions d’écriture, se révèlent au contraire un individu complexe, un écrivain aux facettes multiples et un homme de lettres adulé, décoré et invité dans les plus beaux salons. La présente biographie ne recèle aucune découverte surprenante, sinon celle d’une parole libre proférée par l’écrivain non seulement dans ses livres, publiés ou pas, ses documents de travail mais aussi dans une correspondance que son gigantisme (des milliers de lettres) empêche souvent de lire in extenso. Il s’agit donc de donner à entendre sa voix, magistrale, à lire sa pensée, souvent révoltée, sa conception du monde, toujours singulière, et de se placer au plus près de l’homme et de l’écrivain, au plus près de sa réalité. Une réalité sans fard et sans masque pour mieux renouer avec le Flaubert que ses amis ont connu, un être entier qui n’a jamais renoncé à ses idéaux. Nous avons voulu une biographie entre réalisme et romantisme, à l’intersection même des deux cultures qui ont construit l’homme et fondé l’œuvre. Une seule ambition, donc : rendre la parole à Flaubert pour le restituer aussi vivant qu’il a jamais été.

Les Bibliographies des recueils collectifs de poésie du XVIIe siècle valurent à Frédéric Lachèvre (1855-1943) la réputation de « bibliographe-bénédictin ». Promis à une belle carrière financière, c’est seulement à l’âge de quarante-cinq ans que l’autodidacte publie ses premières études : Jacques Vallée Des Barreaux, Théophile de Viau, Saint-Pavin, Claude de Chouvigny… Sous sa plume, c’est tout l’univers libertin d’un siècle alors mal connu, voire méconnu, qui renaît. L’analyse livre parfois des commentaires personnels qui peuvent prêter à sourire : la vision engagée du chercheur témoigne d’une sensibilité propre à un certain milieu. D’un style souple et léger, quelquefois sarcastique et incisif, l’œuvre de Frédéric Lachèvre invite à se plonger dans le monde des petits poètes et des libres penseurs du XVIIe siècle. Rappeler les travaux scientifiques de Frédéric Lachèvre conduit à évoquer des notions aussi diverses que bibliophilie, bibliographie, censure. Avec elles réapparaissent des personnalités érudites comme Charles Nodier, Jacques-Charles Brunet, Pierre Louÿs, Fernand Vandérem, Georges Mongrédien.

Directeur général des Arts et Lettres auprès d’André Malraux de 1959 à 1966, Gaëtan Picon ne cesse jamais d’être un critique des écrivains et des artistes. Alors que son Ministre veut partout, par les Maisons de la Culture, diffuser l’héritage total des productions du passé, il privilégie, en philosophe inspiré par Nietzsche, l’élan créateur de la génération des René Char ou Jean Dubuffet. Inventeur d’une théorisation de la Culture contemporaine, il préconise un Musée d’Art moderne, renouvelé dans ses postulats intellectuels autant que dans ses structures. Hors du temps politique et à l’écart des recherches structuralistes, il se passionne pour l’interprétation de la genèse des œuvres issue des ateliers de leurs auteurs. Dès lors, il configure les règles d’une critique « consciente », poétique et philosophique qui, par la densité d’un style à la fois sensualiste et abstrait, l’a cependant marginalisé dans les imaginaires sociaux.

Une meilleure connaissance des textes et de la carrière de Nerval a conduit la critique à mettre l'accent sur leur ancrage dans le contexte littéraire, social et politique de son époque ; mais cette attention au réel a toujours subi l'influence et la concurrence d'un imaginaire dont l'emprise s'est accentuée dans ses dernières oeuvres et dont il convient de réévaluer le rôle déterminant. Une lecture psychanalytique y décèle l'empreinte d'une structure psychotique contre laquelle Nerval a dû lutter toute sa vie, mais dont il a su faire une ressource paradoxale et la source d'une écriture singulière, frayant à la littérature des voies nouvelles que notre modernité n'a pas fini d'explorer.

C'est dans la presse que sont nées les Aventures de Tintin, il y a bientôt un siècle, puis qu'elles y ont été massivement diffusées. Dans Hergé et la presse, Geoffroy Kursner retrace en détail l'histoire chronologique des parutions des bandes dessinées d'Hergé dans les périodiques (plus de trois cents titres) imprimés aux quatre coins du monde (plus de quarante pays, dont la Grèce, l'Iran, l'Inde ou le Venezuela). Par ailleurs, l'auteur en propose une analyse sous plusieurs angles (historiques, contractuels, techniques et promotionnels) et évoque des dizaines de projets avortés et de parutions incomplètes ou inachevées. Enfin, il offre un inventaire le plus exhaustif possible des parutions avérées (pays par pays, périodique par périodique). L'ouvrage fourmille d'informations inédites, l'auteur ayant pu s'appuyer sur une bibliographie riche et polyglotte, diverses archives, ainsi que des collections publiques ou privées. Il est agrémenté de nombreuses illustrations, rares ou jamais vues.

La question du médium est au centre de cet essai. D’une part, le médium des artefacts visuels traditionnellement considérés comme des « images » (dessins, tableaux, estampes, etc.) est défini par la nature de leurs supports. En appliquant aux oeuvres d’art le même traitement qu’à tout autre objet, la photographie n’a pas fait qu’élargir la famille des images, elle en est devenue le paradigme, de sorte que la reproduction d’une oeuvre d’art qui n’est pas une image est une image. La condition définitoire de ce qui fait image s’en trouve dès lors modifiée. D’autre part, on donne le nom de « médium » à une personne que ses pouvoirs suprasensibles mettent en communication avec les « esprits ». Parce qu’ils situent l’image au confluent de ces deux grandes déterminations (le renvoi et la transmission), les textes de Pascal Quignard peuvent nous éclairer sur les pouvoirs qui lui sont attribués. L’hypothèse est la suivante : non seulement toute image actuelle a un médium, mais toute image, en tant qu’elle est image de ce qui est sans image (« image qui manque à nos jours »), est un médium. La médialité (les « supports ») est aussi une affaire de médiumnité (les « transports »). Médée, l’infanticide, la magicienne, empoisonneuse et guérisseuse, dotée des pouvoirs d’un médium (d’une chamane), est précisément la figure générale de la médiation.

Parues en 1895, les Vies Imaginaires de Marcel Schwob scellent l’acte de naissance d’un genre littéraire, la fiction biographique, dont les dérivés contemporains pullulent dans nos librairies depuis les Vies minuscules de Pierre Michon, les récits de Pascal Quignard, de Jean Echenoz ou de Patrick Modiano.Art littéraire de la mémoire, ces récits résonnent de la religion de transmission propre à notre culture comme de notre orgueil des différences et de notre besoin des secrets. Rêvées ou réinventées par les écrivains, ces vies produisent une mythographie proprement littéraire fondée sur ce que Schwob nommait le sentiment moderne du particulier et de l’inimitable : elles enrichissent, aux marges de la grande Histoire, nos existences de nouveaux possibles.C’est un voyage parmi ces vies imaginaires, fil secret de notre histoire littéraire et laboratoire précieux de nos identités modernes, et une réflexion sur ce genre désormais central de la littérature française et pourtant jamais encore étudié en tant que tel, la biofiction, que cet essai veut proposer.

Depuis l’ouvrage publié en 1988 par V.-Y. Mudimbe, on sait que l’Afrique a fait l’objet d’une « invention ». On sait peut-être moins qu’elle a suscité un « inventaire », dont les prémisses furent posées à l’époque coloniale mais dont la déclinaison se poursuit aujourd’hui dans les sciences humaines, la littérature et les arts. Embrassant un siècle d’histoire et plusieurs aires d’Afrique subsaharienne francophone, le présent essai met en évidence les évolutions et les pérennités d’une tentation encyclopédique récurrente, présente aussi bien dans la constitution de la science africaniste que dans les représentations littéraires et artistiques du continent.

Lorsqu’il s’enfuit de son monastère en compagnie d’une nonne, Jean-Charles Thibault (1749-1827) n’imaginait certainement pas qu’après des débuts certes difficiles il deviendrait professeur à l’université de Bâle, puis servirait les projets de Frédéric II désireux de remédier au « style réfugié » des Colonistes de Berlin, que Charles Eugène de Wurtemberg verrait en lui le maître des maîtres indispensable à son académie Caroline, qu’il dirigerait deux journaux aussi importants sous la Révolution que le Courrier de Strasbourg ou le Journal de la Montagne et qu’enfin, il fournirait, à lui seul, un dictionnaire de la langue bien supérieur à celui des quarante immortels ! Sous le nom qu’il prend en Suisse de Jean Charles de la Veaux (puis Laveaux), il publie de nombreux ouvrages de pédagogie et de grammaire marqués par son expérience de l’étranger. Ce maître de l’ironie fait aussi paraître avec succès des romans et essais philosophiques qui annoncent en lui le journaliste révolutionnaire. Enfin, traducteur infatigable et talentueux, conscient de son rôle de médiateur culturel entre l’Allemagne et la France, il s’emploie à mieux faire connaître le « génie » de ce premier pays. Après l’épisode révolutionnaire, pendant lequel il aura un rôle important, il terminera sa vie comme historien, grammairien et lexicographe reconnu.

Voici le journal de Rimbaud. Journal reconstruit à partir de l’extraordinaire feuille de route qu’il rédige lorsque, souffrant de la gangrène, il décide en avril 1891 de redescendre en chaise à porteurs de Harar vers Aden. De ce journal, Rimbaud a rédigé maints passages, tirés de ses propres lettres. Ses contemporains, les gens qui l’ont connu, aperçu, croisé, sa famille, Verlaine, Germain Nouveau, Paterne Berrichon, ont laissé nombre de témoignages. Les innombrables recherches sur Rimbaud permettent des recoupements et donnent aujourd’hui une vision précise des grands épisodes de sa vie. Ce journal est une reconstitution intime du cheminement de Rimbaud. Au rebours des grands courants de la critique du XXe siècle, il donne à voir à quel point la compréhension de l’œuvre d’un auteur est inséparable de sa vie. À l’opposé d’un structuralisme triomphant et froid, ce journal, vrai et fictif à la fois, entend montrer une autre voie en pointant vers une certaine tradition. Celle d’une littérature pleinement vécue.

Cet ouvrage étudie les multiples facettes de la relation entre Jules Verne et la culture médiatique, en amont et en aval de l’œuvre, « avant » et « après » Jules Verne, des années 1860 à nos jours. Puisque, tel Phileas Fogg, le héros du Tour du monde en quatre-vingts jours et grand lecteur de journaux, Jules Verne, est un homme en prise directe sur le discours social, tout ce qui s’écrit, se pense et se représente dans la presse et la littérature contemporaines pénètre ses notes de lecture et la composition de ses romans, de sorte que son œuvre constitue un point d’observation idéal pour cartographier certaines topiques de l’imaginaire social. En outre, on peut à juste titre voir en Verne un mythographe, c’est-à-dire un créateur de mythologies modernes qui ont trouvé à s’incarner dans la culture médiatique de son temps et dans ses déclinaisons ultérieures, de la IIIe République aux projections rétrofuturistes de l’esthétique steampunk. Un certain nombre de personnages, de thèmes, de situations et de stéréotypes géographiques participant de l’imaginaire social prennent leur origine, ou du moins trouvent leur exposition déterminante, dans son œuvre, qui serait ainsi connue de tous – même de ceux qui n’ont jamais ouvert un roman de Jules Verne.

À la mort de Voltaire, une équipe d’admirateurs du patriarche fonde la « Société Littéraire Typographique » pour entreprendre une nouvelle édition complète de son œuvre. Ce projet, réalisé sous la direction de Beaumarchais et de Condorcet dans des conditions difficiles, s’inscrit dans la perspective d’une diffusion militante des textes et des idées des Lumières. En dépit des innombrables obstacles qui s’opposent à cette entreprise subversive, les éditeurs parviennent à « finir ce cher Voltaire » et livrent à la postérité, entre 1785 et 1790, une édition in-octavo en 70 volumes et une édition in-douze en 92 volumes des Œuvres complètes de M. de Voltaire. Cette édition posthume et intégrale constitue une première dans le champ éditorial français, à la fois par le luxe et le soin apporté à l’édition, « chef d’œuvre de l’art typographique », et par l’apport d’une correspondance déjà monumentale, qui livre l’image de l’homme privé et même intime, à côté de son œuvre littéraire. Le dernier volume, intitulé Vie de Voltaire, est le texte qui lie les deux ensembles. Pour Condorcet, Voltaire a fait de sa vie un chef d’œuvre, qu’il s’agit d’offrir à la postérité pour sa valeur morale et politique. Par-delà son caractère exemplaire, cette édition pose de nombreuses questions historiques, philologiques et idéologiques, qui touchent à l’histoire du livre, à la connaissance du corpus voltairien, à l’enjeu politique et idéologique majeur que représente l’œuvre de Voltaire dans le contexte très polémique des années pré-révolutionnaires, au mythe littéraire institué par ce monument éditorial et à la réception de l’œuvre ainsi rendue publique. Cette enquête historique et littéraire s’appuie sur des archives dans leur majeure partie inédites, pour la première fois rassemblées.

Cet ouvrage propose pour la première fois une histoire de l’école de Genève à travers l’étude comparée des œuvres de Georges Poulet, Jean Starobinski et Jean-Pierre Richard. Une première partie retrace l’histoire intellectuelle du groupe à une époque marquée par l’influence de la phénoménologie, puis par la pensée structuraliste, ainsi que par les tensions entre la nouvelle critique et la critique universitaire. Pour ce faire, l’auteure s’appuie abondamment sur la correspondance, en partie inédite, entre ces trois auteurs. Une deuxième partie analyse les textes de Poulet, Starobinski et Richard pour tenter de cerner la spécificité de leur démarche critique au-delà des différentes théories et méthodes auxquelles leurs œuvres ont pu être associées. L’étude de leurs « gestes critiques » permet d’observer les mouvements de la pensée interprétative et la façon dont celle-ci naît d’une « imagination critique » qui leur est propre et qui caractérise tant leur lecture des textes littéraires que leur écriture critique.

Comment le roman français a-t-il dépeint la Seconde Guerre mondiale dans les années qui suivirent le conflit ? Que nous dit le roman que ne nous disent pas ses discours concurrents, qu’ils soient politiques, journalistiques ou testimoniaux ? La Guerre manquée met en lumière un corpus romanesque opposé à la vision héroïque répandue après-guerre. Cet ouvrage analyse une vingtaine de romans dont la particularité a été de donner à voir une guerre irréelle, un combat à la fois fantomatique et violent qui a pu constituer pour bien des Français une expérience commune. Il montre comment les fictions ont très tôt dénoncé le mythe d’une France tout entière unie dans la lutte et ont incarné la mauvaise conscience nationale. Bien avant les historiens ou la génération 68, le roman a ainsi usé des moyens qui lui sont propres pour explorer les zones d’ombre de la guerre.

Lit-on encore les poètes romantiques ? Naufragés de la modernité commençante, ils ont tenté de reprendre souffle dans un monde désenchanté et les voilà engloutis dans les anthologies et les explications de texte convenues. Lamartine ? On ne se souvient guère que du « Lac ». Sainte-Beuve ? Le critique dont Proust a basculé la redondante statue a tué le poète. Vigny ? Trop sévère et trop sensuel à la fois pour nos hédonismes obligatoires. Hugo ? Il n’est plus question que du romancier. Musset ? On le joue encore au théâtre, sa poésie est dévaluée. Nerval ? Trop grandi, il est la victime de l’hermétisme qu’on lui suppose. Les « petits romantiques » ? Nous ne les connaissons plus guère que par Baudelaire interposé.La poésie moderne est incompréhensible coupée du moment romantique qui la propulse en premier et avec lequel elle rompra les amarres. Baudelaire, Lautréamont, Rimbaud, Mallarmé, Apollinaire même seront tous comptables de l’effraction que le romantisme a produite au sein du champ littéraire de la première moitié du siècle.Un sujet, un monde, un langage. Et entre ces instances, une circulation, des médiations, mais aussi des tensions et des blocages. C’est de ce romantisme-là, loin des mythes et des routines, qu’il s’agit ici de retrouver l’énergie et la force d’invention. Au plus près des textes et de leur mise en dialogue, et dans le rapport si complexe qu’ils entretiennent avec l’histoire. Histoire d’un sujet lyrique, qui se dit et qui se pense. Histoire d’un monde qui se transforme et que la poésie tente de sonder. Il faut prendre la poésie au sérieux : voilà ce que les romantiques, les premiers à l’âge moderne, ont fait savoir. Voilà pourquoi il faut aussi les prendre au mot.

Giovanni Dotoli propose ici une lecture de l’œuvre de Charles Baudelaire au travers du prisme de la douleur : « Sois sage, ô ma Douleur, et tiens-toi plus tranquille ». Les poèmes de Baudelaire exaltent le mal et sa beauté, tentant de le conjurer ; ils expriment le combat de l’espérance face à la douleur et à la mort, l’échappatoire du rêve et la recherche de l’Idéal. Baudelaire est ainsi le poète de la condition humaine et de l’expérience moderne de l’homme.

« On attribue ordinairement l’origine des fables à l’imagination vive des orientaux », affirme Fontenelle dans De l’origine des fables (1714), faisant écho à une idée formulée avec éclat dès 1670 par Huet dans son Traité de l’Origine des romans, publié en tête de la mauresque Zayde de Mme de Lafayette. Orient et fabulation sont indissolublement liés pour la conscience occidentale à l’âge classique. C’est ce rapport du Moyen-Orient et de la fable, entendue en son sens le plus large, que ce volume souhaite explorer. Il s’agit non seulement d’examiner pourquoi la pensée occidentale s’est alors plu à imputer aux Orientaux l’invention des mythes et des fables originaires, mais aussi et surtout de s’interroger sur les mille et une manières dont l’imaginaire de l’Occident classique (singulièrement en France) n’a cessé de fabuler autour du Moyen-Orient.

La parodie, qui consiste en une imitation caricaturale d’une œuvre ou d’une personne, est présente dans la bande dessinée dès les débuts de celle-ci. Elle acquiert néanmoins rapidement un deuxième degré en devenant une parodie de genre quand, notamment, la série Lucky Luke parodie l’épopée western. Elle franchit un troisième degré, au cours des années 1970, quand la bande dessinée se met à se moquer d’elle-même, évoluant en une parodie de bande dessinée de genre ou parodie formelle. La bande dessinée se réfère alors à elle-même, au risque de devenir moins lisible par le grand public, mais contribue ainsi à sa légitimation en tant qu’art. Pierre Huard étudie ce jeu hypertextuel grâce à une analyse exhaustive appuyée sur la sémiotique visuelle et la critique artistique des œuvres. Il montre les liens entre un corpus de dix bandes dessinées franco-belges, publiées entre 1952 et 1994 et jugées exemplaires par la critique spécialisée, et un ensemble d’autres œuvres dont les traits sont imités ou déformés. Il propose par ailleurs une grille d’analyse très détaillée sur les caractéristiques narratives et visuelles de la bande dessinée, un apport considérable à ce domaine pour lequel l’analyse se fait encore trop rare. Tout comme son objet d’étude, donc, Pierre Huard contribue à sa façon, dans cet ouvrage, à la légitimation du neuvième art.

Dans la « République des traducteurs », l’esprit de la traduction se déplie comme une onde. Il traverse les langues, les écritures et les cultures, il soulève et entraîne hors d’elles-mêmes les signes émus de leurs retrouvailles et les élans créateurs de leurs rencontres sur une scène de théâtre. Ce livre est le résultat d’une rencontre de début octobre 2019 au Théâtre national de la Colline de 12 traductrices et de traducteurs du monde entier de l’œuvre de Valère Novarina, en présence de l’auteur. L’importance que Novarina accorde à l’espace entre les langues et à ce qu’il appelle la profondeur du langage est l’affirmation d’une ouverture vers la pluralité des langues ainsi que d’une mise en étrangeté salutaire de chaque langue par rapport à elle-même. En effet, ce livre formule une proposition originale favorable au dialogue des cultures et à l’ouverture d’une dimension politique.