Études cinématographiques

Analyser un film, c’est avant tout s’interroger sur l’origine de nos émotions. Comment un simple film peut-il réussir à nous parler, à nous bouleverser, à changer l’image que nous avons de nous-mêmes, à nous persuader qu’il dit des choses vraies sur le monde qui nous entoure ? Pour répondre à ces questions, Laurent Jullier propose trois types de lectures filmiques : 1) l’analyse typologique : quel genre d’histoire racontent les films ? 2) l’analyse formelle : quel arsenal technique et symbolique déploient-ils ? 3) l’analyse conceptuelle : quelles interprétations permettent des disciplines comme la sémiologie, l’esthétique, les Gender et les Cultural Studies, l’anthropologie, la psychanalyse, la narratologie, la poétique historique… ? Sans distinction d’époque, de prestige ou de genre, Laurent Jullier convoque un grand nombre de films du patrimoine mondial et s’adresse à la fois aux étudiants, aux enseignants et à tous les cinéphiles.

Le public québécois a-t-il eu réellement accès aux œuvres cinématographiques, et, si oui, dans quelles conditions ? Dans quelle mesure ne les a-t-on pas mutilées ? Si ces œuvres n'ont pas été projetées sur les écrans du Québec, quelles en sont les raisons ? Tout cela dépend de qui et de quoi ? Anastasie ou la censure du cinéma au Québec, en plus de répondre à ces questions, relate la mise en place, l'exercice et la disparition des diverses formes de censure du cinéma au Québec. Cette histoire commence avec les autorités religieuses qui considèrent les « vues animées » comme « une école du soir tenue par le diable » et qui tentent de faire interdire les projections le dimanche. L'État québécois légifère bientôt à son sujet : les moins de 16 ans se voient refuser l'accès aux salles, on crée un bureau de censure qui examine tous les films avant leur projection en public. Ce comité a tous les pouvoirs pour les accepter, les refuser en tout ou en partie. Cette censure, plus ou moins sévère selon les divers responsables, dure 60 ans. Mais, tout au long de cette histoire, divers intellectuels et journalistes combattent ces atteintes à la liberté d'expression. Cette lutte fait briller quelques lumières dans la « Grande Noirceur ». La production québécoise n'est pas en reste. Elle connaît aussi ses histoires d'interdictions et de coupures, aussi bien à l'Office national du film que dans l'industrie privée. Anastasie ou la censure du cinéma au Québec est abondamment illustré et truffé d'anecdotes savoureuses qui ne laisseront pas les lecteurs indifférents.

Pendant quarante ans, Robert Bresson a accordé nombre d’entretiens à la presse française et étrangère, à la radio et à la télévision. Ses réponses aux multiples questions, de toutes sortes, apportent d’importantes précisions sur ses films, son art et l’évolution de sa pensée. Et elles accompagnent, devancent, prolongent ses Notes sur le cinématographe. Interrogé par Yvonne Baby, François-Régis Bastide, Michel Ciment, Serge Daney, Pierre Desgraupes, Jean Douchet, Jean-Luc Godard, André Parinaud, Georges Sadoul, Roger Stéphane ou Serge Toubiana, entre autres, Robert Bresson parle avec passion, simplicité, détermination et humour de tous les éléments d’un film qui, savamment combinés, font du cinématographe un art à part entière. L’ouvrage est illustré de photos dont beaucoup sont inédites.

Ils ne sont qu’une vingtaine. Une fois par semaine, depuis la Libération, ils se réunissent à huis clos dans une salle de projection de la rue de Lübeck et prononcent des interdictions aux mineurs, ordonnent des coupures, imposent des avertissements, refusent l’exportation des films et, parfois, les interdisent totalement. Ce sont les censeurs du cinéma. Leurs décisions ont progressivement fait apparaître dix-huit motifs de censure et tous les cinéastes ont dû se conformer à cette loi non écrite ou bien opter pour la transgression et en assumer les conséquences. C’est la raison pour laquelle ces censeurs ont été les coproducteurs de tous les films réalisés en France entre 1945 et 1975, censurés ou pas. Ensemble, censeurs et cinéastes ont façonné les représentations dont se sont imprégnés les spectateurs, notamment les plus jeunes dont la fréquentation cinématographique n’a cessé de croître. De la censure, on ne connaît généralement que quelques affaires et nombre d’anecdotes rapportées par les gens de cinéma qui, invariablement, se sont donné le beau rôle des chevaliers blancs de la liberté d’expression. Or, étudier l’activité de la Commission de contrôle des films à partir de ses propres archives permet d’entrer dans la boîte noire de la censure et d’éclairer d’une lumière crue les motivations, complexes et ambiguës, des producteurs et des auteurs.

Cet ouvrage analyse les diverses mutations qui ont traversé Cinéma Novo, extrêmement sensible aux transformations touchant le Brésil, entre l’euphorie de l’inauguration de Brasília et les années de plomb de la dictature militaire en passant par le coup d’État de 1964. Cinéma politique ayant évité les schémas classiques et manipulateurs d’un cinéma de propagande, il a été porté par une production suivie dans le Brésil des années soixante. Les grands succès critiques internationaux que furent Les Fusils (Ruy Guerra, 1964) ou Terre en transe (Glauber Rocha, 1967) ont marqué leur époque. Créée par des cinéastes en quête d’un cinéma révolutionnaire, l’esthétique du Cinema Novo, bien que partiellement inspirée des innovations du néoréalisme et de la Nouvelle Vague, est largement inédite. Le matériel, jusqu’ici inexploité, qu’analyse l’auteur fait toute la richesse de cet ouvrage. En plus de s’entretenir avec les cinéastes eux-mêmes, les nombreux séjours au Brésil de Bertrand Ficamos lui ont permis d’accéder à une grande masse de documents : correspondances privées, scénarios originaux, projets avortés, communiqués de presse destinés au marché brésilien, dossiers de la police politique et de la censure cinématographique. La découverte, en France, des archives absolument inédites de Claude Antoine, producteur délégué du Cinema Novo à l’extérieur des frontières du Brésil, apporte un nouvel éclairage sur les relations du Cinema Novo avec le cinéma européen.

L’histoire du cinéma en Alsace est tout à fait originale. Pittoresque et quelque peu exotique pour les Parisiens comme pour les Berlinois, l’Alsace a suscité bon nombre de stéréotypes. Disputée par ses puissants voisins, la province frontière est aussi l’enjeu d’une guerre iconographique où le cinéma joue un rôle considérable dès la Première Guerre mondiale. Toutes ces images soumises à des fins commerciales ou nationalistes sont à l’opposé du cinéma revendiqué par les Alsaciens qui, par le pacifisme ou le régionalisme, essaieront d’échapper à ces manipulations de l’imaginaire. Mais cette histoire n’est pas seulement celle des images, c’est aussi celle d’une industrie, d’un commerce, d’un spectacle, que l’auteur étudie en s’appuyant sur une histoire politique, économique et sociale de l’Alsace et du cinéma.

Le cinéma ne vient pas de la peinture, et cependant ce qu’il élabore comme pensée de l’image et de l’art ne peut être restitué sans elle. Encore le rapport de ces arts va-t-il bien au-delà des seuls effets de présence de la peinture (biographie de peintres, œuvres citées, remplois de motifs et de formes) dans les films. C’est un ensemble de savoirs et de pratiques, de problèmes et de solutions que le cinéma expérimente au contact de la peinture. Comment passe-t-on de la peinture au cinéma ? De l’impressionnisme aux frères Lumière ? Du xixe siècle au xxe ? Pour certains, le cinéma vient libérer la peinture (É. Faure), pour d’autres, il s’apprête à réussir là où l’opéra a échoué, en incarnant l’idéal d’un art total (S. M. Eisenstein), pour d’autres encore il accomplit une réforme majeure de l’idée même d’art (W. Benjamin). Ces thèses surgissent alors même que le cinéma naissant et la peinture en crise affirment leur fascination mutuelle ; c’est le début d’une intense expérimentation croisée. Tout se partage. Des problèmes de peinture sont explorés en cinéma (H. Richter, V. Eggeling), des formes cinématographiques passent dans la peinture de F. Léger et de M. Duchamp, des cinéastes interviennent picturalement sur le film (S. Brakhage). Les approches que privilégie ce livre d’esthétique sont autant de contributions à une histoire des images et de l’art. 

« Je m’évite comme la peste, soupirait Cocteau. Si j’ai quitté Paris pour la Côte, c’est qu’il n’y avait pas de place pour nous deux... » La côte méditerranéenne. Le cap des Soupirs. Ce sera donc son théâtre, son écritoire, son chant d’amour et sa montée des marches. Le poète y épousera la mer et vendangera les dernières années de cette tendre amitié qui unit son étrange destin à celui de Jean Marais. Marais, l’enfant terrible... « Je regrette amèrement de n’avoir pas consacré toute mon existence à servir Jean Cocteau au lieu de me préoccuper de ma carrière et d’aspirer à des succès éphémères » confiera-t-il. Cocteau et Marais, Jean et Jeannot, la pureté d’une amitié inédite, résistant aux attaques du temps... « Puisque je ne m’aime pas, persiste Cocteau, il faut bien vivre avec des gens qui m’aiment... » Réalisée à partir de documents d’archives et de souvenirs personnels, enrichie d’une iconographie inédite, cette biographie retrace la relation fascinante de deux êtres d’exception qui ont marqué de manière indélébile l’art, le cinéma, le théâtre et la littérature. À leurs côtés, le lecteur plonge dans une époque foisonnante et rencontre, au fil des pages, de nombreuses personnalités : Chanel, Picasso, Satie, Moretti, Apollinaire, Diaghilev, et tant d’autres...

Salvador Dalí compte parmi les artistes les plus illustres et les plus reconnus du XXe siècle. Dans l’imaginaire populaire, son style personnel flamboyant a fait de lui un véritable homme de spectacle. Cet ouvrage constitue la première étude approfondie du rôle clé joué par le cinéma dans son art, ainsi que de l’implication de Dalí dans divers projets cinématographiques. Dalí Cinema présente à la fois les principales peintures qui reflètent son intérêt pour le septième art et les grands projets cinématographiques auxquels il a collaboré.Le cinéma a permis à Dalí d’appréhender le pouvoir et les différentes utilisations de l’illusion. En 1929 et 1930, il collabore avec Luis Buñuel sur Un Chien andalou et L’Âge d’or, deux films aussi remarquables que controversés. Des années plus tard, Dalí travaille à Hollywood, aux studios Disney, puis avec Alfred Hitchcock. Pour ce dernier, il conçoit une séquence décrivant un rêve destinée au thriller psychologique La Maison du docteur Edwardes (Spellbound), qui demeure l’une des plus innovantes du cinéma. Au fil des ans, Dalí en vient à rejeter ce qu’il considère comme l’élitisme du film moderniste pour se tourner vers un cinéma plus populaire susceptible de faire connaître son œuvre au plus grand nombre.Cet ouvrage révèle la fascination profonde et constante de Dalí pour le cinéma, tout en donnant une nouvelle dimension à l’un des grands maîtres de l’art du XXe siècle.

Les héros de Spielberg sont hantés par une douloureuse expérience familiale. Ils essaient, envers et contre tout, à travers leur trajectoire individuelle, de reconstituer ce paradis perdu qu’était l’univers de leur enfance. Ils sont marqués par l’histoire, la grande, celle des guerres mondiales, et, dans cette expérience, confrontés au mal. Ils sont cependant capables de croire à l’invraisemblable, au merveilleux, sensibles dans le quotidien. Ils sont, enfin, terriblement Américains : par leur mode de vie, par leurs références, par leur foi inébranlable dans le triomphe des valeurs collectives et de sacrifice. Autour d’eux, une nature hostile et sublime sert de décor à des drames mis en scène avec une stupéfiante virtuosité. De A comme Avion ou Abandon à Z comme Zoom ou Zemeckis, c’est l’analyse en profondeur de cette œuvre, à travers ses recoupements, ses échos, ses variations sur un même thème, bref ce qui en fait à la fois l’originalité profonde et la nouveauté, que nous livre ce dictionnaire, sans négliger le moindre détail d’une filmographie qui accumule les succès au box-office.

De Bombay à Tokyo en passant par Hong Kong, Pyongyang ou Jakarta, de Devdas à In the Mood for Love, ce premier Dictionnaire du cinéma asiatique rassemble les pièces essentielles d'un colossal puzzle : cinéastes, grands studios, comédiens et films de toutes les époques et des quatre coins du continent. On croit connaître l'Asie et son cinéma, mais on ne cesse de découvrir de nouveaux pays, de nouveaux auteurs et même de nouveaux genres. L'Extrême-Orient est décidément une fontaine intarissable : depuis Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa ou Satyajit Ray, on a vu apparaître pêle-mêle les visages de Bruce Lee, Takeshi Kitano, Gong Li, Shah Rukh Khan ou Aishwarya Rai... Et il existe encore tant de stars adulées, tant de réalisateurs mythiques dont la gloire n'a pas franchi nos méridiens ! Entre mélodrames coréens, kung-fu hongkongais, érotiques japonais, ballets révolutionnaires chinois, comédies musicales indiennes ou séries B philippines, l'Asie est un monde bien trop vaste pour se laisser cerner. Les auteurs invitent le lecteur à voyager à travers un fascinant labyrinthe oriental, à se perdre dans les rues de Bangkok ou dans les méandres d'un sari, pour dessiner son propre "cinéma asiatique".

Un dictionnaire sans équivalent pour comprendre les grands succès du cinéma populaire : les films-phares de chaque époque ; les grandes figures : acteurs, réalisateurs, scénaristes, producteurs, médiateurs, musiciens ; les clés de lecture : thèmes, personnages, lieux. Et aussi : l'économie, la technique, l'exploitation. Une somme d'informations jamais réunies auparavant. Ce dictionnaire veut donner à comprendre les succès du cinéma et l'évolution de ses modes, faire revivre l'engouement pour ses stars, découvrir ses artisans méconnus. Ce faisant, il éclaire l'Histoire de la France et des Français au XXe siècle. Cette deuxième édition entièrement mise à jour comporte une cinquantaine de nouvelles entrées : acteurs (tels que Marion Cotillard, Jean Dujardin, Guillaume Canet, Cécile de France) et films (Mesrine, Bienvenue chez les Ch'tis). Le box-office des entrées en salles et des diffusions télévisées est également actualisé. Date de première édition : 2004.

Les études cinématographiques ont connu, au début des années 1980, un tournant majeur. Après les périodes « sémiologique », puis « narratologique », une majorité d'auteurs ont emprunté, plus ou moins explicitement, les voies de l'approche « esthétique ».De quoi s'agit-il ? De manière classique, du centrage d'un certain nombre d'études sur le style des œuvres et la manière dont tel ou tel cinéaste contribue à l'épanouissement de l'art cinématographique. Dans une optique philosophique, de l'analyse de l'apport du cinéma à l'évolution des conceptions artistiques et des valeurs du goût. Dans une perspective anthropologique, de l'interrogation sur la place du cinéma dans la culture et l'industrie culturelle. Face à cette pluralité des interprétations de l'esthétique et de ses visées, et devant l'abondance des travaux, un bilan s'imposait. Le présent ouvrage le dresse en s'efforçant de clarifier la donne et met en évidence les acquis comme les perspectives les plus prometteuses de la discipline. Date de première édition : 2003.

Cent vingt ans après la première projection publique payante des frères Lumière au Grand Café à Paris, les salles de cinéma sont passées de l’itinérance foraine aux multiplexes, de la pellicule aux pixels, et leurs exploitants de l’activité décriée de saltimbanque au statut patenté de commerçant, maillon indispensable de l’industrie cinématographique. Pourtant, leur métier, essentiel à l’existence des films, demeure largement méconnu. Pour la première fois, des personnalités marquantes de la profession – visionnaires, grands dirigeants nationaux ou régionaux, représentants de la petite et moyenne exploitation, défenseurs de l’art et essai, pionniers en tous genres – racontent leur expérience, dans sa singularité émotionnelle et intellectuelle. Le croisement de leurs témoignages embrasse plus d’un demi-siècle d’exploitation française, du tournant des années 1950, acmé de la fréquentation et moment de basculement de l’offre cinématographique, jusqu’au passage au numérique, vecteur d’une mutation sans précédent. Adaptations internes, évolutions sociétales, mutations technologiques, autant de changements économiques et d’enjeux culturels que les acteurs de ce secteur décisif ont affrontés, à travers des combats individuels et collectifs que cet ouvrage a l’ambition de mettre en lumière et d’expliciter. Ce recueil de 18 témoignages inédits, illustré de documents originaux, constitue aussi l’histoire d’hommes et de femmes radicalement attachés à la spécificité des salles de cinéma comme espaces dédiés au partage de rêves et d’imaginaire au sein d’une communauté humaine.

Que vous soyez amateurs de cinéma d'auteurs, de séries B ou Z, de grandes romances ou d'épopées, ce film vous renvoie à votre jeunesse, aux salles sombres que vous fréquentiez entre pairs, à ces icônes du grand écran dont vous rêviez en vous endormant... De La fureur de vivre à Titanic, les films cultes se sont succédé au cours des générations, comme autant d'emblèmes des époques qui se suivent, qui passent, mais dont on garde toujours un souvenir teinté de nostalgie. Car le film culte renvoie d'abord à une expérience, celle de l'éblouissement, et de la conviction intime de participer à un événement significatif. Depuis l'émergence de la culture juvénile dans les années 50, le cinéma est resté l'une des pratiques culturelles les plus importantes chez les jeunes générations. Encore aujourd'hui, plus que leurs aînés, les jeunes visionnent des films et consomment du cinéma, souvent cinéphages, parfois cinéphiles. Parmi le déferlement des productions cinématographiques " made in Hollywood ", certains films tirent toutefois leur épingle du jeu, se démarquent des autres parce qu'ils sont encensés par de nombreux amateurs, parce qu'ils sortent de l'écran pour envahir les rayons des grandes surfaces sous la forme de figurines et de jeux vidéo, parce qu'ils sont débattus sur les forums et louangés par les bloggeurs... Mais dans ce paysage où se côtoient aujourd'hui les Scarface, Star Wars, Matrix et Fight Club, comment pouvons-nous comprendre le triomphe de certains longs métrages auprès des jeunes ? Anthropologues, psychologues, sociologues, psychanalystes et analystes du cinéma discutent ici de la complexité de cette passion des jeunes pour le cinéma, qui devient alors le miroir révélateur de ce qui se trame à cette période de la vie, à cette époque qui fut la nôtre et qui désormais leur appartient...

Ce livre n’est pas tout à fait un livre « sur » Jean-Luc Godard. Écrit entre Rolle, où vit et travaille le cinéaste, et Paris, où le journal Libération traverse la plus grave crise de son histoire, Godard vif est à la fois une évocation, une enquête critique développée, un reportage subjectif et un journal de bord courant sur quelques mois à peine, même s’il est nourri des fruits sauvages ramassés au cours d’un chemin, long de plus de vingt-cinq ans, où JLG et moi nous sommes parfois retrouvés.Ce livre a voulu enregistrer un moment qui m’a semblé extraordinaire dans le cours de ce chemin, et marquer de sa petite pierre une fracassante année 2014, où tout s’est conjugué pour lui donner une bifurcation...

Qu’est-ce que la « télévision » à l’ère des écrans plats, des tablettes, des programmes à la demande, des informations en continu mais aussi de l’événement « monstre » aux audiences planétaires ? Un retour vers le passé permet de mieux répondre à ces interrogations du présent. Instrument du pouvoir et objet domestique, entreprise de spectacle et organe d’information, la télévision s’est imposée comme un média central de ces soixante dernières années. Comment la télévision a-t-elle été inventée et a ensuite émergé de l’ombre de la radiodiffusion ? Comment, en France, se sont forgés, sous monopole public, les liens avec le pouvoir politique, mais aussi la légitimité naissante d’un art du spectacle à part entière ? Dans quelles conditions l’organisation de la concurrence et l’installation – dans des circonstances tumultueuses – d’un secteur privé ont-elles transformé le paysage audiovisuel ? Comment ont évolué dans le marché les entreprises publiques et privées de télévision et l’offre de programmes ? Quelle est la nouvelle place de la télévision depuis l’apparition de la révolution numérique ? Cette histoire de la télévision propose des repères clairs pour comprendre les étapes majeures des relations entre télévision et pouvoir politique, la généalogie des techniques, l’évolution des programmes et des rapports avec le public, la transformation des modèles économiques.

Enfin un panorama de l'histoire du cinéma français accessible à tous. Cent vingt ans après les débuts du cinéma, la cinéphilie devient éclatée, les modes d'accès aux films numérisés se multiplient, la nouveauté se consume de plus en plus vite... Plus que jamais il est nécessaire de revenir au « grand récit » du cinéma français des origines à nos jours : cette histoire-source alimente le présent, transmet un héritage, offre un réservoir de références partagées. Chaque année, le cinéma français produit une vingtaine d'œuvres de grande valeur, soit plus de 2 000 films depuis les origines. C'est d'abord l'histoire de ces œuvres que l'on trouvera ici, et plus largement les grands courants artistiques, le contexte politique, économique et sociologique d'un cinéma français en perpétuelle réinvention. Rejetant toute théorie du déclin, l'auteur met en valeur les richesses connues ou moins connues de chaque époque, et prend parti au sein de la production la plus récente pour les jeunes cinéastes qui pourraient s'affirmer comme les prochains « grands ».

Le « X » français est une industrie considérable et un fait de société, une production torrentielle charriant le pire et le meilleur… Ce genre, né avec le cinématographe, s’est d’abord appelé « clandestin », « marginal », ou « de bordel » pendant près de cinquante ans… Il connaît dans les années 1970 un « âge d’or » éclatant avant qu’il soit économiquement étranglé par la loi. Désormais absent des salles de cinéma, il prospère par la vidéo, retrouve le contact public sur des chaînes thématiques, se recycle enfin sur Internet. Spécialiste du genre, l’auteur esquisse ici l’envers du décor à partir d’entretiens le plus souvent inédits avec des grands témoins emblématiques : des actrices et des acteurs (Marilyn Jess, Brigitte Lahaie, Éva, HPG), des réalisateurs (José Bénazéraf, Michel Barny, Ovidie), des producteurs (Francis Mischkind, Marc Dorcel), le chef opérateur François About, le programmateur « X » de Canal+ Henri Gigoux, le chercheur Frédéric Tachou et quelques invités surprises tenant à l’anonymat ou aujourd’hui disparus. Car l’univers du X est constitué de secrets de fabrication et d’étonnants procédés d’exploitation, flirtant avec l’illicite, de mystères, de légendes et parfois de révélations : même reconnu, il a conservé quelques habitudes héritées de son sulfureux passé clandestin. Pseudonymes, tournages occultes, défis du bizarre et de la transgression, personnalités insolites, démêlés parfois burlesques avec la censure, dessous financiers, scandales, « affaires », condamnations : le genre charrie beaucoup de faits troublants et quelques mythes qu’il convenait d’éclairer après enquête scrupuleuse.

Hollywood a emprunté à la France des réalisateurs, des acteurs, des décorateurs, les créateurs et les techniciens les plus divers (et souvent les plus originaux). Fascinée par le "mythe français", Hollywood a non seulement eu recours aux décors français, aux sources françaises, aux formes françaises, mais elle a plus d'une fois refait, à sa façon, des films français. En contrepartie, la France, notamment pendant la Seconde Guerre mondiale, a trouvé à Hollywood une terre d'accueil, parfois aride, que les créateurs français ont presque toujours su rendre fertile. Dans Les Connexions françaises, des chercheurs français et étrangers proposent des pistes d'investigation et des éléments d'information qui contribuent à une synthèse de cette vaste question. Le but de cet ouvrage n'est pas de clore un débat qui a commencé avec le cinéma lui-même, mais de montrer son évolution et son caractère toujours actuel.

Issu d’une vieille famille vauclusienne d’origine toscane, Jacques de Baroncelli (1881-1951) fait d’abord carrière dans le journalisme avant d’aborder le cinéma en 1915. Il fonde alors sa propre société de production, Lumina Films, et tourne sa première bande, La Maison de l’espion. Beaucoup d’autres suivront, dont le Roi de la mer (1917), salué par Delluc et Colette. Après un passage au célèbre Film d’Art (1918-1922), un voyage d’étude aux États-Unis (1919) et un séjour créatif en Belgique (1922), Jacques de Baroncelli est en pleine possession de ses moyens artistiques. C’est alors qu’il va signer ses chefs-d’œuvre : Nêne, d’après Pérochon (1923) et Pêcheur d’Islande, d’après Pierre Loti (1924) qui l’ancrent dans le courant naturaliste français des années 1920. Amoureux des belles lettres, il restera durant toute sa carrière fidèle aux adaptations littéraires (de Balzac à Pierre Louÿs) et aux drames de la mer (Veille d’armes, Nitchevo, Feu !), mais fera preuve d’un grand éclectisme, passant du mélodrame au drame bourgeois, de l’œuvre patriotique à la comédie musicale, du film colonial à la comédie policière. Avec L’Arlésienne (1930), Baroncelli fait une entrée difficile dans l’ère du cinéma parlant. Mais c’est durant l’Occupation qu’il obtiendra son plus grand succès populaire avec une adaptation de la Duchesse de Langeais (1942), confiée à Jean Giraudoux. Ses dernières années seront marquées par deux classiques de la littérature populaire : Les Mystères de Paris (1943) d’après Eugène Sue, et Rocambole (1947) d’après Ponson du Terrail, son dernier film. Le projet de cet ouvrage collectif est de tenter d’aborder autrement l’œuvre de ce réalisateur. L’aborder autrement, c’est prendre en compte non seulement ses films, mais aussi l’ensemble de ses activités ; non seulement réalisateur, mais aussi critique, scénariste, adaptateur, producteur… Cela implique également de renouveler l’approche de l’œuvre par la diversification des sources consultées. Enfin, cela conduit à envisager les films non plus comme l’expression singulière de l’univers personnel d’un sujet individuel, mais comme des ensembles traversés par des discours et des représentations. Illustrées par des documents rares ou inédits, les vingt communications ici rassemblées rendent compte de ces trois types d’approche et renouvellent notre connaissance d’un cinéaste trop longtemps délaissé par les historiens du cinéma, récemment redécouvert grâce à la restauration de quelques-uns de ses films et à la publication de ses Écrits sur le cinéma (Institut Jean Vigo, 1996).

À partir des engagements et de la filmographie du cinéaste Jean Benoit-Lévy (1888-1959), l’ouvrage retrace les modalités d’une politique publique en faveur du cinéma éducateur, dans l’entre-deux-guerres en France. Au lendemain de la Grande Guerre, des politiques et des intellectuels, puisant leur modèle théorique chez les Encyclopédistes ou les Vulgarisateurs, affirment les vertus didactiques des images et militent sous couvert de la Société des Nations pour que soit généralisé l’emploi du cinéma dans l’enseignement, mais aussi dans l’éducation populaire à destination des adultes. Le cinéma, spectacle de masse, leur paraît le médium le plus approprié pour informer les populations des réformes instituées en leur faveur. Des commissions sont mises en place au sein des ministères : Instruction publique, Santé et Agriculture pour veiller à la réalisation de sujets aux contenus spécifiques et faciliter leur diffusion à travers le territoire national. Leur mise en œuvre est principalement confiée à Jean Benoit-Lévy qui réalise près de 300 films, courts mais aussi longs métrages, documentaires ou fictions, à des fins d’éducation. L’étude de cet ensemble témoigne en images animées des mutations qui, à travers ses classes populaires, ébranlent la société française de l’entre-deux-guerres : évolution de la place des femmes, « rationalisation » de l’agriculture ou abandon progressif de la petite industrie. Une œuvre singulière, réalisée à des fins de propagande, qui constitue un des premiers temps du cinéma documentaire en France. Replacée dans son contexte institutionnel, elle retrouve la place qui était la sienne dans cette période encore peu étudiée du cinéma français.

Artiste de music-hall, résistant, flic, voyou, grand bourgeois, Jean Gabin a joué tous les rôles. Pourtant, l’homme aux 85 millions de spectateurs et aux plus de 90 films reste un mystère. Cette grande biographie de celui dont Jean Renoir disait qu’il était « un acteur unique » lève le voile sur la vedette aux multiples chefs-d’œuvre, de Pépé le Moko au Clan des Siciliens, en passant par La Grande Illusion, Le Quai des brumes, ou encore Un singe en hiver. L’homme discret dont la puissante silhouette, les pesants silences et les grands yeux bleus ont marqué le cinéma français, a enflammé le cœur des femmes, Michèle Morgan, Marlène Dietrich et d’autres. Mais, délaissant ses folles amours, Gabin finira par mener une vie de famille exemplaire avec Dominique et leurs enfants. Après des années de recherches et d’entrevues, l’auteur retrace ici l’épopée incroyable d’un gamin de Clignancourt devenu grand, et livre un vibrant hommage à ce comédien qui a incarné mieux que quiconque un cinéma populaire et sincère. Un sacré gars, le Gabin.

Star essentielle du cinéma français depuis un demi-siècle, célébrée dans le monde entier, Jeanne Moreau a toujours vécu et choisi ses rôles sans concessions. Voici la réédition de sa première biographie « à l’anglo-saxonne », puisée aux meilleures sources, résultat d’une enquête de plusieurs années, de très nombreux entretiens avec Jeanne Moreau elle-même et avec ses proches. Pour la première fois, elle se révèle dans toutes les contradictions de ses nombreuses facettes : la femme volatile, énergique, fragile, passionnée ; l’amie desartistes et écrivains, tels Gide, Picasso, Henry Miller, Anaïs Nin, Genet, Cocteau; l’actrice à la fois « cérébrale » et sensuelle de Malle, Truffaut, Renoir, Welles, mais aussi l’alliée des jeunes réalisateurs, celle qui n’hésite pas à soutenir des projets difficiles et à se mettre en danger ; à la ville, l’égérie du couturier Pierre Cardin et l’épouse du réalisateur de L’Exorciste, William Friedkin, ou l’amante émancipée de quelques autres. Voici enfin le portrait cinéphile, à la fois intime et pudique, d’une très grande dame du cinéma qui ne cache rien de ses bonheurs comme de ses blessures. Date de première édition : 2003.

Au-delà de quelques titres célèbres comme Un bonheur juif ou Les Chercheurs d’or, les films russes et soviétiques traitant de la thématique juive restent très peu connus. Et pourtant, évoquée de manière frontale ou allusive à travers la situation des Juifs en URSS ou à l’étranger (dans l’Allemagne du IIIe Reich notamment), sous forme de documentaires ou de fictions, cette thématique concerne plusieurs centaines de longs et courts métrages, réalisés dans les studios de Russie, d’Ukraine et de Biélorussie. Cette production témoigne à la fois du rôle important joué par les Juifs dans le cinéma de Russie et d’Union soviétique, mais également des ambiguïtés de la politique soviétique à leur égard, hésitant entre volonté d’intégration et d’assimilation, promotion des cultures nationales, et politique de discrimination. Expliquer les raisons et enjeux politiques de la présence de la thématique juive dans la production russe et soviétique, relier les grands cycles de l’histoire juive de la Russie tsariste puis de l’URSS à ses représentations cinématographiques, et éclairer les différents discours concernant l’identité juive et leur traduction dans les films, tels sont les principaux objectifs de cet ouvrage fondé sur l’exploitation d’archives et de documents inédits. À travers les approches croisées d’historiens du cinéma, de spécialistes de la judéité et de chercheurs en esthétique, il vient combler un vide historiographique, propose une passionnante exploration de ce champ méconnu du 7e art et de l’histoire juive, et s’accompagne d’une riche sélection iconographique ainsi que de filmographies inédites. Date de première édition : 2009.

Jusque dans les années 1950, l’homosexuel est peu représenté en France. Seule la fin de la décennie suivante et l’émergence des mouvements de libération gays permettent aux personnages homosexuels d’apparaître au cinéma, souvent représentés sous les traits d’une caricature féminine. C’est la Cage aux folles qui mettra en scène le premier couple gay en 1976.A partir des années 1980, l’assouplissement des mœurs permet à des réalisateurs gays de porter à l’écran leurs propres réflexions sur leur place dans la société en développant parallèlement une esthétique singulière. L’Homme blessé (P. Chéreau, 1980), largement inspiré de l’univers de Jean Gente, annonce un « cinéma d’auteur » qui va mettre en scène une « homosexualité noire » - de J’embrasse pas (A. Techiné, 1991) à Wild Side (S. Lifshitz, 2004). Le « cinéma populaire », quant à lui, ne cesse de réutiliser le stéréotype de la « folle » à l’instar de Pédale douce (G.Aghion, 1996), ou de Chouchou (M. Allouache, 2002). Des films comme Le Placard (Veber, 2001), malgré les stéréotypes qu’il véhicule, laissent entendre que l’homosexualité serait largement tolérée dans la société française contemporaine. Pourtant, certaines violences verbales au moment du vote du Pacs en novembre 1999, semblent démontrer le contraire. Enfin, depuis quelques années, OlivierDucastel et Jacques Martineau mettent en scène une homosexualité « tranquille » qui, de Drôle de Félix (1999) au récent Crustacés et coquillages, surprend les critiques français voire les déstabilise. C’est cette diversité et cette évolution que cet essai tente de comprendre. Son ambition est d’analyser l’esthétique des représentations cinématographiques des homosexuel(le)s dans les films français et de décrypter l’imaginaire collectif de la société française. Mais cette approche ne se limite pas au thème de l’homosexualité et prend en comte les rapports sociaux et la (dé) construction de l’identité masculine.

La sexualité à l’écran est devenue omniprésente, mais a-t-elle cessé d’être un tabou ? Le cinéma pornographique, depuis la loi de 1975, reste ghettoïsé malgré les tentatives, parfois réussies, de certains cinéastes à intégrer des scènes explicites dans des films interdits aux moins de 16 ans. À l’inverse, de nombreux longs-métrages de fiction représentent l’amour physique de manière elliptique à l’instar des films des années 1950 soumis à la censure. Le cinéma peine à représenter les préliminaires mais aussi la jouissance, surtout féminine, qui apparaît souvent de manière caricaturale. Ainsi les représentations cinématographiques de la sexualité sont encore trop souvent archaïques. Cette étude embrasse tout le cinéma français de l’après-guerre jusqu’à nos jours. Elle porte une attention particulière aux films qui ont fait scandale, et dont elle analyse la réception critique, ainsi qu’à quelques stars, symptômes de l’érotisation des sociétés occidentales modernes.

La critique de cinéma en France est-elle une espèce en voie de disparition ? Certains s'en réjouiraient qui rêvent d'une société du spectacle où le lancement des films serait assuré exclusivement par les émissions promotionnelles à la télévision, les reportages de tournages, les entretiens et les articles de complaisance. D'autres le regretteraient, sachant que la critique, si elle n'a pas, le plus souvent, une influence immédiate, joue un rôle de découvreur, impose peu à peu des noms qui, s'ils viennent des marges de l'industrie, de pays lointains ou de cinématographies économiquement modestes, n'en ont pas moins contribué de manière décisive à l'histoire du septième art. Ce livre vient donc à son heure. Pour la première fois il retrace l'évolution de la critique de cinéma en France depuis ses débuts à l'orée des années 1920 jusqu'au temps présent. Il offre aussi des textes majeurs de réflexion sur la critique ainsi que quarante-cinq exercices pratiques où, de Delluc à Truffaut, d'Audiberti à Bory, de Bazin à Sadoul, de Benayoun à Daney, on voit combien la passion, l'intuition et l'intelligence peuvent éclairer à chaud des œuvres aussi diverses que Pierrot le fou, Le Roman d'un tricheur, Amarcord, L'Année dernière à Marienbad, Fenêtre sur cour, Les Fraises sauvages, Allemagne année zéro ou Les Ailes du désir. Enfin un dictionnaire recense plus de trois cents critiques avec des notices bio-bibliographiques aussi complètes que possible. Fruit d'un travail collectif, cet ouvrage, sans équivalent dans le monde, est une contribution majeure à l'histoire des idées et des sensibilités.

Pathé Frères, bien qu’exerçant une position oligopolistique sur la production mondiale de films avant 1914 est, aujourd’hui encore, une firme fort mal connue. Ce volume présente l’état des recherches sur le sujet, à travers trente-quatre études menées par des chercheurs de douze nationalités différentes qui analysent la distribution des films Pathé dans autant de pays. Elles ont été regroupées selon l’approche économique et commerciale, institutionnelle, langagière ou esthétique.

La francophonie est, partout dans le monde, caractérisée par le contact du français avec d’autres langues. Cet ouvrage présente un aspect particulier de cette rencontre des langues, à savoir la mixité langagière du cinéma francophone. À partir de l’analyse d’un corpus de plus de cent films, nous nous proposons de montrer comment cet hétérolinguisme cinématographique est propre à véhiculer un contenu historique et culturel riche en significations. Une attention particulière est portée à la confrontation entre le francais et l’anglais au Québec, à la fonction de la langue de l’ancien colonisateur face aux langues africaines en Afrique subsharienne après les indépendances, et au rapport entre le français et l’arabe dans des films de fiction sur la guerre d’Algérie.

Début du parlant, explosion du réalisme poétique : les années trente sont sans doute l'époque la plus brillante du cinéma français. Auteurs prestigieux (Clair, Duvivier, Renoir, Carné...) et  acteurs mythiques (Gabin, Raimu, Michèle Morgan...) ont ancré leurs films dans la culture nationale. Ces œuvres ne sont pas seulement des fictions : elles permettent d'esquisser une autre histoire, cinématographique, de la France et des Français pendant cette période contradictoire qui voit la montée des fascismes, le Front Populaire et l'Occupation. Cet ouvrage devenu un classique longtemps introuvable est réédité dans une version corrigée par l'auteur. Date de première édition : 1979.

1928 : le cinéma muet est à son apogée. Le public se déchire au sujet du Napoléon d’Abel Gance, et s’enthousiasme pour Un chapeau de paille d’Italie de René Clair. Le muet vit pourtant ses dernières heures. L’année suivante, la déferlante du parlant le reléguera dans les limbes. C’est ce « moment 1928 » qu’étudie, à travers le cinéma, Dimitri Vezyroglou, dans un essai pionnier à la croisée de l’histoire culturelle et de l’histoire des mentalités. Car les thèmes abordés par le septième art, en cette année charnière, tendent à la société française son propre miroir : vision idéalisée et passéiste des communautés villageoises, optimisme scientiste, condamnation des mœurs « déviantes » et dénonciation du « vice », figure récurrente de l’escroc et de l’aventurier sans scrupule, hantise de la maladie, stéréotype de l’Américain riche et de l’Allemand retors, rêve d’héroïsme guerrier… Tandis que s’achèvent les années folles, le cinéma se fait l’expression des attentes, des désirs et des peurs d’un pays déchiré entre la peur du changement et la foi dans le progrès. Un regard nouveau et une étude ambitieuse sur la « fin de l’après-guerre » à travers le cinéma.

Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Alberto Sordi, Luchino Visconti, Anna Magnani, Vittorio De Sica, Federico Fellini... Des noms illustres qui incarnent aujourd’hui encore la diversité et la vitalité du cinéma italien d’après-guerre. Jusqu’au milieu des années 1970, Cinecittà aura réuni une floraison exceptionnelle de talents en tous genres : acteurs, réalisateurs mais aussi scénaristes, compositeurs ou encore producteurs. Leurs films auront surtout donné lieu à une identification saisissante entre ce cinéma et la société dans laquelle il se sera développé. Les drames comme les comédies « à l’italienne » racontent la reconstruction exaltante du pays au sortir de la longue période fasciste, le miracle économique des années 1960, le malaise existentiel d’une société traditionnelle face au choc de la modernité, les problèmes sociaux... Mais par-dessus tout une irrépressible joie de vivre, cette gioia di vivere et une extraversion qui, au-delà des clichés et des caricatures, restent la marque de fabrique de cette Italie. Aujourd’hui, ce cinéma flamboyant que nous avons tant aimé n’existe plus, mais il nous a laissé en héritage une certaine idée de la nostalgie. C’est l’histoire de ses talents qui est contée ici à la manière d’un roman foisonnant, pour le public qui fut le sien : non pas celui des spécialistes, mais celui des passionnés.

Voilà longtemps déjà que je pratique mon métier, que je le ressens, le surveille comme on surveille une habitude ; il me pénètre, et j’ai pris cette manie d’en chercher les effets en moi et dans les autres, d’en surveiller les manifestations. Tout le théâtre, cet état dramatique en moi, cette habitude de penser et de sentir pour les autres, par les autres et à travers moi-même, cette attitude vis-à-vis d’un tiers offert, de ce tiers qu’est le public, et vis-à-vis de moi, ces reflets que j’en fais et dont je suis fait, ce comportement entre le soi que je suis et le moi que je me suis donné, à travers tant de personnages, tout cela est là, sensible, visible en moi, tout le long de ma journée, et je cherche à le penser, à le lier, à le raisonner, et à m’en expliquer l’agencement, les raisons. Je veux préciser mes sensations, je note dans mes lectures des reflets de mes états (Proust), j’écris des notes, et la vanité de m’exprimer moi-même me rattrape, me rejoint, me retrouve dans ce moment de ma carrière où j’ai découvert cependant (depuis longtemps déjà) que l’acteur n’est qu’une table d’harmonie. Date de première édition : 1954.

Les textes réunis dans cet ouvrage concernent plusieurs histoires : celle des spectacles mixtes associant un élément enregistré et un élément performé en direct ; celle de la musique au cinéma, plus particulièrement sous la forme de la chanson ; celle de la technique des premiers procédés de synchronisme ; celle des modes de présentation et d'explication des images, via un support écrit ou un accompagnement oral. Ces histoires qui s'entremêlent, s'ignorent ou se concurrencent, ne peuvent s'envisager du seul point de vue de la forme sonore telle qu'elle s'est imposée à la fin des années 1920. La démarche inverse se révèle en revanche éclairante : en effet, le cinéma, dès son avènement, s'inscrit dans une longue tradition spectaculaire, à la fois populaire et savante, dont il intègre de multiples formes – pantomime, music-hall, café-concert, théâtre, spectacles de lanternes magiques, conférences de vulgarisation scientifique – à l'intérieur desquelles interagissent images, interventions sonores et écrites. Certaines pratiques sonores avaient déjà été expérimentées dans ces spectacles ; d'autres sont liées aux nouvelles technologies du XXe siècle naissant. L'observatoire privilégié des travaux réunis ici est la salle de spectacle elle-même : lieu de ces croisements d'ordre technique, esthétique, culturel, social, voire politique. En prenant place dans la salle, en adoptant le point du vue du spectateur, la dimension sonore du spectacle cinématographique de l'époque dite du « muet » apparaît dans toute sa diversité : machines et spectacle vivant, bruits, chansons, commentaires, réactions du public qui précédaient, accompagnaient ou s'intercalaient entre les images à l'écran. Ce livre replace le cinéma dans l'univers des spectacles et propose une (re)découverte de ces formes, pour la plupart oubliées, parfois restées sans postérité directe, mais dont on peut voir la résurgence de nos jours dans certaines pratiques artistiques expérimentales.

Rares sont les études autour du personnage de fiction, sujet pourtant passionnant par sa complexité et, surtout, sa genèse. Car, en effet, des Temps modernes à Avatar, en passant par Thelma et Louise, le personnage fictionnel dans toute sa diversité tire son -origine des ¬principales figures mythologiques. À travers l’exploration de sources tant historiques, théâtrales ou romanesques que cinématographiques, cet ouvrage nous explique comment la mythologie a fondé les grands archétypes de la dramaturgie. Personnages vertueux, victimes, traîtres, lâches ou même mystificateurs, tous répondent à un schéma ancré dans la légende égyptienne. Ainsi, la déesse Isis se reflète dans les épouses et mères modèles, tandis qu’Osiris, le dieu sacrifié, est le père de tous les martyrs. Et c’est bien en Seth que se retrouvent les misanthropes solitaires et les couples infernaux, pour qui transgression, imposture et mythomanie font loi. De ces dieux égyptiens – mais aussi de Thot, d’Anubis ou d’Horus – sont nées les figures universelles de la fiction d’hier et d’aujourd’hui, de Don Quichotte à Barry Lindon, des Précieuses ridicules aux Desperate Housewives. En s’attaquant brillamment au sujet encore peu traité du personnage fictionnel, Jean-Claude Morin et Marie-France Briselance referment ici leur magnifique trilogie consacrée à la fiction (Leçons de scénarios – Les 36 situations dramatiques et Grammaire du cinéma, parus chez Nouveau Monde éditions).

La relation particulière qui existe, en France, entre le cinéma et le monde littéraire débute très tôt dans le XXe siècle, dès les premiers balbutiements de la fiction dramatique et de l'exploitation moderne en salles. Le premier acte se joue au tribunal : soutenus par leurs confrères, plusieurs auteurs plagiés intentent un procès à des acteurs de l'industrie cinématographique, pour obtenir que celle-ci se trouve soumise aux principes de la propriété artistique. Parallèlement, des initiatives voient le jour, qui se proposent d'associer les écrivains à un renouveau de la production. À la suite de la fameuse société du Film d'Art, lancée à grands renforts de publicité mais victime des contradictions de sa politique de prestige, plusieurs sociétés font rapidement de l'adaptation et du scénario d'écrivain une institution à part entière du cinéma français. Cependant, la corporation des lettres s'enrichit d'une figure nouvelle : celle du scénariste. Le Cinéma français et les écrivains, histoire d'une rencontre s'appuie sur de nombreuses sources inexploitées : publications juridiques, archives d'écrivains, de sociétés de production, archives de la Société des auteurs... Il croise les approches culturelle, économique, sociale et juridique pour retracer des rapports qui furent d'emblée denses et distants à la fois. Par-delà, il tente de cerner la mutation culturelle engendrée par le développement du cinéma, phénomène culturel de masse d'un genre nouveau, dès avant 1914. Moment où s'amorce, comme en miroir de l'essor économique, une réflexion sur la spécificité du nouveau media.

Le cinéma québécois connaît présentement un vif succès, tant auprès du public que de la critique. On en connaît cependant peu sur le contenu des films québécois et sur ce qui se passe derrière l'écran, en amont de l'œuvre filmique. Dans le premier tome, L'imaginaire filmique, Christian Poirier propose une analyse interprétative de l'ensemble de la production filmique québécoise. Quelles images de la société les cinéastes projettent-ils? L'auteur met au jour deux récits identitaires: un récit de l'empêchement et de l'éclatement, et un récit de l'enchantement et de l'accomplissement. Ainsi, les films québécois explorent inlassablement, par un jumelage étroit de l'individuel et du collectif, des territoires identitaires et politiques en mouvement. Dans le deuxième, intitulé Les politiques cinématographiques, l'auteur trace l'historique de l'intervention gouvernementale québécoise et canadienne en matière de cinéma et examine les principales composantes de l'industrie du film au Québec, les acteurs politiques en cause, les groupes d'intérêt mobilisés et les orientations privilégiées. De quelle latitude disposent donc les États québécois et canadien dans un environnement où s'accentue la référence aux industries culturelles, à la libéralisation des marchés et à la compétition avec les produits hollywoodiens? Ces ouvrages s'adressent autant aux cinéphiles qu'aux chercheurs intéressés, de près ou de loin, à la société québécoise, à ses questionnements et à son évolution.

Les études cinématographiques et audiovisuelles concernent un grand nombre de secteurs de l’enseignement et de la recherche. Ce lexique permet un accès facile à la terminologie employée par les spécialistes. Sous plus de 500 entrées sont regroupés les termes les plus courants de la description du film aux notions théoriques de base en esthétique et narratologie, sans oublier les genres et les grands courants cinématographiques. Les articles, illustrés d’exemples, sont accompagnés de corrélats qui permettent de compléter l’information. Date de première édition : 2002.

Dix-neuf chercheurs représentant neuf pays proposent un panorama des voies empruntées aujourd’hui par la recherche européenne en histoire du cinéma. Problématiques et méthodes d’analyse placent le film au centre d’interrelations complexes à la fois liées à sa propre institution et plus largement à l’économie de marché dont il dépend. Il devient un objet d’étude qui tient de l’individuel et du collectif dans lequel interfèrent systèmes de production, mentalités, horizons d’attente, données politiques et économiques. Ces regards croisés définissent les grandes orientations thématiques de cette histoire des cinémas européens des années 1950. Il est question de quête d’identité, de vivacité des cinématographies nationales, du développement d’un cinéma populaire, de relations transeuropéennes et de représentations sociales dans une Europe qui sort meurtrie du conflit mondial. Plus qu’une lutte contre les films américains – qui suscitent finalement avant tout des réactions de type corporatif –, toutes ces productions montrent leur dynamisme à défendre les particularismes de chaque pays.

Figure-clé du cinéma, le producteur est longtemps resté ignoré par les historiens. Cet ouvrage élabore une première cartographie des recherches, au carrefour de l'économique, du politique et du culturel. À l'exemple de la France, mais aussi d'autres pays, on examine une profession aux frontières floues et mouvantes, des origines du cinéma à nos jours. Parce que les stratégies financières et éditoriales sont étroitement imbriquées, ce recueil mêle les approches économique, stratégique et sociologique pour mieux cerner le rôle et l'influence du producteur dans la culture contemporaine. Plusieurs «grands témoins», professionnels reconnus, apportent leur éclairage et leur expérience : Nicolas Seydoux sur Daniel Toscan du Plantier, Alain Goldman, Philippe Martin, Alain Rocca, Thomas Schmitt, et bien d'autres. Une somme de réflexions et de recherches appelée à faire référence.

Dans la France occupée, le genre documentaire compta parmi les instruments de propagande récupérés par le gouvernement de Vichy, les collaborationnistes et l'occupant nazi. Une guerre de propagandes par images interposées s'installe dès juin 1940. Censées refléter la réalité, ces images renvoient aux luttes d'influence entre les protagonistes. Elles relèvent de styles bien spécifiques selon les visées de chacun. À partir de 178 documentaires restaurés par les Archives françaises du film, l'historien Jean-Pierre Bertin-Maghit analyse ces propagandes sous l'Occupation en nous invitant à les considérer comme le résultat d'une politique qui fut loin d'être homogène et figée de 1940 à 1944. Il n'a pas hésité, chaque fois qu'il était nécessaire à la compréhension du discours, à confronter ces documentaires aux autres formes de propagande par l'image, celle des actualités ou des affiches.

L'industrie du cinéma cache une mine de situations dramatiques ou comiques menant tout droit aux tribunaux. On y trouve pêle-mêle des escroqueries retentissantes, des plagiats, de la piraterie… sans parler des liaisons dangereuses avec le grand banditisme, des affaires de mœurs, de censures ou de blasphèmes. Voici pour la première fois un panorama historique et thématique de ces « coulisses » méconnues du cinéma. On y croise Claude Zidi et James Cameron, convaincus de plagiat ; Carole Laure, Maria Schneider et Marie-José Nat protégeant leur vie privée ; Claude Autant-Lara, Yves Boisset ou John Cassavetes défendant leur indépendance. L'auteur dévoile la noirceur des amateurs de lolitas, l'activité des mafiosos américains influents à Hollywood ou producteurs de films pornographiques. Des affaires retentissantes sont détaillées, comme celle de Traci Lords, hardeuse mineure. À toutes les époques du cinéma, plusieurs acteurs furent accusés de viol, comme Fatty Arbuckle et Errol Flynn ou encore Johnny Hallyday. Tous les trois ont été acquittés, mais d'autres furent convaincus de harcèlement. Ce livre ouvre aussi les dossiers dramatiques du snuff movie (mythe ou réalité des films présentant des mises à mort réelles) et de la disparition tragique du producteur Bernard Natan, victime de l'antisémitisme et de la rumeur. Tout un pan trop souvent méconnu du cinéma est ici révélé.

Pendant la guerre d’Algérie, des soldats se sont transformés en cinéastes amateurs : quand la majorité des militaires avaient en poche leur appareil de photo, eux ont choisi la caméra. Jean-Pierre Bertin-Maghit a retrouvé 38 d’entre eux. Il les a placés face à leurs propres images – au total 72 films. Un dispositif vivant de microhistoire qui confronte, au présent de l’entretien, mémoire des hommes et mémoire des images. Que désiraient saisir ces soldats-cinéastes amateurs et qu’ont-ils souhaité garder en souvenir ? Comment leurs histoires font-elles effraction dans l’Histoire ? Comment ces hommes, maintenant dans leur grand âge, restituent-ils aujourd’hui leurs expériences de jeunes gens pris dans une guerre ? Autant de questions auxquelles ce livre tente de répondre afin de contribuer à une histoire des combattants de la guerre d’Algérie.

L’œuvre de Perret est abondante. Près de 400 films ! Elle est d’emblée, compte tenu de l’époque où elle a été réalisée, placée sous un signe auteurial : Perret est non seulement metteur en scène mais aussi auteur de ses scénarios et très souvent acteur. De 1909 à 1916, il s’impose, à côté de Louis Feuillade, comme la principale figure de la maison Gaumont. Il réalise pour la firme à la marguerite un très grand nombre de films, enchaînant courts et longs métrages, comédies et drames, films contemporains et reconstitutions historiques, mélodrames bourgeois et films patriotiques, feuilletons romanesques et fantaisies improvisées, sans oublier quelques documentaires. Son imagination sans limites lui permet d’affronter tous les genres avec un égal bonheur. Le livre rend compte de la carrière de Léonce Perret par des études transversales et des analyses de films singuliers. Il éclaire différents aspects d’une production aussi riche que variée grâce à des textes rédigés par une vingtaine de spécialistes.

Marcel Pagnol a signé quelques-unes des plus belles pages de la littérature française. Écrivain, dramaturge, mémorialiste, essayiste, romancier, cinéaste, sa brillante carrière force l’admiration. Son œuvre nous amuse et nous émeut, mais se dévoile-t-elle à nous dans toutes ses subtilités ? Karin Hann éclaire différemment l’ensemble de cette création artistique, qu’il s’agisse des pièces de théâtre, des livres ou des films. Elle révèle ce que cachent le rire, les relations qui lient les œuvres entre elles et les grands thèmes chers à l’écrivain. Comment Pagnol voyait-il l’amour ? Quelle était sa vision des femmes ? Sa Provence existe-t-elle vraiment ? Quelle image a-t-il de son enfance ? Pourquoi est-il universel ? Le langage de Pagnol se distingue par sa sobriété. Et s’il peut paraître spontané, son style est pourtant très travaillé : sa plume imagée est inimitable. Dans une approche thématique et accessible, étayée de nombreux exemples, l’auteur propose un autre regard sur cette œuvre singulière et inclassable qui défie le temps. Un livre original qui place l’univers de Marcel Pagnol sous une loupe. Une enquête qui se lit comme un roman !

Avril 2010. Le cinéaste américain Michael Cimino – Voyage au bout de l’enfer (1978), La Porte du Paradis (1980), L’Année du dragon (1985), Le Sicilien (1987)… – accepte une rencontre à Los Angeles avec le critique de cinéma Jean-Baptiste Thoret. Lors de cet entretien, le réalisateur lui propose alors un voyage à la recherche de « son Ouest ». Partir sur la route avec Michael Cimino, c’est se lancer dans un road movie de 2500 miles, de Los Angeles aux Rocky Moutains du Colorado, à travers les collines pelées du désert Mojave, Las Vegas, les ocres des buttes du Nevada, les premières neiges du Colorado et les stations-services perdues au creux de l’Americana… Cimino évoque dans ce livre unique ses débuts de cinéaste, sa passion de l’architecture, son amour de Ford, réagit aux lieux traversés, revient sur ses films, mais aussi ses projets avortés, ces nombreux scénarios écrits, puis ce silence que lui impose depuis quinze ans l’industrie hollywoodienne…

Le Président, Z, Mourir d'aimer, Emmanuelle, L'Aile ou la Cuisse, Pour la peau d'un flic, Le Professionnel, Le Bon Plaisir, Les Ripoux, Tchao Pantin, L 627, Une époque formidable, Marius et Jeannette… La plupart des Français connaissent ces succès du box-office. Ces films ont une portée politique, et, s'ils ne sont pas tous des chefs-d'œuvre et expriment rarement une doctrine claire et affirmée, ils véhiculent cependant des représentations dominantes de la société, de ses jeux et enjeux de pouvoir. Le projet de cet ouvrage est de tracer une histoire de l'imaginaire politique des Français, du début des années 1960 au début des années 2000. En quarante ans, on est passé des certitudes aux doutes, d'une société hiérarchisée à une société désorganisée, en quête de nouveaux modèles. Les héros de l'ère gaullienne (Gabin, de Funès) ont été remplacés par de nouvelles stars (Belmondo, Delon) qui à leur tour ont connu le déclin avec l'ascension de nouvelles figures (Coluche, Depardieu). C'est l'histoire de ces mutations dont on tentera ici de poser les jalons.

Étude parallèle de la vie et de la carrière des deux plus grands « monstres sacrés » du cinéma américain actuel. Ce beau livre abondamment illustré comblera les fans des deux acteurs tout en offrant un panorama impressionnant d'intelligence et de clarté du meilleur cinéma hollywoodien, de Scorsese, De Palma et Coppola à Michael Mann. Al Pacino et Robert De Niro sont emblématiques à la fois d'une manière de jouer et d'une manière d'être. Leurs vies privées agitées et leurs carrières prestigieuses offrent de nombreux points communs. Leurs techniques de travail sont pratiquement identiques. La tête inclinée, les regards furtivement jetés sur le côté, ils portent une grande attention à l'écoute, ont la démarche animale, un même penchant pour les compositions spectaculaires et les coups de gueule. Mafieux ou policiers, ils sont victimes de l'aliénation urbaine, de la violence, de la corruption. Leurs personnages oscillent entre solitude et survie, amitiés viriles et quêtes impossibles. Ces deux acteurs de génie, héritiers directs de Clift, Brando et Dean sont devenus à leur tour le reflet de notre temps. Date de première édition : 2000.

Un film n’est rien tant qu’il n’a pas rencontré son public. Dans les salles obscures, se produit cette étrange alchimie qui transforme un ruban de nitrate ou d’acétate de cellulose en un spectacle qui sera peut-être jugé digne de figurer dans l’histoire du cinéma. Au fil de presque un quart de siècle, l’auteur nous invite à arpenter les rues de la capitale, en nous arrêtant dans chacun de ces lieux magiques où, des ombres et des lumières, naît le rêve. Jusqu’en 1907, ces établissements étaient bien peu nombreux et leur installation fort sommaire, les projections cinématographiques étant surtout données dans les cafés-concerts, les music-halls, les baraques foraines, etc. À partir de cette année-là, une véritable explosion de l’industrie cinématographique a conduit Paris à se doter en peu de temps d’un parc de quelque 175 cinémas, du plus petit – à peine 80 places – jusqu’au plus vaste, le Gaumont-Palace, qui pouvait recevoir 5 500 spectateurs. Jean-Jacques Meusy ne s’est pas contenté d’établir, pour la période se terminant avec la Grande Guerre, l’inventaire des cinémas parisiens : son approche du spectacle cinématographique est multiforme. Il traite des lieux d’implantation des cinémas dans la géographie parisienne, de leur architecture et de leur décoration. En dépouillant notamment les programmes de ces années pionnières, la presse, les archives de police, il s’interroge sur le rôle de la censure, sur la réception des films qui ont marqué l’époque, sur la nature des publics et la place qu’occupait le cinéma dans la vie quotidienne. Il décrit les tentatives de cinéma sonore et en couleur. Il analyse les recettes des salles représentatives et s’intéresse à l’identité des hommes qui se sont engagés très tôt dans la diffusion de cet art naissant. Nombre d’informations livrées dans cet ouvrage sont inédites et ont été puisées à des sources restées jusqu’à présent inexploitées. Participant de cette démarche originale, des points de repère et des anecdotes révélatrices, concernant l’histoire générale aussi bien que celle des spectacles, sont placés en contrepoint du récit principal. Une importante iconographie contribue à rendre plus présente cette période mal connue de l’histoire du cinéma. Dates de premières éditions : 1995 et 2002 (CNRS Éditions). Prix Catenacci 2003 décerné par l’Académie des sciences morales et politiques.