Études de la littérature francophone II

Abandonnant le poème et la peinture quelques années après son arrivée à Paris, Robert Pinget (1919-1997) s’est construit une carrière d’auteur du Nouveau Roman aux Éditions de Minuit. La réception de son œuvre est tributaire du cadrage générique promu par l’éditeur, l’auteur lui-même n’ayant jamais renié son appartenance à la mouvance néo-romanesque. Pourtant, ses déclarations et l’ensemble de ses textes ne cessent d’affirmer l’ethos du poète. La disjonction entre la présentation de soi de l’écrivain-poète et ses livres d’auteur (excluant le poème) invite à une lecture sensible au mouvement continu et inquiet de l’écriture vers une poésie résistant à toute taxinomie. L’exil hors du territoire poétique se rejoue lorsque le Nouveau Romancier expérimente d’autres modes d’expression (pièces scéniques ou radiophoniques, carnets, livres graphiques, scénarios) pour retrouver le non-savoir du néophyte. Finalement, la poésie représente une origine et un avenir de l’œuvre tout entière, qui s’invente son lieu, entre Fantoine et Agapa, où inscrire une parole singulière et adressée, lyrique et critique.

« Je vais vous dire. Je suis resté profondément un Français libre » : en 1968, plus de vingt ans après la fin de la guerre, Romain Gary continuait à se définir par son engagement dans la France Libre. Chez cet éternel déraciné, ce sentiment d’appartenance était plus fort que tout. La France Libre, écrit-il, est « la seule tribu à laquelle j’ai appartenu à part entière ». Pourtant, on peut se demander ce que signifie cette fidélité au regard d’une œuvre qui refuse le cadre étroit de la littérature engagée et revendique de ne pas commémorer et de très peu raconter la guerre. Pour trouver sa voie comme écrivain, il aura fallu à Gary surmonter l’amertume et les désillusions de l’après-guerre, mettre à mort symboliquement son personnage d’ancien combattant, et faire renaître le combat de la France Libre sous d’autres formes. C’est au prix d’une métamorphose de son idéalisme que son univers romanesque trouve progressivement son ton et son équilibre propres, marqués par un humour provocateur et salutaire. Cette étude est consacrée à la première grande période créatrice de l’écrivain, de son premier roman publié, Éducation européenne, jusqu’à La Promesse de l’aube, où il parvient enfin à raconter directement sa guerre, en un hommage qui est aussi une forme d’adieu. L’approche, avant tout littéraire, met en lumière la dynamique d’une œuvre indissociable d’une vision historique et d’un engagement, sans jamais pourtant être réductible uniquement à eux. Elle restitue le parcours initial de l’écrivain, rappelant l’intérêt et l’importance de ses premières œuvres, souvent méconnues, soulignant leur invention formelle, et leur redonnant la place qui est la leur dans un tableau de la littérature d’après-guerre dont elles ont été trop souvent artificiellement écartées.

"Qu’ai-je donc fait pour souffrir si longtemps ? – Eh ! malheureux, ce que tu as fait ? Ne le vois-tu donc pas ? Tu vis trop." Donatien Alphonse François de Sade (1740-1814) passa vingt-sept ans de sa vie en prison ou en asile d’aliénés. Écrivain, romancier, philosophe, homme politique, on ne retint longtemps de lui qu’un cortège de rumeurs et une liste d’ouvrages clandestins pour la plupart introuvables. Entrée depuis 1990 dans la Pléiade, son œuvre est aujourd’hui en livre de poche, et tout un chacun peut lire Les Cent Vingt Journées de Sodome, La Philosophie dans le boudoir ou La Nouvelle Justine ou les Malheurs de la vertu. Mais Sade n’en reste pas moins un objet constant d’études et de questionnements. En 1818, un chirurgien, nourri de phrénologie, avait examiné son crâne. Entre surprise et déception, il en avait conclu que ce dernier "était en tous points semblable à celui d’un père de l’Église". Sade ne serait-il donc qu’un homme ? Telle est la question.

L’œuvre de Salah Stétié, brûlante de vie, d’amour et de mort, éclatante d’ombres et de lumière, vibrante de certitudes et de doutes, constitue un voyage initiatique bouleversant dans les profondeurs de l’Être. Esquissant avec une sensibilité fulgurante les contours subtils d’une arabesque poétique ondulant entre horizontalité et verticalité, le poète nous invite à dépasser les limites du temps et de l’espace, à franchir le gouffre entre réel et imaginaire, pour tenter d’élucider – ou tout au moins d’éclaircir – le mystère de notre présence au monde. Quête ontologique et spirituelle, son œuvre se révèle également profondément humaine, explorant les voix différentielles de l’altérité, à la recherche d’une humanité plurielle harmonieuse et féconde. À partir d’entretiens réalisés avec Salah Stétié et de l’analyse du vocable le plus fréquemment utilisé par le poète essayiste, Stéphanie Nassif entreprend de « remonter le fleuve à la source » afin de découvrir les principales étapes du chemin d’éveil tracé par l’écriture stétienne.

« Qui en France prétend connaître le rap ? Quel journaliste peut écrire sans faire de fautes de frappe ? » En 1991, NTM joue de ces interpellations pour s'en prendre à la critique facile d'un genre trop souvent dénigré. Ancré dans le champ musical depuis plus d'une trentaine d'années, le rap français, souvent réduit aux clichés, peine à trouver une pleine légitimité au sein de la culture hexagonale. S'éloignant des éternels débats, Sans fautes de frappe propose un éclairage sans précédent sur un corpus rapologique dont le goût pour la langue fait preuve d'une richesse de figures et de registres en écho à l'histoire de la littérature. Ainsi les noms de NTM, La Cliqua, IAM, Oxmo Puccino, Booba, La Rumeur ou de Casey bousculent ceux d'Edmond Rostand, Jules Vallès, Céline, Aimé Césaire, François Bon ou d'Annie Ernaux. Et le lecteur de découvrir un précieux aller-retour entre ces deux cultures.

Ce cahier rassemble les principaux articles que Simone Perrier a publiés en revue sur la littérature du XVIe siècle, ainsi que ses contributions à des volumes collectifs d’actes de colloques. On y trouvera des études consacrées à Montaigne, Marguerite de Navarre, et surtout aux poètes : Agrippa d’Aubigné, Ronsard, Du Bellay, Marot, Jodelle, Pontus de Tyard. Celles qu’elle a réservées à Maurice Scève comptent parmi ses travaux essentiels. D’autres articles portent sur des thématiques particulières – la représentation de l’écrivain à la Renaissance, la gloire, la problématique du songe, les emblèmes, le regard et le visible – ou sur des formes : l’allégorie, l’adynaton, les vers gnomiques. On sera sensible à l’attention portée aux textes et à la langue, au travail de construction de l’interprétation, ainsi qu’à l’élégance de son style.

Dès qu’éclatent les guerres de Religion, au printemps 1562, Ronsard met sa plume au service de la cause catholique et royale. « D’une plume de fer sur un papier d’acier », il compose quatre longues pièces d’alexandrins qui déplorent les misères de la France, battent le rappel des bonnes volontés et stigmatisent les protestants. Cette étude suit une progression chronologique et thématique, depuis les causes de l’engagement de Ronsard jusqu’à la « querelle des Muses », sous-jacente au dialogue polémique avec les libelles protestants. Elle replace les Discours dans leur cadre théologique et historique, mais surtout dans le débat esthétique d’une Renaissance en crise. Un chapitre particulier est consacré au genre rhétorique de la « remontrance » et aux inflexions nouvelles que Ronsard lui confère. Huit études sur les quatre pièces dans lesquelles Ronsard, lors des guerres de Religion, défend catholicisme et monarchie et accuse les protestants d'être la cause de l'instabilité de la France, oeuvres militantes qui permettent au poète de pratiquer le genre littéraire de la remontrance et d'exposer ses positions religieuses et esthétiques.

Né en 1928, Georges-Arthur Goldschmidt a été confronté à des limites et frontières de plusieurs sortes, et il les a traversées tout au long de sa vie. Après celles du cercle familial, celles de son pays natal et de sa langue maternelle comme auteur de récits, de romans et d’essais, mais aussi traducteur et auto-traducteur. Celles aussi de l’histoire, comme témoin de la Shoah et avertisseur, attentif aux relations franco-allemandes, à l’héritage juif de la culture allemande, à la responsabilité des écrivains et philosophes face aux catastrophes du XXe siècle. Passeur et penseur des langues et des mondes, il a répondu à la destruction politique en multipliant les passerelles entre littérature, philosophie et psychanalyse. Pour la première fois, ce volume réunit des études « croisées » de chercheurs français et allemands, qui ouvrent un dialogue à partir de ces traversées des limites. Quatre perspectives sont au centre de ces études : l’entre-deux des mémoires – l’exil et la Shoah, la libération par la langue et la culture française ; les questions des deux langues, de la traduction et de l’auto-traduction ; la présence, les liens et les traces du corps et de l’Histoire ; les livres comme « songes » et récits par « sautes d’images » et « rebonds perpétuels » (Peter Handke).

Les relations qui unissent le savoir scientifique et la poésie de la seconde moitié du XIXe siècle sont complexes. Longtemps fort minoré par l’histoire littéraire, le dialogue qu’entretiennent ces deux entités oscille entre modernité scientifique et modernités poétiques. Tour à tour conflictuelles ou fraternelles, ces modalités de dialogues multiples et contradictoires se révèlent pourtant symptomatiques d’une époque en crise vis-à-vis à la fois du genre poétique et d’un scientisme en voie d’essoufflement. L’analyse stylistique – systématiquement informée par le contexte de production – et l’épistémocritique permettent de rendre compte d’une histoire parallèle et longtemps éclipsée de la modernité : tandis que le poème moderne se proclame de plus en plus autonome, tandis que la science a tendance à se spécialiser au point de n’être plus transmissible, le dialogue de la science et de la poésie, loin de disparaître, se complexifie. Le poète ne se contente plus d’exposer thématiquement des éléments de savoirs. L’influence de la science se fait plus profonde et plus structurelle : le poème emprunte sa langue savante pour exprimer les angoisses du sujet lyrique, la poétologie entre dans le laboratoire de l’expérimentation. Ce faisant, l’impact de la science sur le travail poétique, quoique souterrain, devient déterminant dans les reformulations innovantes de la poésie de la seconde moitié duXIXe siècle. Deux modernités s’observent alors, se détournent parfois l’une de l’autre, s’entrecroisent ailleurs. C’est l’histoire des modalités de cette cohabitation difficile que la présente étude a cherché à mettre au jour.

Toute perspective de lecture est liée à un ancrage géographique. Chaque lecteur est habité par des paysages. Pour Rachel Bouvet, ce paysage est celui de l’océan tel qu’on peut l’observer le long des côtes bretonnes, cette force gigantesque, sublime, mais aussi porteuse d’une douceur infinie. Les auteurs Kenneth White, Victor Segalen et J.-M. G. Le Clézio partagent eux aussi cet ancrage breton : White vogue principalement entre les Côtes-d’Armor et l’Écosse, Segalen naviguait surtout entre le Finistère Nord et le Pacifique, Le Clézio voyage entre le Finistère Sud et le Nouveau-Mexique en passant par l’océan Indien et la Méditerranée. Consciente de son attachement breton, provoquant chez elle une sensibilité accrue aux paysages maritimes et désertiques, le désir de la géopoétique et un questionnement sur l’altérité, Rachel Bouvet réfléchit à la dimension géographique de l’acte de lecture. Par son analyse des œuvres de Kenneth White, de Victor Segalen et de J.-M. G. Le Clézio, elle montre que la géopoétique peut donner lieu à une approche singulière des textes littéraires. Faisant souvent appel à la géographie, aussi bien à la géographie physique qu’à la géographie humaine, avec les questions de paysage, de carte, de territoire, d’archipel, de frontière, elle illustre de quelle manière une interprétation basée sur les principes essentiels de la géopoétique peut se déployer.