Études de la littérature francophone II

C’est évidemment à dessein que recherche trouve place dans le titre, et Proust, via le narrateur, montre, l’aisance d’un authentique chercheur. Le roman, écrit Jean-Yves Tadié, « flotte entre deux eaux, porté par le mouvement de marée de la recherche, de la pensée interrogative » : « l’idée de ma construction ne me quittait pas un instant » lui répond le narrateur. La Recherche porte en soi une complexité peu banale : dans son architecture ; dans ses formes linguistiques étendues plus loin qu’il ne semble ; dans l’inépuisable matériau constitutif dont pas une pièce n’est convoquée sans dessein, y compris celui des sciences dont la fonction dépasse l’information : des sciences qui modélisent le propos, et dont on ne trouvera guère d’exemple dont la justification soit autre ; par exemple la description du déplacement au moyen d’une optique singulière, la multiplicité du temps, ou celle de l’œuvre en cours comme totalité cosmique. La question d’une relation entre science et littérature ne se pose pas vraiment chez Proust, tant le résultat de l’écriture est celui d’une performance poétique sans faille, sans artifice, jamais lasse.

Les textes de ce volume, qui réunit médecins, psychanalystes et littéraires, ont pour objet d’étude Proust, l’homme comme son œuvre. Celle-ci, qui entretient des liens souterrains avec l’enfance et la vie de l’écrivain – l’autorité d’un père hygiéniste, l’asthme dont souffre Proust, la psychothérapie qu’il a suivie –, est ainsi peuplée de personnages de médecins et de malades, et met en scène une tension entre volonté créatrice et angoisse existentielle. Les rapports entre esthétique et dolorisme, entre hystérie et création littéraire, intermittences du cœur et cardiologie, les représentations de la mort, de la neurasthénie, des rêves, font de Proust un pionnier de la neuroscience.

Proust porte un regard compassionnel sur la Première Guerre mondiale ; il souffre avec ses compatriotes, tout en refusant de condamner le peuple allemand au nom de la guerre. Or, s’ouvre ici une voie qui n’avait pas été explorée : en lisant quotidiennement plusieurs journaux, il se découvre, sous la plume de chroniqueurs exceptionnellement brillants (Joseph Reinach, Henry Bidou et le colonel Feyler en Suisse), un vif attrait pour la stratégie militaire, la structure des batailles, le rôle du chef, les intentions cachées à déchiffrer, ainsi que ce qui intéresse le plus le romancier de la jalousie amoureuse : les mécanismes du mensonge. Les opinions de Saint-Loup, en matière de stratégie, mettent l’accent sur les vrais sujets de controverse contemporains ; ils peuvent par là être eux-mêmes discutés. Le stratège et ses opérations militaires donnent à apercevoir dans le détail l’écrivain installé au centre de son œuvre, cependant que défilent devant nos yeux toutes les scènes et les débats de la Grande Guerre.

Après avoir créé La Cantatrice chauve en 1949, Ionesco n’a pas tardé à apparaître comme une force de renouvellement du théâtre français. S’il se détache progressivement de sa posture agressivement avant-gardiste, il ne renonce pas à faire de sa dramaturgie un objet d’exploration : de l’introduction du rêve sur la scène à la tentation de l’autobiographie dramatique. Le mouvement de la quête artistique a cependant cohabité avec une immuabilité ontologique, souvent revendiquée par l’auteur lui-même. Les pièces portent les empreintes d’un ressassement qui, dans l’ombre, travaille l’homme. Il se nourrit d’obsessions telles que l’angoisse de la mort, l’effarement devant la violence de ses semblables, la douleur de l’impuissance à ressusciter la lumière de l’enfance. Ionesco a trouvé dans la réécriture un processus créateur susceptible d’embrasser et de dépasser ses contradictions. Depuis La Cantatrice chauve – autoadaptation d’une première version roumaine – jusqu’à son dernier théâtre – conçu à partir d’un récit autofictionnel et de récits de rêve – en passant par la transmodalisation de nouvelles et la reprise de deux chefs-d’œuvre allogènes, Journal de l’Année de la Peste de Daniel Defoe et Macbeth de Shakespeare, Ionesco réécrit, les autres comme lui-même. La reprise textuelle, en ce qu’elle épouse le double mouvement de la pause réflexive et de l’impulsion conquérante, lui a ainsi fourni un précieux outil pour penser et repenser sa dramaturgie. L’analyse des manuscrits de l’auteur donne un accès privilégié au travail de la répétition à l’œuvre dans les réécritures ionesciennes.

Écrivain français d’origine grecque, Pierre Gripari (1925-1990) est l’auteur de nombreux recueils de contes destinés aux enfants ou aux adultes. Pour les composer, il a eu recours à de multiples sources populaires, mais il a également emprunté à des littératures plus classiques. Pierre Gripari, un passeur d’écritures examine la manière dont l’écrivain a emprunté des thèmes à de grands écrivains, français et étrangers, comme Perrault, Pouchkine, Mérimée, Gogol, Hugo, mais a aussi repris aux mythes grecs (Médée) et aux contes folkloriques russes. En prenant ces relations interculturelles pour objet privilégié, cette étude révèle l’importance du rôle de passeur de Pierre Gripari entre le public français et d’autres traditions littéraires et souligne la place du comique dans ces recréations.

Abandonnant le poème et la peinture quelques années après son arrivée à Paris, Robert Pinget (1919-1997) s’est construit une carrière d’auteur du Nouveau Roman aux Éditions de Minuit. La réception de son œuvre est tributaire du cadrage générique promu par l’éditeur, l’auteur lui-même n’ayant jamais renié son appartenance à la mouvance néo-romanesque. Pourtant, ses déclarations et l’ensemble de ses textes ne cessent d’affirmer l’ethos du poète. La disjonction entre la présentation de soi de l’écrivain-poète et ses livres d’auteur (excluant le poème) invite à une lecture sensible au mouvement continu et inquiet de l’écriture vers une poésie résistant à toute taxinomie. L’exil hors du territoire poétique se rejoue lorsque le Nouveau Romancier expérimente d’autres modes d’expression (pièces scéniques ou radiophoniques, carnets, livres graphiques, scénarios) pour retrouver le non-savoir du néophyte. Finalement, la poésie représente une origine et un avenir de l’œuvre tout entière, qui s’invente son lieu, entre Fantoine et Agapa, où inscrire une parole singulière et adressée, lyrique et critique.

Alain-Fournier et Jacques Rivière échangent une abondante correspondance de 1904 à 1914 ; à ce premier échange se joint le peintre André Lhote, en 1907. Ces lettres, parce qu’elles sont fondées sur une amitié de jeunesse, contribuent à la formation des trois artistes. Les rencontres entre les jeunes gens ont lieu dans la classe de Rhétorique Supérieure de Lakanal où se rencontrent Rivière et Fournier, puis dans le salon bordelais du mécène Gabriel Frizeau, grand ami de Paul Claudel, où Rivière rencontre Lhote. Leurs découvertes littéraires et culturelles, représentatives d’une partie de l’offre culturelle de la période, fondent leur amitié et guident la constitution d’un réseau de sociabilités. Une fois ce cadre posé, l’on peut dégager les caractéristiques de l’amitié unissant les épistoliers. Celle-ci répond aux critères de l’amitié parfaite décrits par la tradition : elle naît entre égaux et repose sur l’échange et le partage. Mais la particularité de leur relation est d’être fondée sur une passion commune pour l’art. La nature du pacte amical influe dès lors sur le pacte épistolaire : le style de la lettre d’amitié, caractérisé par sa variété, permet des échanges critiques, des exposés théoriques et l’exercice de l’écriture littéraire. C’est pourquoi les correspondances forment une école pour les trois artistes : ils y élaborent des identités leur permettant de se positionner dans le champ artistique, des principes esthétiques vitalistes et un style propre. Leurs lettres apparaissent dès lors comme le laboratoire d’une écriture du roman, de l’essai et de la critique d’art.

"Il faut s’étourdir, il faut se laisser emporter par le tourbillon […] ; je cède au torrent, j’aime tout ce qui me dérobe au temps." Fille de Jacques Necker, futur ministre des Finances de Louis XVI, Anne Louise Germaine Necker, baronne de Staël-Holstein, plus connue sous le nom de Madame de Staël (1766-1817), est une femme aux talents multiples. Écrivain (Corinne ou l’Italie), philosophe (De la littérature considérée dans ses rapports avec les institutions sociales), propagatrice des romantismes allemand et anglais, féministe avant la lettre, elle ne cesse aujourd’hui encore de nous surprendre. Dans son approche attentive et empathique, Sophie Doudet nous donne de celle qui affirmait que sa vie "était un témoin qu’il fallait entendre aussi" l’image d'une femme curieuse de tout, agile, novatrice, revendiquant pour elle comme pour ses consœurs un droit absolu au bonheur.

Être lyrique, c’est d’abord, pour Lamartine, une nouvelle façon de vivre, un nouveau monde à découvrir : monde intime du « cri du coeur », monde politique d’une République à venir, où les droits de l’individu seront partout reconnus, comme dans l’espace du poème. Les Méditations inventent, sans pourtant révolutionner le vers, une expressivité hors norme destinée à chanter la vie dans son inquiétude spirituelle et à affronter sans fin le vide de la mort. Quand le « je » se chante, la poésie médite sur elle-même, sur ses conditions d’émergence et de survie, pour donner le ton à tout un siècle et au-delà.

Les écrits de presse de Marcel Proust, plus que de simples exercices préparatoires au roman, sont des textes amplement insérés dans les divers supports périodiques où ils ont été d’abord publiés. À travers une étude qui associe analyse du discours, analyse du support et éléments intertextuels, la présente recherche investigue le dialogue incessant entre la participation de Proust dans la presse et le contexte médiatique qui l’entoure. Pour ce faire, Yuri Cerqueira dos Anjos propose un argument organisé autour de trois éléments principaux : l’ethos, la poétique et l’imaginaire médiatiques.