Études de la littérature francophone II

Voici le journal de Rimbaud. Journal reconstruit à partir de l’extraordinaire feuille de route qu’il rédige lorsque, souffrant de la gangrène, il décide en avril 1891 de redescendre en chaise à porteurs de Harar vers Aden. De ce journal, Rimbaud a rédigé maints passages, tirés de ses propres lettres. Ses contemporains, les gens qui l’ont connu, aperçu, croisé, sa famille, Verlaine, Germain Nouveau, Paterne Berrichon, ont laissé nombre de témoignages. Les innombrables recherches sur Rimbaud permettent des recoupements et donnent aujourd’hui une vision précise des grands épisodes de sa vie. Ce journal est une reconstitution intime du cheminement de Rimbaud. Au rebours des grands courants de la critique du XXe siècle, il donne à voir à quel point la compréhension de l’œuvre d’un auteur est inséparable de sa vie. À l’opposé d’un structuralisme triomphant et froid, ce journal, vrai et fictif à la fois, entend montrer une autre voie en pointant vers une certaine tradition. Celle d’une littérature pleinement vécue.

Cet ouvrage étudie les multiples facettes de la relation entre Jules Verne et la culture médiatique, en amont et en aval de l’œuvre, « avant » et « après » Jules Verne, des années 1860 à nos jours. Puisque, tel Phileas Fogg, le héros du Tour du monde en quatre-vingts jours et grand lecteur de journaux, Jules Verne, est un homme en prise directe sur le discours social, tout ce qui s’écrit, se pense et se représente dans la presse et la littérature contemporaines pénètre ses notes de lecture et la composition de ses romans, de sorte que son œuvre constitue un point d’observation idéal pour cartographier certaines topiques de l’imaginaire social. En outre, on peut à juste titre voir en Verne un mythographe, c’est-à-dire un créateur de mythologies modernes qui ont trouvé à s’incarner dans la culture médiatique de son temps et dans ses déclinaisons ultérieures, de la IIIe République aux projections rétrofuturistes de l’esthétique steampunk. Un certain nombre de personnages, de thèmes, de situations et de stéréotypes géographiques participant de l’imaginaire social prennent leur origine, ou du moins trouvent leur exposition déterminante, dans son œuvre, qui serait ainsi connue de tous – même de ceux qui n’ont jamais ouvert un roman de Jules Verne.

À la mort de Voltaire, une équipe d’admirateurs du patriarche fonde la « Société Littéraire Typographique » pour entreprendre une nouvelle édition complète de son œuvre. Ce projet, réalisé sous la direction de Beaumarchais et de Condorcet dans des conditions difficiles, s’inscrit dans la perspective d’une diffusion militante des textes et des idées des Lumières. En dépit des innombrables obstacles qui s’opposent à cette entreprise subversive, les éditeurs parviennent à « finir ce cher Voltaire » et livrent à la postérité, entre 1785 et 1790, une édition in-octavo en 70 volumes et une édition in-douze en 92 volumes des Œuvres complètes de M. de Voltaire. Cette édition posthume et intégrale constitue une première dans le champ éditorial français, à la fois par le luxe et le soin apporté à l’édition, « chef d’œuvre de l’art typographique », et par l’apport d’une correspondance déjà monumentale, qui livre l’image de l’homme privé et même intime, à côté de son œuvre littéraire. Le dernier volume, intitulé Vie de Voltaire, est le texte qui lie les deux ensembles. Pour Condorcet, Voltaire a fait de sa vie un chef d’œuvre, qu’il s’agit d’offrir à la postérité pour sa valeur morale et politique. Par-delà son caractère exemplaire, cette édition pose de nombreuses questions historiques, philologiques et idéologiques, qui touchent à l’histoire du livre, à la connaissance du corpus voltairien, à l’enjeu politique et idéologique majeur que représente l’œuvre de Voltaire dans le contexte très polémique des années pré-révolutionnaires, au mythe littéraire institué par ce monument éditorial et à la réception de l’œuvre ainsi rendue publique. Cette enquête historique et littéraire s’appuie sur des archives dans leur majeure partie inédites, pour la première fois rassemblées.

Cet ouvrage propose pour la première fois une histoire de l’école de Genève à travers l’étude comparée des œuvres de Georges Poulet, Jean Starobinski et Jean-Pierre Richard. Une première partie retrace l’histoire intellectuelle du groupe à une époque marquée par l’influence de la phénoménologie, puis par la pensée structuraliste, ainsi que par les tensions entre la nouvelle critique et la critique universitaire. Pour ce faire, l’auteure s’appuie abondamment sur la correspondance, en partie inédite, entre ces trois auteurs. Une deuxième partie analyse les textes de Poulet, Starobinski et Richard pour tenter de cerner la spécificité de leur démarche critique au-delà des différentes théories et méthodes auxquelles leurs œuvres ont pu être associées. L’étude de leurs « gestes critiques » permet d’observer les mouvements de la pensée interprétative et la façon dont celle-ci naît d’une « imagination critique » qui leur est propre et qui caractérise tant leur lecture des textes littéraires que leur écriture critique.

Comment le roman français a-t-il dépeint la Seconde Guerre mondiale dans les années qui suivirent le conflit ? Que nous dit le roman que ne nous disent pas ses discours concurrents, qu’ils soient politiques, journalistiques ou testimoniaux ? La Guerre manquée met en lumière un corpus romanesque opposé à la vision héroïque répandue après-guerre. Cet ouvrage analyse une vingtaine de romans dont la particularité a été de donner à voir une guerre irréelle, un combat à la fois fantomatique et violent qui a pu constituer pour bien des Français une expérience commune. Il montre comment les fictions ont très tôt dénoncé le mythe d’une France tout entière unie dans la lutte et ont incarné la mauvaise conscience nationale. Bien avant les historiens ou la génération 68, le roman a ainsi usé des moyens qui lui sont propres pour explorer les zones d’ombre de la guerre.

Lit-on encore les poètes romantiques ? Naufragés de la modernité commençante, ils ont tenté de reprendre souffle dans un monde désenchanté et les voilà engloutis dans les anthologies et les explications de texte convenues. Lamartine ? On ne se souvient guère que du « Lac ». Sainte-Beuve ? Le critique dont Proust a basculé la redondante statue a tué le poète. Vigny ? Trop sévère et trop sensuel à la fois pour nos hédonismes obligatoires. Hugo ? Il n’est plus question que du romancier. Musset ? On le joue encore au théâtre, sa poésie est dévaluée. Nerval ? Trop grandi, il est la victime de l’hermétisme qu’on lui suppose. Les « petits romantiques » ? Nous ne les connaissons plus guère que par Baudelaire interposé.La poésie moderne est incompréhensible coupée du moment romantique qui la propulse en premier et avec lequel elle rompra les amarres. Baudelaire, Lautréamont, Rimbaud, Mallarmé, Apollinaire même seront tous comptables de l’effraction que le romantisme a produite au sein du champ littéraire de la première moitié du siècle.Un sujet, un monde, un langage. Et entre ces instances, une circulation, des médiations, mais aussi des tensions et des blocages. C’est de ce romantisme-là, loin des mythes et des routines, qu’il s’agit ici de retrouver l’énergie et la force d’invention. Au plus près des textes et de leur mise en dialogue, et dans le rapport si complexe qu’ils entretiennent avec l’histoire. Histoire d’un sujet lyrique, qui se dit et qui se pense. Histoire d’un monde qui se transforme et que la poésie tente de sonder. Il faut prendre la poésie au sérieux : voilà ce que les romantiques, les premiers à l’âge moderne, ont fait savoir. Voilà pourquoi il faut aussi les prendre au mot.

Giovanni Dotoli propose ici une lecture de l’œuvre de Charles Baudelaire au travers du prisme de la douleur : « Sois sage, ô ma Douleur, et tiens-toi plus tranquille ». Les poèmes de Baudelaire exaltent le mal et sa beauté, tentant de le conjurer ; ils expriment le combat de l’espérance face à la douleur et à la mort, l’échappatoire du rêve et la recherche de l’Idéal. Baudelaire est ainsi le poète de la condition humaine et de l’expérience moderne de l’homme.

« On attribue ordinairement l’origine des fables à l’imagination vive des orientaux », affirme Fontenelle dans De l’origine des fables (1714), faisant écho à une idée formulée avec éclat dès 1670 par Huet dans son Traité de l’Origine des romans, publié en tête de la mauresque Zayde de Mme de Lafayette. Orient et fabulation sont indissolublement liés pour la conscience occidentale à l’âge classique. C’est ce rapport du Moyen-Orient et de la fable, entendue en son sens le plus large, que ce volume souhaite explorer. Il s’agit non seulement d’examiner pourquoi la pensée occidentale s’est alors plu à imputer aux Orientaux l’invention des mythes et des fables originaires, mais aussi et surtout de s’interroger sur les mille et une manières dont l’imaginaire de l’Occident classique (singulièrement en France) n’a cessé de fabuler autour du Moyen-Orient.

La parodie, qui consiste en une imitation caricaturale d’une œuvre ou d’une personne, est présente dans la bande dessinée dès les débuts de celle-ci. Elle acquiert néanmoins rapidement un deuxième degré en devenant une parodie de genre quand, notamment, la série Lucky Luke parodie l’épopée western. Elle franchit un troisième degré, au cours des années 1970, quand la bande dessinée se met à se moquer d’elle-même, évoluant en une parodie de bande dessinée de genre ou parodie formelle. La bande dessinée se réfère alors à elle-même, au risque de devenir moins lisible par le grand public, mais contribue ainsi à sa légitimation en tant qu’art. Pierre Huard étudie ce jeu hypertextuel grâce à une analyse exhaustive appuyée sur la sémiotique visuelle et la critique artistique des œuvres. Il montre les liens entre un corpus de dix bandes dessinées franco-belges, publiées entre 1952 et 1994 et jugées exemplaires par la critique spécialisée, et un ensemble d’autres œuvres dont les traits sont imités ou déformés. Il propose par ailleurs une grille d’analyse très détaillée sur les caractéristiques narratives et visuelles de la bande dessinée, un apport considérable à ce domaine pour lequel l’analyse se fait encore trop rare. Tout comme son objet d’étude, donc, Pierre Huard contribue à sa façon, dans cet ouvrage, à la légitimation du neuvième art.

Dans la « République des traducteurs », l’esprit de la traduction se déplie comme une onde. Il traverse les langues, les écritures et les cultures, il soulève et entraîne hors d’elles-mêmes les signes émus de leurs retrouvailles et les élans créateurs de leurs rencontres sur une scène de théâtre. Ce livre est le résultat d’une rencontre de début octobre 2019 au Théâtre national de la Colline de 12 traductrices et de traducteurs du monde entier de l’œuvre de Valère Novarina, en présence de l’auteur. L’importance que Novarina accorde à l’espace entre les langues et à ce qu’il appelle la profondeur du langage est l’affirmation d’une ouverture vers la pluralité des langues ainsi que d’une mise en étrangeté salutaire de chaque langue par rapport à elle-même. En effet, ce livre formule une proposition originale favorable au dialogue des cultures et à l’ouverture d’une dimension politique.