Études cinématographiques

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Publisher:- Nouveau Monde [52] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/nouveau-monde
- AFRHC [16] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/afrhc
- Armand Colin [12] http://purl.org/dc/terms/isPartOf http://hp.metastore.ingenta.com/content/publisher/armand-colin
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100 films, du roman à l'écran
- Henri Mitterand
- 2011, Nouveau Monde
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Peut-on faire d'un grand roman un grand film ? Depuis ses débuts, le cinéma se nourrit de littérature, mais l'alchimie qui permet de transposer l'oeuvre romanesque sur grand écran semble réservée aux plus grands cinéastes : Kubrick, Visconti, Renoir, Bresson et quelques autres ont su créer des chefs-d’œuvre à partir d'autres chefs-d’œuvre, quand d'autres en livraient de pâles copies. Le cinéma est souvent plus « heureux » quand il s'inspire de la littérature de genre, fertile en intrigues qui intimident moins les cinéastes et peuvent nourrir des univers très divers, comme l'illustre la fortune cinématographique d'un Simenon. Pour la première fois, cet ouvrage étudie in vivo l'art et la technique de l'adaptation à travers 100 cas concrets, qui posent autant d'interrogations différentes. On y découvre qu'il n'existe pas de méthode miracle pour adapter un roman, mais qu'adapter revient toujours à faire des choix, et qu'il existe mille façons de trahir, dont certaines s'avèrent plus fidèles à l'esprit de l'auteur que la pure servilité. Cette plongée passionnante dans l'univers de l'adaptation mêle films français et étrangers de toutes époques, grands romans incontournables ou réputés inadaptables et œuvres oubliées, littérature classique et roman policier, science-fiction ou nouveau roman. En ouverture, Henri Mitterand offre une brillante introduction aux problèmes théoriques et pratiques de l'adaptation à partir de quelques œuvres emblématiques.
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Analyser un film
- Laurent Jullier
- 2012, Flammarion
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Analyser un film, c’est avant tout s’interroger sur l’origine de nos émotions. Comment un simple film peut-il réussir à nous parler, à nous bouleverser, à changer l’image que nous avons de nous-mêmes, à nous persuader qu’il dit des choses vraies sur le monde qui nous entoure ? Pour répondre à ces questions, Laurent Jullier propose trois types de lectures filmiques : 1) l’analyse typologique : quel genre d’histoire racontent les films ? 2) l’analyse formelle : quel arsenal technique et symbolique déploient-ils ? 3) l’analyse conceptuelle : quelles interprétations permettent des disciplines comme la sémiologie, l’esthétique, les Gender et les Cultural Studies, l’anthropologie, la psychanalyse, la narratologie, la poétique historique… ? Sans distinction d’époque, de prestige ou de genre, Laurent Jullier convoque un grand nombre de films du patrimoine mondial et s’adresse à la fois aux étudiants, aux enseignants et à tous les cinéphiles.
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Analyser une adaptation
- Jean Cléder and Laurent Jullier
- 2017, Flammarion
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Que se passe-t-il lorsqu’une œuvre littéraire est adaptée au cinéma ? Pour analyser le passage du texte à l’image, comment aller au-delà d’une simple énumération des changements ? Une adaptation cinématographique est-elle une interprétation d’un texte ou un objet autonome ? De La Princesse de Clèves à Shining, de Tamara Drewe à Madame Bovary, Jean Cléder et Laurent Jullier examinent les notions de personnage, de narration ou de fidélité, pour présenter des clefs de réflexion dans cette perspective : mieux comprendre ce qui se joue lorsqu’un livre devient film (et inversement). Analyser une adaptation nous invite à identifier les spécificités de chaque genre et les passerelles qui les relient, en abandonnant la séparation entre les arts qui limite la compréhension de la littérature comme du cinéma, pour les faire véritablement dialoguer.
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Anastasie ou la censure du cinéma au Québec
- Yves Lever
- 2008, Septentrion
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Le public québécois a-t-il eu réellement accès aux œuvres cinématographiques, et, si oui, dans quelles conditions ? Dans quelle mesure ne les a-t-on pas mutilées ? Si ces œuvres n'ont pas été projetées sur les écrans du Québec, quelles en sont les raisons ? Tout cela dépend de qui et de quoi ? Anastasie ou la censure du cinéma au Québec, en plus de répondre à ces questions, relate la mise en place, l'exercice et la disparition des diverses formes de censure du cinéma au Québec. Cette histoire commence avec les autorités religieuses qui considèrent les « vues animées » comme « une école du soir tenue par le diable » et qui tentent de faire interdire les projections le dimanche. L'État québécois légifère bientôt à son sujet : les moins de 16 ans se voient refuser l'accès aux salles, on crée un bureau de censure qui examine tous les films avant leur projection en public. Ce comité a tous les pouvoirs pour les accepter, les refuser en tout ou en partie. Cette censure, plus ou moins sévère selon les divers responsables, dure 60 ans. Mais, tout au long de cette histoire, divers intellectuels et journalistes combattent ces atteintes à la liberté d'expression. Cette lutte fait briller quelques lumières dans la « Grande Noirceur ». La production québécoise n'est pas en reste. Elle connaît aussi ses histoires d'interdictions et de coupures, aussi bien à l'Office national du film que dans l'industrie privée. Anastasie ou la censure du cinéma au Québec est abondamment illustré et truffé d'anecdotes savoureuses qui ne laisseront pas les lecteurs indifférents.
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Annales du cinéma français
- Pierre Lherminier
- 2012, Nouveau Monde
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Cette somme sans précédent reconstitue l’évolution du cinéma français dans toutes ses dimensions. On ne peut bien connaître le cinéma français, et le comprendre, sans connaître l’intégralité de son histoire. C’est pourquoi cet ouvrage remonte aux origines, avant de reconstituer, année après année, la période extraordinairement animée et féconde, quoique méconnue, qui va de l’invention du Cinématographe aux premiers films sonores et parlants. Ce livre d’une conception originale suit pas à pas, presque au jour le jour, l’actualité de la vie professionnelle du cinéma sous ses divers aspects, avec ses aléas, ses crises, ses débats, en mettant l’accent sur la vie et le travail de ceux qui l’ont fait, et les œuvres majeures qui en sont nées. Il en résulte un récit vivant, richement documenté et abondamment illustré, grâce auquel c’est au cœur même de l’histoire du cinéma français en train de se faire, et dans le contexte de son temps, que le lecteur est invité à pénétrer. En marge de ce récit, une chronologie continue, une sélection des films les plus marquants, et parfois un « Plan rapproché » sur un moment, un sujet ou un film particulier, apportent un éclairage complémentaire. De précieuses annexes et des index font en outre de cet ouvrage une référence indispensable. C’est toute la mémoire du cinéma français qui est ainsi remise au jour.
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Bresson par Bresson
- Robert Bresson
- 2013, Flammarion
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Pendant quarante ans, Robert Bresson a accordé nombre d’entretiens à la presse française et étrangère, à la radio et à la télévision. Ses réponses aux multiples questions, de toutes sortes, apportent d’importantes précisions sur ses films, son art et l’évolution de sa pensée. Et elles accompagnent, devancent, prolongent ses Notes sur le cinématographe. Interrogé par Yvonne Baby, François-Régis Bastide, Michel Ciment, Serge Daney, Pierre Desgraupes, Jean Douchet, Jean-Luc Godard, André Parinaud, Georges Sadoul, Roger Stéphane ou Serge Toubiana, entre autres, Robert Bresson parle avec passion, simplicité, détermination et humour de tous les éléments d’un film qui, savamment combinés, font du cinématographe un art à part entière. L’ouvrage est illustré de photos dont beaucoup sont inédites.
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Caméras en lutte en Mai 68
- Sébastien Layerle
- 2008, Nouveau Monde
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En mai et juin 1968, à Paris et en province, des gens d'images arpentent les rues, investissent les universités, pénètrent les usines à l'écoute de paroles nouvelles ou subversives. "Cinéastes insurgés", travailleurs en conflit, adhérents d'organisations politiques ou syndicales allient un engagement au présent et un témoignage pour la postérité. Leurs productions répondent à des conceptions du cinéma qui considèrent le film comme un moyen d'action et qui recouvrent une série de "pratiques politiques" aux orientations, aux usages et aux objectifs dissemblables. Prototype de l'événement moderne, médiatisé et "chargé déjà d'un sens historique", comme l'écrit Pierre Nora, Mai 68 constitue un moment charnière dans l'histoire des cinémas engagés, foulant les frontières séparant le professionnel du non-professionnel, le système de la marge, l'acte créateur de l'activisme. Cet ouvrage interroge l'événement au miroir de la cinématographie militante avec l'intention de faire émerger une contre-analyse de l'histoire officielle. Son étude dévoile les conditions d'élaboration des images filmées (gestes et motivations des opérateurs, typologie des regards et esthétiques de filmage) et évalue les fonctions sociales qui leur sont assignées en envisageant Mai 68 dans ses prolongements et dans une perspective évolutive faite de stratégies changeantes. Croisant une pluralité de sources, souvent inédites, l'ouvrage est aussi un outil de recherche, un catalogue raisonné référençant quelque 180 titres conçus à chaud, dans les semaines et les mois qui ont suivi les journées de mai.
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Censure et cinéma dans la France des Trente Glorieuses
- Frédéric Hervé
- 2005, Nouveau Monde
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Ils ne sont qu’une vingtaine. Une fois par semaine, depuis la Libération, ils se réunissent à huis clos dans une salle de projection de la rue de Lübeck et prononcent des interdictions aux mineurs, ordonnent des coupures, imposent des avertissements, refusent l’exportation des films et, parfois, les interdisent totalement. Ce sont les censeurs du cinéma. Leurs décisions ont progressivement fait apparaître dix-huit motifs de censure et tous les cinéastes ont dû se conformer à cette loi non écrite ou bien opter pour la transgression et en assumer les conséquences. C’est la raison pour laquelle ces censeurs ont été les coproducteurs de tous les films réalisés en France entre 1945 et 1975, censurés ou pas. Ensemble, censeurs et cinéastes ont façonné les représentations dont se sont imprégnés les spectateurs, notamment les plus jeunes dont la fréquentation cinématographique n’a cessé de croître. De la censure, on ne connaît généralement que quelques affaires et nombre d’anecdotes rapportées par les gens de cinéma qui, invariablement, se sont donné le beau rôle des chevaliers blancs de la liberté d’expression. Or, étudier l’activité de la Commission de contrôle des films à partir de ses propres archives permet d’entrer dans la boîte noire de la censure et d’éclairer d’une lumière crue les motivations, complexes et ambiguës, des producteurs et des auteurs.
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Chaplin
- Michel Faucheux
- 2012, Gallimard
- Show Description Hide Description
« La vie peut être libre et belle, mais nous nous sommes égarés. La cupidité a empoisonné l'âme humaine, elle a dressé dans le monde des barrières de haine, elle nous a fait marcher au pas de l'oie vers la misère et le massacre. » Pour beaucoup, Charles Spencer Chaplin (1889-1977) se confond avec le personnage de Charlot, surnommé aux États-Unis « The Tramp », le vagabond du Kid ou des Lumières de la ville. Pourtant, le petit homme à la canne et au chapeau melon est loin d'occuper toute la filmographie de Chaplin qui est aussi un grand réalisateur. Il n'est que de citer L'Opinion publique, Monsieur Verdoux ou La Comtesse de Hong Kong. Charlot efface Chaplin du fait même de son succès précoce auprès du public, au cours des premières années du cinématographe. Mais le talent n'explique pas tout, il faut qu'un personnage rencontre son époque, en dise les vérités et les mensonges. Charlot-Chaplin fut cet homme, dont Cocteau affirmait qu'il était l'« arpenteur du Château de Kafka ».
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Cinéma Novo
- Bertrand Ficamos
- 2013, Nouveau Monde
- Show Description Hide Description
Cet ouvrage analyse les diverses mutations qui ont traversé Cinéma Novo, extrêmement sensible aux transformations touchant le Brésil, entre l’euphorie de l’inauguration de Brasília et les années de plomb de la dictature militaire en passant par le coup d’État de 1964. Cinéma politique ayant évité les schémas classiques et manipulateurs d’un cinéma de propagande, il a été porté par une production suivie dans le Brésil des années soixante. Les grands succès critiques internationaux que furent Les Fusils (Ruy Guerra, 1964) ou Terre en transe (Glauber Rocha, 1967) ont marqué leur époque. Créée par des cinéastes en quête d’un cinéma révolutionnaire, l’esthétique du Cinema Novo, bien que partiellement inspirée des innovations du néoréalisme et de la Nouvelle Vague, est largement inédite. Le matériel, jusqu’ici inexploité, qu’analyse l’auteur fait toute la richesse de cet ouvrage. En plus de s’entretenir avec les cinéastes eux-mêmes, les nombreux séjours au Brésil de Bertrand Ficamos lui ont permis d’accéder à une grande masse de documents : correspondances privées, scénarios originaux, projets avortés, communiqués de presse destinés au marché brésilien, dossiers de la police politique et de la censure cinématographique. La découverte, en France, des archives absolument inédites de Claude Antoine, producteur délégué du Cinema Novo à l’extérieur des frontières du Brésil, apporte un nouvel éclairage sur les relations du Cinema Novo avec le cinéma européen.
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Cinéma bis
- Laurent Aknin
- 2007, Nouveau Monde
- Show Description Hide Description
Peplum, érotisme, science-fiction, fantastique, gore, culturistes, giallo, naturistes, horreur, westerns italiens, kung-fu, Klaus Kinski, sexy comédie, affligeants, culte, Barbara Steele, chefs-d’œuvre inconnus, space-opera, blaxploitation, cannibales, gore, seconde zone, zombies, Russ Meyer, westerns allemands, porno, films de sabre, néo-mythologie, série Z, mondo-films, Jesus Franco, heroïc-fantasy, tronçonneuse, prison de femmes, Santo, post-apocalyptique, guillotine volante, Fu-Manchu, etc. Regroupant des genres aussi divers, le cinéma bis est l'univers du cinéma populaire à petit budget. Il possède ses chefs-d'œuvre et ses navets, ses maîtres et ses ringards, ses stars et ses comédiens pathétiques ; mais il est avant tout le territoire d'un cinéma pas totalement « normalisé », et donc propice à toutes les formes de transgressions. Cet ouvrage est le guide de ce vaste labyrinthe. Il propose de parcourir cinquante ans de cinéma bis mondial (1957-2007) à travers 250 personnalités : réalisateurs, acteurs et actrices, mais aussi quelques producteurs, scénaristes et techniciens. De John Agar à Alfred Zugsmith, de Dario Argento à Fred Williamson en passant par Roger Corman, Jesus Franco, Christopher Lee, Gordon Mitchell et de nombreuses créatures féminines ensorceleuses...
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L’histoire du cinéma en Alsace est tout à fait originale. Pittoresque et quelque peu exotique pour les Parisiens comme pour les Berlinois, l’Alsace a suscité bon nombre de stéréotypes. Disputée par ses puissants voisins, la province frontière est aussi l’enjeu d’une guerre iconographique où le cinéma joue un rôle considérable dès la Première Guerre mondiale. Toutes ces images soumises à des fins commerciales ou nationalistes sont à l’opposé du cinéma revendiqué par les Alsaciens qui, par le pacifisme ou le régionalisme, essaieront d’échapper à ces manipulations de l’imaginaire. Mais cette histoire n’est pas seulement celle des images, c’est aussi celle d’une industrie, d’un commerce, d’un spectacle, que l’auteur étudie en s’appuyant sur une histoire politique, économique et sociale de l’Alsace et du cinéma.
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Cinéma et littérature au Québec : rencontres médiatiques
- Michel Larouche
- 2003, XYZ Éditeur
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Le rapport entre cinéma et littérature au Québec a toujours occupé une place considérable. Peu de recherches ont cependant été développées sur ce sujet. Le scénario prend donc une place importante dans cet ouvrage collectif, en tant que point de vue central des « rencontres médiatiques ».
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Cinéma et peinture
- Luc Vancheri
- 2007, Armand Colin
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Le cinéma ne vient pas de la peinture, et cependant ce qu’il élabore comme pensée de l’image et de l’art ne peut être restitué sans elle. Encore le rapport de ces arts va-t-il bien au-delà des seuls effets de présence de la peinture (biographie de peintres, œuvres citées, remplois de motifs et de formes) dans les films. C’est un ensemble de savoirs et de pratiques, de problèmes et de solutions que le cinéma expérimente au contact de la peinture. Comment passe-t-on de la peinture au cinéma ? De l’impressionnisme aux frères Lumière ? Du xixe siècle au xxe ? Pour certains, le cinéma vient libérer la peinture (É. Faure), pour d’autres, il s’apprête à réussir là où l’opéra a échoué, en incarnant l’idéal d’un art total (S. M. Eisenstein), pour d’autres encore il accomplit une réforme majeure de l’idée même d’art (W. Benjamin). Ces thèses surgissent alors même que le cinéma naissant et la peinture en crise affirment leur fascination mutuelle ; c’est le début d’une intense expérimentation croisée. Tout se partage. Des problèmes de peinture sont explorés en cinéma (H. Richter, V. Eggeling), des formes cinématographiques passent dans la peinture de F. Léger et de M. Duchamp, des cinéastes interviennent picturalement sur le film (S. Brakhage). Les approches que privilégie ce livre d’esthétique sont autant de contributions à une histoire des images et de l’art.
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Cinémas et cinéphilies populaires dans la France d'après-guerre, 1945-1958
- Gwénaëlle Le Gras and Geneviève Sellier
- 2015, Nouveau Monde
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Cet ouvrage explore le cinéma populaire tel qu’il se déploie sur les écrans français pendant la période où la fréquentation des salles est la plus forte (1945-1958), notamment à travers sa réception dans les magazines populaires de l’époque (Cinémonde, Film complet, etc.). Résultat d’un programme de recherches qui a associé pendant trois ans une vingtaine de spécialistes internationaux, cet ouvrage pose un regard neuf, notamment grâce au dépouillement des magazines, sur le culte des acteurs, vedettes et stars, françaises et étrangères, qui peuplent les écrans (Gérard Philipe, Edwige Feuillère, Daniel Gélin, etc.), sur les genres préférés du public (biopics, films en costumes, films noirs, films musicaux, films de guerre), sur la diversité des usages populaires du cinéma, et proposent quelques points de comparaison en Europe (Italie, Belgique).
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Cocteau-Marais
- Bernard Spindler
- 2011, Éditions du Rocher
- Show Description Hide Description
« Je m’évite comme la peste, soupirait Cocteau. Si j’ai quitté Paris pour la Côte, c’est qu’il n’y avait pas de place pour nous deux... » La côte méditerranéenne. Le cap des Soupirs. Ce sera donc son théâtre, son écritoire, son chant d’amour et sa montée des marches. Le poète y épousera la mer et vendangera les dernières années de cette tendre amitié qui unit son étrange destin à celui de Jean Marais. Marais, l’enfant terrible... « Je regrette amèrement de n’avoir pas consacré toute mon existence à servir Jean Cocteau au lieu de me préoccuper de ma carrière et d’aspirer à des succès éphémères » confiera-t-il. Cocteau et Marais, Jean et Jeannot, la pureté d’une amitié inédite, résistant aux attaques du temps... « Puisque je ne m’aime pas, persiste Cocteau, il faut bien vivre avec des gens qui m’aiment... » Réalisée à partir de documents d’archives et de souvenirs personnels, enrichie d’une iconographie inédite, cette biographie retrace la relation fascinante de deux êtres d’exception qui ont marqué de manière indélébile l’art, le cinéma, le théâtre et la littérature. À leurs côtés, le lecteur plonge dans une époque foisonnante et rencontre, au fil des pages, de nombreuses personnalités : Chanel, Picasso, Satie, Moretti, Apollinaire, Diaghilev, et tant d’autres...
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Comment le parlant a sauvé le cinéma français
- Jacques Choukroun
- 2008, AFRHC
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À la fin des années 1920, le marché français est largement dominé par le cinéma américain. Le succès des films parlants, fondé sur la popularité des acteurs français, relance l'industrie du cinéma. Le parlant constitue une nouvelle chance pour le cinéma français. Après le départ de leurs fondateurs, les sociétés Pathé et Gaumont tentent d'adapter en France le modèle hollywoodien de la compagnie intégrée de cinéma. Mais l'amortissement des investissements effectués pour l'adaptation au parlant et la rénovation des salles s'avère difficile au moment de la baisse des recettes de 1933-1934 : la Gaumont-Franco-Film-Aubert est mise en liquidation judiciaire en 1934 et Pathé-Cinéma en faillite en 1936. L'échec de l'aventure de ces grandes compagnies provoque la première grande réflexion politique sur le statut du cinéma en France avec les rapports Petsche et de Carmoy. Entre 1934 et 1939 s'élabore peu à peu un « modèle français » de cinématographie qui accorde à l’État un rôle d'encadrement et de soutien aux petites entreprises. Malgré les polémiques, les mesures protectionnistes restent modestes. En 1939, le rôle nouveau de l'État s'affirme avec le décret sur le contrôle des recettes. La comptabilité de nombreuses salles, l'étude du fonctionnement des studios, des devis, des budgets de films et des contrats de distribution permettent de décrire l'évolution des différents stades de la filière cinématographique –production, distribution et exploitation – à partir de documents d'archives publiques et privées. Cette analyse confirme le caractère limité, tant en ampleur qu'en durée, de la crise en France. Pourtant, celle-ci a suffi à déséquilibrer les grandes compagnies.
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Salvador Dalí compte parmi les artistes les plus illustres et les plus reconnus du XXe siècle. Dans l’imaginaire populaire, son style personnel flamboyant a fait de lui un véritable homme de spectacle. Cet ouvrage constitue la première étude approfondie du rôle clé joué par le cinéma dans son art, ainsi que de l’implication de Dalí dans divers projets cinématographiques. Dalí Cinema présente à la fois les principales peintures qui reflètent son intérêt pour le septième art et les grands projets cinématographiques auxquels il a collaboré.Le cinéma a permis à Dalí d’appréhender le pouvoir et les différentes utilisations de l’illusion. En 1929 et 1930, il collabore avec Luis Buñuel sur Un Chien andalou et L’Âge d’or, deux films aussi remarquables que controversés. Des années plus tard, Dalí travaille à Hollywood, aux studios Disney, puis avec Alfred Hitchcock. Pour ce dernier, il conçoit une séquence décrivant un rêve destinée au thriller psychologique La Maison du docteur Edwardes (Spellbound), qui demeure l’une des plus innovantes du cinéma. Au fil des ans, Dalí en vient à rejeter ce qu’il considère comme l’élitisme du film moderniste pour se tourner vers un cinéma plus populaire susceptible de faire connaître son œuvre au plus grand nombre.Cet ouvrage révèle la fascination profonde et constante de Dalí pour le cinéma, tout en donnant une nouvelle dimension à l’un des grands maîtres de l’art du XXe siècle.
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Deleuze au cinéma
- Serge Cardinal
- 2010, PU Laval
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À quoi le philosophe Gilles Deleuze est-il attentif quand il décrit une image, analyse un récit ou fait le portrait d’un personnage ? Quelle valeur accorde-t-il aux couleurs, aux enjeux d’un drame ou aux grimaces d’un acteur ? Pourquoi s’attache-t-il autant aux auteurs, à Resnais, Visconti, Welles, mais aussi à Ingrid Bergman, à Jerry Lewis et à la petite bonne d’Umberto D ? Que penser de sa singulière pratique interdisciplinaire, qui va de la mathématique à la boulangerie ? Peut-on vraiment prendre au sérieux le philosophe lorsqu’il défend une histoire s’apparentant à un classement des animaux ou des plantes ? Et que faut-il comprendre du but qu’il assigne à sa méthode : faire le concept d’une image, c’est en dégager l’événement ? La connaissance de cette méthode doit rendre la philosophie deleuzienne du cinéma assez ordinaire pour que l’apprenti puisse l’explorer en toute confiance et assez vulnérable pour que l’éclairé puisse la détester en toute connaissance de cause, mais, surtout, elle doit entraîner chacun de nous dans l’évaluation de son propre savoir-faire. Tels sont les mille plateaux explorés par cet ouvrage.
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Delphine Seyrig
- Mireille Brangé
- 2018, Nouveau Monde
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Actrice, réalisatrice, femme engagée, Delphine Seyrig (1932-1990) refuse toute sa vie de se laisser enfermer dans un rôle ou une image. S’inventer, se trouver, se réinventer fut sa raison de vivre. Égérie de Resnais, reine du théâtre parisien dans les années soixante, admirée de Truffaut comme de Duras, fée des Lilas de Peau d’âne de Demy ou Jeanne Dielman d’Akerman, Delphine Seyrig a un parcours hors du commun. Au faîte de sa gloire, elle s’engage dans les luttes féministes. Digne d’une héroïne de Stendhal, prête à toutes les aventures, son goût de la liberté, son audace, son refus du tiède, son exigence et son élégance donnent à sa vie tout son romanesque. C’est cette vie riche et inspirante que retrace, pour la première fois, cette biographie passionnante et richement documentée, qui a pour fond la vie sociale, intellectuelle, théâtrale et cinématographique de son époque. Un très beau portrait de femme, par la plume tout en finesse de Mireille Brangé.
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Dictionnaire Spielberg
- Clément Safra
- 2011, Vendémiaire
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Les héros de Spielberg sont hantés par une douloureuse expérience familiale. Ils essaient, envers et contre tout, à travers leur trajectoire individuelle, de reconstituer ce paradis perdu qu’était l’univers de leur enfance. Ils sont marqués par l’histoire, la grande, celle des guerres mondiales, et, dans cette expérience, confrontés au mal. Ils sont cependant capables de croire à l’invraisemblable, au merveilleux, sensibles dans le quotidien. Ils sont, enfin, terriblement Américains : par leur mode de vie, par leurs références, par leur foi inébranlable dans le triomphe des valeurs collectives et de sacrifice. Autour d’eux, une nature hostile et sublime sert de décor à des drames mis en scène avec une stupéfiante virtuosité. De A comme Avion ou Abandon à Z comme Zoom ou Zemeckis, c’est l’analyse en profondeur de cette œuvre, à travers ses recoupements, ses échos, ses variations sur un même thème, bref ce qui en fait à la fois l’originalité profonde et la nouveauté, que nous livre ce dictionnaire, sans négliger le moindre détail d’une filmographie qui accumule les succès au box-office.
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Dictionnaire de la Nouvelle Vague
- Noël Simsolo
- 2013, Flammarion
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Janvier 1954 : la parution du texte-manifeste de François Truffaut « Une certaine tendance du cinéma français » dans Les Cahiers du cinéma fait l’effet d’une bombe. Il y fustige la « qualité française », et fulmine contre ce cinéma fait d’adaptations littéraires et de mots d’auteur. Rupture dans le scénario, rupture dans le dialogue, dans le son, dans l’éclairage, dans la direction des acteurs, rupture totale avec la tradition de la « qualité française », avec le tournage en studio, avec la pudeur et le bon goût... Les cinéastes de la Nouvelle Vague tournent en extérieur avec du matériel léger autant par goût que par manque de moyens financiers. Jean-Luc Godard ne cessera jamais de rappeler l’importance de la synchronicité entre l’aspiration de sa génération de cinéastes et l’apparition de moyens techniques adéquats... Le Beau Serge et Les Cousins de Claude Chabrol, Les 400 coups de François Truffaut, ou À bout de souffle de Jean-Luc Godard imposent la « Nouvelle Vague » du cinéma français. Une génération entière – plus d’une centaine de réalisateurs, de scénaristes, de comédiens, de techniciens – sera à l’origine du plus important mouvement artistique de l’histoire du cinéma.
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Dictionnaire du cinéma asiatique
- Adrien Gombeaud
- 2008, Nouveau Monde
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De Bombay à Tokyo en passant par Hong Kong, Pyongyang ou Jakarta, de Devdas à In the Mood for Love, ce premier Dictionnaire du cinéma asiatique rassemble les pièces essentielles d'un colossal puzzle : cinéastes, grands studios, comédiens et films de toutes les époques et des quatre coins du continent. On croit connaître l'Asie et son cinéma, mais on ne cesse de découvrir de nouveaux pays, de nouveaux auteurs et même de nouveaux genres. L'Extrême-Orient est décidément une fontaine intarissable : depuis Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa ou Satyajit Ray, on a vu apparaître pêle-mêle les visages de Bruce Lee, Takeshi Kitano, Gong Li, Shah Rukh Khan ou Aishwarya Rai... Et il existe encore tant de stars adulées, tant de réalisateurs mythiques dont la gloire n'a pas franchi nos méridiens ! Entre mélodrames coréens, kung-fu hongkongais, érotiques japonais, ballets révolutionnaires chinois, comédies musicales indiennes ou séries B philippines, l'Asie est un monde bien trop vaste pour se laisser cerner. Les auteurs invitent le lecteur à voyager à travers un fascinant labyrinthe oriental, à se perdre dans les rues de Bangkok ou dans les méandres d'un sari, pour dessiner son propre "cinéma asiatique".
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Dictionnaire du cinéma italien
- Mathias Sabourdin
- 2014, Nouveau Monde
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Entre réalisme et baroque, marxisme et catholicisme, films engagés et série B, le cinéma italien se distingue par son architecture complexe faite d'écoles, de genres et de sous-genres, superposant des modes de production et des esthétiques a priori inconciliables. À la lumière d'une relecture contemporaine des clivages et des courants qui l'ont traversé, cet ouvrage revient sur soixante-dix ans de création cinématographique en Italie, de la naissance du néoréalisme à nos jours, des Amants diaboliques de Luchino Visconti à Vincere de Marco Bellocchio, sans négliger l'apport des rêveries macabres de Dario Argento ou celui des documentaires siciliens de Vittorio De Seta. À travers les personnalités qui ont fait cette riche histoire (producteurs, réalisateurs, chefs opérateurs, compositeurs, décorateurs...) et une approche repensée des liens entre cinéma d'auteur et cinéma de genre, ce dictionnaire offre un regard neuf et passionné sur le cinéma italien. Premier livre français rassemblant autant d'éléments sur ces protagonistes majeurs et leurs filmographies, il s'adresse à tous les spectateurs désireux de replacer une œuvre dans son contexte, de retrouver un lien, une opinion sur un film qu'ils connaissent ou souhaiteraient découvrir. Plus qu'un dictionnaire, il se veut un outil précieux pour démêler les fils de la mémoire cinématographique. Un ouvrage de référence, tant par sa rigueur encyclopédique que par son approche originale de somme cinéphilique à la subjectivité affirmée.
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Dictionnaire du cinéma populaire français
- Yannick Dehée and Christian-Marc Bosséno
- 2009, Nouveau Monde
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Un dictionnaire sans équivalent pour comprendre les grands succès du cinéma populaire : les films-phares de chaque époque ; les grandes figures : acteurs, réalisateurs, scénaristes, producteurs, médiateurs, musiciens ; les clés de lecture : thèmes, personnages, lieux. Et aussi : l'économie, la technique, l'exploitation. Une somme d'informations jamais réunies auparavant. Ce dictionnaire veut donner à comprendre les succès du cinéma et l'évolution de ses modes, faire revivre l'engouement pour ses stars, découvrir ses artisans méconnus. Ce faisant, il éclaire l'Histoire de la France et des Français au XXe siècle. Cette deuxième édition entièrement mise à jour comporte une cinquantaine de nouvelles entrées : acteurs (tels que Marion Cotillard, Jean Dujardin, Guillaume Canet, Cécile de France) et films (Mesrine, Bienvenue chez les Ch'tis). Le box-office des entrées en salles et des diffusions télévisées est également actualisé. Date de première édition : 2004.
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Dictionnaire du jeune cinéma français
- René Prédal
- 2017, Nouveau Monde
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Depuis l’an 2000, plus de mille cinéastes français ont réalisé leur premier film. Cet ouvrage en présente trois cents des plus significatifs, dont certains ont déjà tourné une dizaine de films (Michel Gondry, Christophe Honoré, Emmanuel Mouret, etc.). Ils constituent ce jeune cinéma d’auteur qui s’illustre régulièrement dans tous les festivals du monde. En 2008 la Palme d’or est ainsi revenue à Laurent Cantet pour Entre les murs et en 2013 à Abdellatif Kechiche pour La Vie d’Adèle. L’auteur brosse au préalable un état des lieux du système de production français, qui permet depuis deux décennies une profusion d’œuvres de grande qualité. Au fil des biographies, il montre ensuite que l’originalité de ce mouvement générationnel se caractérise moins par des thématiques ou des esthétiques communes que par la juxtaposition d’individualités fortes. Les cinéphiles y retrouveront donc naturellement Rebecca Zlotowski, Alain Guiraudie, Mia Hansen-Løve, Jérôme Bonnell, Céline Sciamma ou Agnès Jaoui… et bien d’autres encore.
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Esthétique du cinéma
- Dominique Chateau
- 2006, Armand Colin
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Les études cinématographiques ont connu, au début des années 1980, un tournant majeur. Après les périodes « sémiologique », puis « narratologique », une majorité d'auteurs ont emprunté, plus ou moins explicitement, les voies de l'approche « esthétique ».De quoi s'agit-il ? De manière classique, du centrage d'un certain nombre d'études sur le style des œuvres et la manière dont tel ou tel cinéaste contribue à l'épanouissement de l'art cinématographique. Dans une optique philosophique, de l'analyse de l'apport du cinéma à l'évolution des conceptions artistiques et des valeurs du goût. Dans une perspective anthropologique, de l'interrogation sur la place du cinéma dans la culture et l'industrie culturelle. Face à cette pluralité des interprétations de l'esthétique et de ses visées, et devant l'abondance des travaux, un bilan s'imposait. Le présent ouvrage le dresse en s'efforçant de clarifier la donne et met en évidence les acquis comme les perspectives les plus prometteuses de la discipline. Date de première édition : 2003.
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Esthétiques de l'audiovisuel
- Pierre Sorlin
- 2005, Armand Colin
- Show Description Hide Description
Si elle vise à transmettre un message, chaque production audiovisuelle – film, émission de télévision, cassette vidéo – ne relève pas exclusivement du sens et des codes, elle s'adresse encore à la sensibilité du public et, dans le meilleur des cas, elle provoque, dans l'esprit du spectateur, une adhésion enthousiaste qui déborde la simple compréhension. L'esthétique n'est ni une plongée dans le subjectivisme, ni une étude des règles ou des styles : attentive à l'exceptionnel, elle s'attache d'abord à ce qui est invention. Par-delà l'histoire qu'elles racontent, les réalisations audiovisuelles jouent sur le mouvement et la lumière, les couleurs et les contrastes, la complémentarité et l'incompatibilité des fragments avec l'ensemble, elles sont un appel à l'œil et à l'oreille auxquels la participation esthétique s'ouvre pour mieux pénétrer l'œuvre et la réinventer. Date de première édition : 1992.
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Figures des salles obscures
- Samra Bonvoisin, Claude Forest and Hélène Valmary
- 2015, Nouveau Monde
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Cent vingt ans après la première projection publique payante des frères Lumière au Grand Café à Paris, les salles de cinéma sont passées de l’itinérance foraine aux multiplexes, de la pellicule aux pixels, et leurs exploitants de l’activité décriée de saltimbanque au statut patenté de commerçant, maillon indispensable de l’industrie cinématographique. Pourtant, leur métier, essentiel à l’existence des films, demeure largement méconnu. Pour la première fois, des personnalités marquantes de la profession – visionnaires, grands dirigeants nationaux ou régionaux, représentants de la petite et moyenne exploitation, défenseurs de l’art et essai, pionniers en tous genres – racontent leur expérience, dans sa singularité émotionnelle et intellectuelle. Le croisement de leurs témoignages embrasse plus d’un demi-siècle d’exploitation française, du tournant des années 1950, acmé de la fréquentation et moment de basculement de l’offre cinématographique, jusqu’au passage au numérique, vecteur d’une mutation sans précédent. Adaptations internes, évolutions sociétales, mutations technologiques, autant de changements économiques et d’enjeux culturels que les acteurs de ce secteur décisif ont affrontés, à travers des combats individuels et collectifs que cet ouvrage a l’ambition de mettre en lumière et d’expliciter. Ce recueil de 18 témoignages inédits, illustré de documents originaux, constitue aussi l’histoire d’hommes et de femmes radicalement attachés à la spécificité des salles de cinéma comme espaces dédiés au partage de rêves et d’imaginaire au sein d’une communauté humaine.
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Film et histoire
- Jérôme Bimbenet
- 2007, Armand Colin
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Depuis 1895, le cinéma reflète l’évolution de la société et témoigne de son temps. Outil privilégié du divertissement de masse, il est devenu une arme dans la manipulation, consciente ou inconsciente, de l’opinion. L’auteur nous propose ici une synthèse chronologique et cognitive sur la naissance, le développement et l’enracinement de la propagande auxquels le cinéma a largement contribué au XXe siècle. Il y traite de la représentation du pouvoir et de l’interaction entre film et histoire. En effet, la technique et le vocabulaire iconique mis en œuvre aujourd’hui sur le grand écran, ou à la télévision, s’inspirent bien souvent du langage propagandiste des totalitarismes de l’entre-deux-guerres ; car c’est bien eux qui ont formalisé et structuré le cinéma de propagande. Ce manuel décrit la première période de l’histoire du cinéma (de Griffith à Eisenstein) sans laquelle on ne saurait comprendre les enjeux actuels d’une réflexion sur le rôle de l’image.
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Films cultes et culte du film chez les jeunes
- Jocelyn Lachance, Hugues Paris and Sébastien Dupont
- 2009, PU Laval
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Que vous soyez amateurs de cinéma d'auteurs, de séries B ou Z, de grandes romances ou d'épopées, ce film vous renvoie à votre jeunesse, aux salles sombres que vous fréquentiez entre pairs, à ces icônes du grand écran dont vous rêviez en vous endormant... De La fureur de vivre à Titanic, les films cultes se sont succédé au cours des générations, comme autant d'emblèmes des époques qui se suivent, qui passent, mais dont on garde toujours un souvenir teinté de nostalgie. Car le film culte renvoie d'abord à une expérience, celle de l'éblouissement, et de la conviction intime de participer à un événement significatif. Depuis l'émergence de la culture juvénile dans les années 50, le cinéma est resté l'une des pratiques culturelles les plus importantes chez les jeunes générations. Encore aujourd'hui, plus que leurs aînés, les jeunes visionnent des films et consomment du cinéma, souvent cinéphages, parfois cinéphiles. Parmi le déferlement des productions cinématographiques " made in Hollywood ", certains films tirent toutefois leur épingle du jeu, se démarquent des autres parce qu'ils sont encensés par de nombreux amateurs, parce qu'ils sortent de l'écran pour envahir les rayons des grandes surfaces sous la forme de figurines et de jeux vidéo, parce qu'ils sont débattus sur les forums et louangés par les bloggeurs... Mais dans ce paysage où se côtoient aujourd'hui les Scarface, Star Wars, Matrix et Fight Club, comment pouvons-nous comprendre le triomphe de certains longs métrages auprès des jeunes ? Anthropologues, psychologues, sociologues, psychanalystes et analystes du cinéma discutent ici de la complexité de cette passion des jeunes pour le cinéma, qui devient alors le miroir révélateur de ce qui se trame à cette période de la vie, à cette époque qui fut la nôtre et qui désormais leur appartient...
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Game of Thrones
- Cédric Delaunay
- 2018, Nouveau Monde
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Game of Thrones : un roman-fleuve, une série télévisée haletante, et surtout… un succès planétaire. Derrière la fresque cruelle et fantastique imaginée par George R. R. Martin et enrichie par les scénaristes, se cachent de multiples références à notre histoire. De l’Antiquité à la Seconde Guerre mondiale, le passé est source d’inspiration inépuisable de la saga. Aviez-vous remarqué que le Titan de Braavos ressemblait étrangement au colosse de Rhodes ? La bataille de la Néra, au siège de Constantinople ? Saviez-vous que Cersei Lannister tenait de Catherine de Médicis ? Lieux, événements, personnages, Cédric Delaunay scrute ici avec sagacité clins d’œil implicites et explicites. Véritable vade-mecum de l’univers Game of Thrones, cet ouvrage richement illustré est une invitation à plonger dans les pages les plus tumultueuses de notre histoire.
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Gene Kelly
- Alain Masson
- 2012, Gallimard
- Show Description Hide Description
« Quand je regarde ma carrière, il ne m'est pas difficile de souscrire au raisonnement de Platon selon lequel la danse est un art qui influence l'âme. Ce sésame m'a ouvert une vie dont les frontières n'ont pas cessé de reculer. » Acteur, chanteur, danseur, chorégraphe, librettiste, metteur en scène, Eugene Curran « Gene » Kelly (1912-1996) est l'auteur de quelques-unes des plus belles comédies musicales de l'histoire du cinéma. Qu'il ait bénéficié de la collaboration de Vincente Minnelli ou de Stanley Donen ne diminue en rien l'unité de son œuvre. Son exigence, son obstination, sa fantaisie auront bouleversé un genre cinématographique auquel il a contribué plus qu'aucun autre à donner sa forme classique. Danseur inventif et brillant, il ne s’est pas contenté de devenir une vedette hollywoodienne. Il a pris tous les risques pour réaliser son projet : manifester l’universalité de la danse.
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Ce livre n’est pas tout à fait un livre « sur » Jean-Luc Godard. Écrit entre Rolle, où vit et travaille le cinéaste, et Paris, où le journal Libération traverse la plus grave crise de son histoire, Godard vif est à la fois une évocation, une enquête critique développée, un reportage subjectif et un journal de bord courant sur quelques mois à peine, même s’il est nourri des fruits sauvages ramassés au cours d’un chemin, long de plus de vingt-cinq ans, où JLG et moi nous sommes parfois retrouvés.Ce livre a voulu enregistrer un moment qui m’a semblé extraordinaire dans le cours de ce chemin, et marquer de sa petite pierre une fracassante année 2014, où tout s’est conjugué pour lui donner une bifurcation...
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Grammaire du cinéma
- Marie-France Briselance and Jean-Claude Morin
- 2010, Nouveau Monde
- Show Description Hide Description
Les frères Lumière n'ont pas inventé le cinéma, c'est l'Américain Thomas Edison, dont l'ingénieur Laurie Dickson tourne le premier film en 1891. Comme il est né muet, le cinéma a dû trouver son propre langage. En moins de vingt ans, les cinéastes ont mis au point une grammaire spécifique qui va permettre à leurs films d'être vus et compris par des spectateurs du monde entier. Aujourd'hui, c'est toujours la même grammaire qui est utilisée, l'arrivée du parlant ne l'a nullement périmée, et pas davantage les autres avancées techniques. Le cinéma moderne emploie de la même façon que Georges Méliès l'arrêt de caméra, la surimpression et les fondus, et tout comme les Anglais de l'école de Brighton le hors-champ, le champ/contre champ, le plan subjectif, le passage au flou ou la diagonale du champ, de même qu'il manie les cadrages, les panoramiques, le ralenti, le plan débullé ainsi que les travellings et la plongée à la manière des Américains, la musique et l'image par image tel le Français Émile Reynaud, les actions parallèles comme le génial David W. Griffith. Au total sont recensés dans cet ouvrage unique en son genre 29 points de grammaire dont les combinaisons multiples donnent les innombrables figures de style qui caractérisent le talent des cinéastes. Cette Grammaire du cinéma est composée en deux parties. La première retrace comment les cinéastes ont inventé les 29 points de grammaire et la seconde étudie comment ils ont développé les points de grammaire de 1909 à aujourd'hui, et comment ils en redécouvrent la force dans des utilisations nouvelles. Se côtoient aussi bien Hitchcock, Godard, Sergio Leone, Welles, Eisenstein, Kubrick, Fritz Lang, que Jean-Pierre Jeunet, Clint Eastwood, Ang Lee, Peter Jackson, David Lynch, Darren Aronofsky, Christopher Nolan, Spielberg... Dans le livre, outre les nombreux films primitifs que l'on peut voir maintenant en DVD, sont étudiés ou cités environ 160 films de 1909 à nos jour.
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Histoire de la télévision française
- Monique Sauvage and Isabelle Veyrat-Masson
- 2012, Nouveau Monde
- Show Description Hide Description
Qu’est-ce que la « télévision » à l’ère des écrans plats, des tablettes, des programmes à la demande, des informations en continu mais aussi de l’événement « monstre » aux audiences planétaires ? Un retour vers le passé permet de mieux répondre à ces interrogations du présent. Instrument du pouvoir et objet domestique, entreprise de spectacle et organe d’information, la télévision s’est imposée comme un média central de ces soixante dernières années. Comment la télévision a-t-elle été inventée et a ensuite émergé de l’ombre de la radiodiffusion ? Comment, en France, se sont forgés, sous monopole public, les liens avec le pouvoir politique, mais aussi la légitimité naissante d’un art du spectacle à part entière ? Dans quelles conditions l’organisation de la concurrence et l’installation – dans des circonstances tumultueuses – d’un secteur privé ont-elles transformé le paysage audiovisuel ? Comment ont évolué dans le marché les entreprises publiques et privées de télévision et l’offre de programmes ? Quelle est la nouvelle place de la télévision depuis l’apparition de la révolution numérique ? Cette histoire de la télévision propose des repères clairs pour comprendre les étapes majeures des relations entre télévision et pouvoir politique, la généalogie des techniques, l’évolution des programmes et des rapports avec le public, la transformation des modèles économiques.
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Histoire du cinéma britannique
- Philippe Pilard
- 2010, Nouveau Monde
- Show Description Hide Description
Il n'y a pas si longtemps, le cinéaste Alan Parker, lançait : « Avec l'industrie cinématographique britannique, il est souvent difficile de savoir si le nageur vous fait signe pour vous saluer, ou bien s'il se noie... » Faut-il le croire ? D'outre-Manche, nous parviennent régulièrement des films qui nous captivent, nous font rêver, nous font rire et même... réfléchir ! Fresques historiques, épopées militaires, actrices et acteurs de première grandeur, histoires d'amour et d'humour « mid-atlantiques », films « shakespeariens », documentaires, œuvres « excentriques », dessins animés, polars, vampires et zombies ! On trouve le pire comme le meilleur dans le fragile cinéma anglais dominé par la production et la distribution hollywoodiennes. Les cinéphiles ont en mémoire les noms d'Alexander Korda, d'Alfred Hitchcock, inventeur du « suspens », les comédies Ealing avec Alec Guinness, le Hamlet de Laurence Olivier, les films de David Lean (Lawrence d'Arabie), Le Troisième Homme de Carol Reed, ou encore Les Chaussons Rouges de Powell et Pressburger. En 1983, The Mission, de Roland Joffre, reçoit la Palme d’or à Cannes. « Le cinéma britannique est bien vivant... à la télévision ! » C'est là, en effet, que se sont formés, entre autres, Ken Loach (Kes) et Stephen Frears qui, aujourd'hui encore, occupent le devant de la scène, avec des films comme Tamara Drewe. Ils sont rejoints par de nouveaux talents, Shane Meadows, Paul Greengrass, Lynne Ramsay ou Andrea Arnold. Date de première édition : 1996.
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Histoire du cinéma français
- René Prédal
- 2013, Nouveau Monde
- Show Description Hide Description
Enfin un panorama de l'histoire du cinéma français accessible à tous. Cent vingt ans après les débuts du cinéma, la cinéphilie devient éclatée, les modes d'accès aux films numérisés se multiplient, la nouveauté se consume de plus en plus vite... Plus que jamais il est nécessaire de revenir au « grand récit » du cinéma français des origines à nos jours : cette histoire-source alimente le présent, transmet un héritage, offre un réservoir de références partagées. Chaque année, le cinéma français produit une vingtaine d'œuvres de grande valeur, soit plus de 2 000 films depuis les origines. C'est d'abord l'histoire de ces œuvres que l'on trouvera ici, et plus largement les grands courants artistiques, le contexte politique, économique et sociologique d'un cinéma français en perpétuelle réinvention. Rejetant toute théorie du déclin, l'auteur met en valeur les richesses connues ou moins connues de chaque époque, et prend parti au sein de la production la plus récente pour les jeunes cinéastes qui pourraient s'affirmer comme les prochains « grands ».
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Le cinéma s’inscrit dans une économie de prototype où l’incertitude est la règle. Tout projet de film est un pari aventureux, et la question de son financement n’a cessé d’être l’objet d’interminables controverses. En France, le système de régulation des activités cinématographiques et audiovisuelles est devenu un modèle de référence, mais les mutations contemporaines obligent à réexaminer sa pertinence et à préparer ses évolutions. Dans une telle perspective, il peut être utile de faire retour sur ses origines en analysant les conditions de mise en place de la politique d’intervention de l’État dans le secteur cinématographique au début des années quarante. C’est en effet sous Vichy, dans le cadre d’une politique dirigiste, que ce secteur a été profondément réorganisé, au travers d’institutions et de cadres réglementaires qui perdureront dans leurs grandes lignes jusqu’à nos jours. Pour relancer la production cinématographique et assurer sa pérennité, une politique industrielle est engagée, marquée par le corporatisme, l’instauration de mécanismes financiers inédits et l’avènement d’un système qui donne à l’État un rôle prééminent. Ce livre contribue à penser les origines, l’émergence et l’évolution des politiques publiques en faveur de la production cinématographique française, l’analyse étant concentrée sur l’histoire institutionnelle du Crédit National, établissement financier qui a joué un rôle crucial et méconnu dans ce domaine. Pour comprendre l’installation et le fonctionnement sur deux décennies du système d’avances à la production, l’étude se fonde largement sur les archives du Crédit National, en particulier les dossiers des films qui lui ont été soumis, tels Les Visiteurs du soir, Jeux interdits ou Le Salaire de la peur. Cette approche conduit à s’intéresser au comportement et aux interactions des protagonistes, notamment les producteurs, les réalisateurs, les institutions financières et les administrations. En étudiant la généalogie des politiques publiques françaises dans ce secteur devenu emblématique des enjeux de la régulation, on peut sans doute mieux en saisir la logique, le sens et le devenir, par-delà les débats manichéens qui opposent habituellement les tenants de l’intervention et les hérauts du libre marché.
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Histoire, légende, imaginaire : nouvelles études sur le western
- Jean-Loup Bourget , Anne-Marie Paquet-Deyris and Françoise Zamour
- 2018, Éditions Rue d'Ulm
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En 1893, Frederick Jackson Turner mettait en avant le mythe de la frontière comme constitutif de l’imaginaire national des États-Unis. En cette fin de XIXe siècle, le cinéma, qui s’invente alors, se donne pour mission, à travers les films, de conserver, voire de reconstituer, ce monde de l’Ouest, ses populations, son histoire et ses légendes, qui s’effacent déjà. Dans cette entreprise qui relève autant de la mythologie que de l’histoire, le western (film dont l’action est située à la frontière) joue un rôle déterminant. Toutefois, du Cheval de fer (John Ford, 1924) à Little Big Man (Arthur Penn, 1970), le regard porté par le cinéma sur la construction de l’Ouest américain a connu des évolutions, des revirements, des interrogations, déterminées à la fois par les évènements historiques et les bouleversements sociologiques qui affectent les États-Unis tout au long de cette période. En examinant le corpus de films proposé aux candidats à l’agrégation d’anglais, ce volume propose une série d’essais qui interrogent les constantes et les évolutions du genre. Composé à la fois d’études monographiques et de travaux consacrés à des thématiques transversales, l’ouvrage met l’accent sur le traitement de l’espace, la manière d’aborder l’histoire de l’Ouest, la représentation des populations autochtones, les enjeux de genre (gender).
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Histoires du cinéma X
- Jacques Zimmer
- 2011, Nouveau Monde
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Le « X » français est une industrie considérable et un fait de société, une production torrentielle charriant le pire et le meilleur… Ce genre, né avec le cinématographe, s’est d’abord appelé « clandestin », « marginal », ou « de bordel » pendant près de cinquante ans… Il connaît dans les années 1970 un « âge d’or » éclatant avant qu’il soit économiquement étranglé par la loi. Désormais absent des salles de cinéma, il prospère par la vidéo, retrouve le contact public sur des chaînes thématiques, se recycle enfin sur Internet. Spécialiste du genre, l’auteur esquisse ici l’envers du décor à partir d’entretiens le plus souvent inédits avec des grands témoins emblématiques : des actrices et des acteurs (Marilyn Jess, Brigitte Lahaie, Éva, HPG), des réalisateurs (José Bénazéraf, Michel Barny, Ovidie), des producteurs (Francis Mischkind, Marc Dorcel), le chef opérateur François About, le programmateur « X » de Canal+ Henri Gigoux, le chercheur Frédéric Tachou et quelques invités surprises tenant à l’anonymat ou aujourd’hui disparus. Car l’univers du X est constitué de secrets de fabrication et d’étonnants procédés d’exploitation, flirtant avec l’illicite, de mystères, de légendes et parfois de révélations : même reconnu, il a conservé quelques habitudes héritées de son sulfureux passé clandestin. Pseudonymes, tournages occultes, défis du bizarre et de la transgression, personnalités insolites, démêlés parfois burlesques avec la censure, dessous financiers, scandales, « affaires », condamnations : le genre charrie beaucoup de faits troublants et quelques mythes qu’il convenait d’éclairer après enquête scrupuleuse.
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Hollywood
- Irène Bessière
- 2007, Nouveau Monde
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Après s'être penché sur des questions d'ordre théorique et épistémologique, et sur la typologie de l'émigration européenne aux États-Unis dans le domaine du cinéma, le programme de recherches cinématographiques "Les Européens dans le cinéma américain : émigration et exil" de la Fondation Maison des Sciences de l'Homme dans le présent ouvrage analyse les films réalisés par les immigrés européens, leur place dans le cinéma américain et leur réception. Cette réflexion a été menée au moyen de quatre grandes orientations : les visions de l'Amérique qui se dessinent à travers les films des expatriés ; les transferts culturels et notamment, les questions d'acculturation et d'appropriation ; les relations exil/cinéma : qu'est-ce qu'une création artistique en situation d'exil, comment filmer l'exil et quelle est la réception de ces films d'exilés ? Sans oublier, bien sûr, une analyse filmique précise qui montre la continuité ou la rupture entre le style des films réalisés en Europe et aux États-Unis par un même cinéaste.
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Hollywood
- Christian Viviani
- 2007, Nouveau Monde
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Hollywood a emprunté à la France des réalisateurs, des acteurs, des décorateurs, les créateurs et les techniciens les plus divers (et souvent les plus originaux). Fascinée par le "mythe français", Hollywood a non seulement eu recours aux décors français, aux sources françaises, aux formes françaises, mais elle a plus d'une fois refait, à sa façon, des films français. En contrepartie, la France, notamment pendant la Seconde Guerre mondiale, a trouvé à Hollywood une terre d'accueil, parfois aride, que les créateurs français ont presque toujours su rendre fertile. Dans Les Connexions françaises, des chercheurs français et étrangers proposent des pistes d'investigation et des éléments d'information qui contribuent à une synthèse de cette vaste question. Le but de cet ouvrage n'est pas de clore un débat qui a commencé avec le cinéma lui-même, mais de montrer son évolution et son caractère toujours actuel.
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Interdit aux moins de 18 ans
- Laurent Jullier
- 2008, Armand Colin
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Art de voyants mais aussi de voyeurs, le cinéma n'a cessé de flirter avec les interdits. Ceux du sexe et de la cruauté avant tout. Quand la caméra alanguie s'attarde un peu trop sur un genou féminin, quand un plan-séquence couvre tout le déroulé d'une orgie frénétique et baroque, quand s'ouvrent les portes de la nuit et de l'univers des damnés, certains rougissent dans la pénombre, d'autres se pâment d'aise, la plupart en redemandent... Et les censeurs, sujets finalement aux mêmes stimuli que nos organes intimes, entrent en action... Après une étude comparée du problème de la censure en France et aux États-Unis, l'auteur analyse toutes les attitudes possibles face à la représentation de la violence et du sexe au cinéma. Ce livre très vivant et documenté s'appuie sur l'exemple de films et sur le témoignage de spécialistes de ces questions (membre de la Commission de contrôle, psychologue, sociologue, philosophe, etc.).
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Jacques de Baroncelli
- Bernard Bastide and François Amy de la Bretèque
- 2007, AFRHC
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Issu d’une vieille famille vauclusienne d’origine toscane, Jacques de Baroncelli (1881-1951) fait d’abord carrière dans le journalisme avant d’aborder le cinéma en 1915. Il fonde alors sa propre société de production, Lumina Films, et tourne sa première bande, La Maison de l’espion. Beaucoup d’autres suivront, dont le Roi de la mer (1917), salué par Delluc et Colette. Après un passage au célèbre Film d’Art (1918-1922), un voyage d’étude aux États-Unis (1919) et un séjour créatif en Belgique (1922), Jacques de Baroncelli est en pleine possession de ses moyens artistiques. C’est alors qu’il va signer ses chefs-d’œuvre : Nêne, d’après Pérochon (1923) et Pêcheur d’Islande, d’après Pierre Loti (1924) qui l’ancrent dans le courant naturaliste français des années 1920. Amoureux des belles lettres, il restera durant toute sa carrière fidèle aux adaptations littéraires (de Balzac à Pierre Louÿs) et aux drames de la mer (Veille d’armes, Nitchevo, Feu !), mais fera preuve d’un grand éclectisme, passant du mélodrame au drame bourgeois, de l’œuvre patriotique à la comédie musicale, du film colonial à la comédie policière. Avec L’Arlésienne (1930), Baroncelli fait une entrée difficile dans l’ère du cinéma parlant. Mais c’est durant l’Occupation qu’il obtiendra son plus grand succès populaire avec une adaptation de la Duchesse de Langeais (1942), confiée à Jean Giraudoux. Ses dernières années seront marquées par deux classiques de la littérature populaire : Les Mystères de Paris (1943) d’après Eugène Sue, et Rocambole (1947) d’après Ponson du Terrail, son dernier film. Le projet de cet ouvrage collectif est de tenter d’aborder autrement l’œuvre de ce réalisateur. L’aborder autrement, c’est prendre en compte non seulement ses films, mais aussi l’ensemble de ses activités ; non seulement réalisateur, mais aussi critique, scénariste, adaptateur, producteur… Cela implique également de renouveler l’approche de l’œuvre par la diversification des sources consultées. Enfin, cela conduit à envisager les films non plus comme l’expression singulière de l’univers personnel d’un sujet individuel, mais comme des ensembles traversés par des discours et des représentations. Illustrées par des documents rares ou inédits, les vingt communications ici rassemblées rendent compte de ces trois types d’approche et renouvellent notre connaissance d’un cinéaste trop longtemps délaissé par les historiens du cinéma, récemment redécouvert grâce à la restauration de quelques-uns de ses films et à la publication de ses Écrits sur le cinéma (Institut Jean Vigo, 1996).
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James Dean
- Jean-Philippe Guerand
- 2005, Gallimard
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« Un acteur doit interpréter la vie, et pour y parvenir, se livrer à toutes les expériences qu'elle lui offre. Mais il doit exiger plus que cette offre. Au cours de sa brève existence, l'acteur doit apprendre à s'éveiller à la vie, et dans ce combat il doit être un surhomme. » James Dean (1931-1955) a connu la gloire en l'espace de trois films. Sorti au lendemain de l'accident de voiture qui lui coûta la vie, La Fureur de vivre mit en évidence le malaise de toute une génération. Cinquante ans plus tard, le phénomène d'identification avec un comédien qui voulut cautériser les plaies de son enfance en multipliant les signes de rébellion est toujours aussi vivace.
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Jean Benoit Lévy ou le corps comme utopie
- Valérie Vignaux
- 2007, AFRHC
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À partir des engagements et de la filmographie du cinéaste Jean Benoit-Lévy (1888-1959), l’ouvrage retrace les modalités d’une politique publique en faveur du cinéma éducateur, dans l’entre-deux-guerres en France. Au lendemain de la Grande Guerre, des politiques et des intellectuels, puisant leur modèle théorique chez les Encyclopédistes ou les Vulgarisateurs, affirment les vertus didactiques des images et militent sous couvert de la Société des Nations pour que soit généralisé l’emploi du cinéma dans l’enseignement, mais aussi dans l’éducation populaire à destination des adultes. Le cinéma, spectacle de masse, leur paraît le médium le plus approprié pour informer les populations des réformes instituées en leur faveur. Des commissions sont mises en place au sein des ministères : Instruction publique, Santé et Agriculture pour veiller à la réalisation de sujets aux contenus spécifiques et faciliter leur diffusion à travers le territoire national. Leur mise en œuvre est principalement confiée à Jean Benoit-Lévy qui réalise près de 300 films, courts mais aussi longs métrages, documentaires ou fictions, à des fins d’éducation. L’étude de cet ensemble témoigne en images animées des mutations qui, à travers ses classes populaires, ébranlent la société française de l’entre-deux-guerres : évolution de la place des femmes, « rationalisation » de l’agriculture ou abandon progressif de la petite industrie. Une œuvre singulière, réalisée à des fins de propagande, qui constitue un des premiers temps du cinéma documentaire en France. Replacée dans son contexte institutionnel, elle retrouve la place qui était la sienne dans cette période encore peu étudiée du cinéma français.
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Jean Gabin
- Claude Gauteur and Ginette Vincendeau
- 2006, Nouveau Monde
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Acteur mythique, Jean Gabin est peut-être la plus grande star du cinéma hexagonal. Cet ouvrage tente de retracer ce qu'a été, des années 1930 à nos jours, sa place dans la culture cinématographique des Français. La première partie offre une rétrospective minutieuse de sa carrière, à l'aide de documents et témoignages de première main. Deux figures jalonnent ce parcours : celle du jeune homme révolté de l'époque du Front populaire, héros du réalisme poétique défendu par Carné, Renoir... et celle du sexagénaire bougonnant des années 1960, héros conservateur de l'ère gaullienne finissante. La seconde partie décrypte le mythe Gabin sous trois aspects-clés de l'acteur : la star fidèle au personnage qu'elle s'est fabriqué ; le Français capable d'incarner tout un pays dans la diversité de ses contradiction et un certain modèle de masculinité. Cette diversité de points de vue permet de comprendre comment, à des époques et dans des circonstances très différentes, Gabin a su fédérer, incarner et fasciner les Français. Date de première édition : 1993.
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Jean Gabin inconnu
- Jean-Jacques Jelot-Blanc
- 2014, Flammarion
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Artiste de music-hall, résistant, flic, voyou, grand bourgeois, Jean Gabin a joué tous les rôles. Pourtant, l’homme aux 85 millions de spectateurs et aux plus de 90 films reste un mystère. Cette grande biographie de celui dont Jean Renoir disait qu’il était « un acteur unique » lève le voile sur la vedette aux multiples chefs-d’œuvre, de Pépé le Moko au Clan des Siciliens, en passant par La Grande Illusion, Le Quai des brumes, ou encore Un singe en hiver. L’homme discret dont la puissante silhouette, les pesants silences et les grands yeux bleus ont marqué le cinéma français, a enflammé le cœur des femmes, Michèle Morgan, Marlène Dietrich et d’autres. Mais, délaissant ses folles amours, Gabin finira par mener une vie de famille exemplaire avec Dominique et leurs enfants. Après des années de recherches et d’entrevues, l’auteur retrace ici l’épopée incroyable d’un gamin de Clignancourt devenu grand, et livre un vibrant hommage à ce comédien qui a incarné mieux que quiconque un cinéma populaire et sincère. Un sacré gars, le Gabin.
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Jeanne Moreau
- Marianne Gray
- 2017, Nouveau Monde
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Star essentielle du cinéma français pendant près de sept décennies, célébrée dans le monde entier à sa disparition, Jeanne Moreau a toujours vécu et choisi ses rôles sans concession. Cette biographie, puisée aux meilleures sources, est le fruit d’une enquête de plusieurs années, de très nombreux entretiens avec Jeanne Moreau elle-même et avec ses proches. Elle s’y révèle dans toutes les contradictions de ses nombreuses facettes : la femme volatile, énergique, fragile, passionnée ; l’amie des artistes et écrivains, tels Gide, Picasso, Henry Miller, Anaïs Nin, Genet, Cocteau ou plus récemment Étienne Daho ; l’actrice à la fois « cérébrale » et sensuelle de Malle, Truffaut, Renoir, Welles mais aussi l’alliée des jeunes réalisateurs, celle qui n’hésitait pas à soutenir des projets difficiles et à se mettre en danger ; à la ville l’égérie du couturier Pierre Cardin et l’épouse du réalisateur de L’Exorciste William Friedkin, l’amante de quelques autres… Voici enfin le portrait cinéphile, à la fois intime et pudique, d’une très grande dame du cinéma qui ne cachait rien de ses bonheurs comme de ses blessures.
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Jeanne Moreau
- Marianne Gray
- 2010, Nouveau Monde
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Star essentielle du cinéma français depuis un demi-siècle, célébrée dans le monde entier, Jeanne Moreau a toujours vécu et choisi ses rôles sans concessions. Voici la réédition de sa première biographie « à l’anglo-saxonne », puisée aux meilleures sources, résultat d’une enquête de plusieurs années, de très nombreux entretiens avec Jeanne Moreau elle-même et avec ses proches. Pour la première fois, elle se révèle dans toutes les contradictions de ses nombreuses facettes : la femme volatile, énergique, fragile, passionnée ; l’amie desartistes et écrivains, tels Gide, Picasso, Henry Miller, Anaïs Nin, Genet, Cocteau; l’actrice à la fois « cérébrale » et sensuelle de Malle, Truffaut, Renoir, Welles, mais aussi l’alliée des jeunes réalisateurs, celle qui n’hésite pas à soutenir des projets difficiles et à se mettre en danger ; à la ville, l’égérie du couturier Pierre Cardin et l’épouse du réalisateur de L’Exorciste, William Friedkin, ou l’amante émancipée de quelques autres. Voici enfin le portrait cinéphile, à la fois intime et pudique, d’une très grande dame du cinéma qui ne cache rien de ses bonheurs comme de ses blessures. Date de première édition : 2003.
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Jouer l'actrice
- Jean-Loup Bourget and Françoise Zamour
- 2017, Éditions Rue d'Ulm
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Le principe de construction du volume fait alterner des textes qui prennent en compte, sous un aspect particulier, l’ensemble du champ de recherche ouvert par la thématique « jouer l’actrice », et des articles qui se proposent d’étudier une modalité particulière de l’incarnation de l’actrice par une actrice, qu’elle soit réelle ou imaginaire. Dans un premier temps, les auteurs ont choisi de mettre en avant le caractère particulier de cette représentation de l’actrice : le genre, toujours au sens gender. Une actrice, c’est d’abord une femme au cœur d’une industrie dominée essentiellement par les hommes. La deuxième section du livre est consacrée au travail de l’actrice. Il impose d’envisager la relation qui unit, ou sépare, l’actrice et le réalisateur. L’interaction entre actrice et réalisateur oscille souvent entre collaboration émancipatrice et domination patriarcale. Les contributions de la troisième partie mettent au premier plan la préoccupation, voire la menace, que représente le passage du temps. Le vieillissement est le principal prédateur de l’actrice, mais le temps de l’histoire du cinéma n’est pas absent non plus de la problématique, notamment celui des crises et des mutations du médium. Enfin, une actrice qui « joue l’actrice » se joue toujours un peu elle-même, aussi la question comporte-t-elle un aspect autobiographique qu’ont mis en avant plusieurs des contributeurs. Support privilégié de l’imaginaire, l’actrice magnifie une femme toujours changeante, toujours redécouverte par son spectateur, toujours réinventée, par les auteurs et les metteurs en scène, mais d’abord par elle-même.
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Satyajit Ray, feu mon père, publia en 1976 son premier recueil d’articles en anglais. Our Films Their Films demeura son unique livre sur le cinéma en cette langue jusqu’à la parution du présent volume – qui comprend des articles écrits à partir de 1949, donc avant qu’il ne devienne cinéaste. Il y avait déjà quelque temps déjà que notre Société avait décidé de réunir en un livre (ou plusieurs) les articles de mon père publiés, de manière dispersée, dans différents journaux et magazines dans notre pays et à l’étranger. Mais nous n’avions pas la moindre idée de leur nombre exact. Mon père n’a jamais pris un soin méticuleux de ses textes publiés. Nous avions, toutefois, dans nos archives, un petit nombre d’articles. Pour les autres, nous avons lancé une recherche qui s’est avérée difficile car la plupart des quotidiens et périodiques où ils avaient paru avaient cessé d’exister. Au bout du compte, nos efforts nous ont permis de retrouver un certain nombre d’essais et d’entretiens, de longueur variable, qui semblaient fournir, par leurs qualités, la matière d’un livre digne de ce nom. La recherche se poursuit. Ces textes, qui étaient depuis longtemps inaccessibles aux lecteurs contemporains, offrent des aperçus révélateurs sur l’évolution de la pensée de mon père sur certains aspects du cinéma comme art visuel, sur son propre métier de cinéaste et sur son point de vue sur ces autres grands réalisateurs que sont Chaplin, Bergman, Godard et Antonioni. Sandip Ray
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Kinojudaica
- Valérie Pozner and Natacha Laurent
- 2012, Nouveau Monde
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Au-delà de quelques titres célèbres comme Un bonheur juif ou Les Chercheurs d’or, les films russes et soviétiques traitant de la thématique juive restent très peu connus. Et pourtant, évoquée de manière frontale ou allusive à travers la situation des Juifs en URSS ou à l’étranger (dans l’Allemagne du IIIe Reich notamment), sous forme de documentaires ou de fictions, cette thématique concerne plusieurs centaines de longs et courts métrages, réalisés dans les studios de Russie, d’Ukraine et de Biélorussie. Cette production témoigne à la fois du rôle important joué par les Juifs dans le cinéma de Russie et d’Union soviétique, mais également des ambiguïtés de la politique soviétique à leur égard, hésitant entre volonté d’intégration et d’assimilation, promotion des cultures nationales, et politique de discrimination. Expliquer les raisons et enjeux politiques de la présence de la thématique juive dans la production russe et soviétique, relier les grands cycles de l’histoire juive de la Russie tsariste puis de l’URSS à ses représentations cinématographiques, et éclairer les différents discours concernant l’identité juive et leur traduction dans les films, tels sont les principaux objectifs de cet ouvrage fondé sur l’exploitation d’archives et de documents inédits. À travers les approches croisées d’historiens du cinéma, de spécialistes de la judéité et de chercheurs en esthétique, il vient combler un vide historiographique, propose une passionnante exploration de ce champ méconnu du 7e art et de l’histoire juive, et s’accompagne d’une riche sélection iconographique ainsi que de filmographies inédites. Date de première édition : 2009.
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L'Avant-garde au cinéma
- François Albera
- 2005, Armand Colin
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De 1995 à 2005, Lars von Trier et ses amis ont fait scandale par l'intransigeance de leurs manifestes, des déclarations provocantes à l'endroit de l'industrie du cinéma et des films censés appliquer leur programme. Ils proclamaient par là leur appartenance à une nouvelle « avant-garde », le Dogme. Ce mouvement, écartelé entre parodie et radicalité, a aujourd'hui vécu, mais il n'en a pas moins affiché les traits distinctifs d'une position au sein du champ cinématographique et de la société, dont les premières manifestations remontent au début des années 1920 : violence rhétorique, renversement des valeurs, politique de groupe, d'emblée pensée comme internationale, dépassement de l'art dans la vie. Ce livre entend reprendre la question de « l'avant-garde au cinéma » en s'interrogeant sur ses conditions de possibilité à la fin du XIXe siècle où la catégorie émerge dans les arts, en même temps que le cinématographe – qui ne peut y participer étant donné la nature du spectacle qu'il propose et ses modalités de production. Comment dès lors les avant-gardes artistiques ont-elles appréhendé le cinéma qui leur était extérieur, et comment celui-ci a-t-il vu se développer des positions d'avant-garde en son sein ? Dès les années 1920, on a voulu réduire l'avant-garde à un style, une école, un genre, avant de la cantonner dans le territoire à part d'une bohème ou, au contraire, on a souhaité voir « l'avant-garde nouvelle » s'inscrire dans le renouvellement du cinéma institutionnel (Astruc, 1946, Bazin, 1952). Ainsi, l'avant-garde n'a-t-elle de cesse de « finir » et de « revenir » dans les antagonismes qui sont loin de n'être qu'esthétiques.
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L'Homosexualité dans le cinéma français
- Alain Brassart
- 2007, Nouveau Monde
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Jusque dans les années 1950, l’homosexuel est peu représenté en France. Seule la fin de la décennie suivante et l’émergence des mouvements de libération gays permettent aux personnages homosexuels d’apparaître au cinéma, souvent représentés sous les traits d’une caricature féminine. C’est la Cage aux folles qui mettra en scène le premier couple gay en 1976.A partir des années 1980, l’assouplissement des mœurs permet à des réalisateurs gays de porter à l’écran leurs propres réflexions sur leur place dans la société en développant parallèlement une esthétique singulière. L’Homme blessé (P. Chéreau, 1980), largement inspiré de l’univers de Jean Gente, annonce un « cinéma d’auteur » qui va mettre en scène une « homosexualité noire » - de J’embrasse pas (A. Techiné, 1991) à Wild Side (S. Lifshitz, 2004). Le « cinéma populaire », quant à lui, ne cesse de réutiliser le stéréotype de la « folle » à l’instar de Pédale douce (G.Aghion, 1996), ou de Chouchou (M. Allouache, 2002). Des films comme Le Placard (Veber, 2001), malgré les stéréotypes qu’il véhicule, laissent entendre que l’homosexualité serait largement tolérée dans la société française contemporaine. Pourtant, certaines violences verbales au moment du vote du Pacs en novembre 1999, semblent démontrer le contraire. Enfin, depuis quelques années, OlivierDucastel et Jacques Martineau mettent en scène une homosexualité « tranquille » qui, de Drôle de Félix (1999) au récent Crustacés et coquillages, surprend les critiques français voire les déstabilise. C’est cette diversité et cette évolution que cet essai tente de comprendre. Son ambition est d’analyser l’esthétique des représentations cinématographiques des homosexuel(le)s dans les films français et de décrypter l’imaginaire collectif de la société française. Mais cette approche ne se limite pas au thème de l’homosexualité et prend en comte les rapports sociaux et la (dé) construction de l’identité masculine.
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L'image et son interprétation
- Martine Joly
- 2005, Armand Colin
- Show Description Hide Description
L'interprétation des messages visuels et audiovisuels est une activité psychique de conversion et de conservation de données encore mystérieuse. Si l'analyse des messages eux-mêmes, en relation ou non avec leur contexte de production et de réception, nous renseigne sur ce qu'ils offrent à percevoir, elle ne nous informe pas pour autant sur ce que le destinataire du message, qui l'interprète, en comprend et en retient. En présentant des analyses de discours tenus sur les images par la presse, la critique ou la littérature en alternance avec des études d'images variées, issues du cinéma, de la presse ou encore de la télévision, ce livre met en évidence les attentes du spectateur et les manifestations de leur satisfaction ou de leur déception. Il montre que, quelle que soit leur nature (documentaire ou fiction), les œuvres sollicitent des types d'adhésion relevant le plus souvent du « croire » et dont la mémorisation est modulée selon l'engagement et la réceptivité du spectateur, finalement plus autonome que manipulé, plus séduit que victime. Par cette approche originale de compréhension des mécanismes de l'interprétation des images, cet ouvrage intéressera tous ceux qui analysent les modalités de la communication et de la signification visuelles. Date de première édition : 2002.
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L'intimité à l'écran
- Alain Brassart
- 2017, Nouveau Monde
- Show Description Hide Description
La sexualité à l’écran est devenue omniprésente, mais a-t-elle cessé d’être un tabou ? Le cinéma pornographique, depuis la loi de 1975, reste ghettoïsé malgré les tentatives, parfois réussies, de certains cinéastes à intégrer des scènes explicites dans des films interdits aux moins de 16 ans. À l’inverse, de nombreux longs-métrages de fiction représentent l’amour physique de manière elliptique à l’instar des films des années 1950 soumis à la censure. Le cinéma peine à représenter les préliminaires mais aussi la jouissance, surtout féminine, qui apparaît souvent de manière caricaturale. Ainsi les représentations cinématographiques de la sexualité sont encore trop souvent archaïques. Cette étude embrasse tout le cinéma français de l’après-guerre jusqu’à nos jours. Elle porte une attention particulière aux films qui ont fait scandale, et dont elle analyse la réception critique, ainsi qu’à quelques stars, symptômes de l’érotisation des sociétés occidentales modernes.
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L'écriture cinématographique
- Pierre Maillot
- 1997, Armand Colin
- Show Description Hide Description
L'auteur définit le cinéma, moyen d'expression personnelle, comme un art, non par ce qu'il montre mais par la façon de montrer. Pour apprendre cette écriture et apprendre à la lire, il aborde successivement les matériaux narratifs profilmiques, la réalité cinématographique, la construction du scénario, découpage et montage. Le matériau narratif. Les décors. Les temps. Les personnages. Actions, situations, segments narratifs. Le matériau cinématographique. Les lieux d'origine, le corps, la voix. Le cinéma et les autres arts. Les signifiants cinématographiques. La narration cinématographique. Position de la question. Le synopsis. Le scénario. Date de première édition : 1988.
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La Bible du scénariste
- Marie-France Briselance and Jean-Claude Morin
- 2018, Nouveau Monde
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Grammaire du cinéma, Le Personnage et Leçons de scénario sont trois ouvrages essentiels pour comprendre l’écriture cinématographique. Enfin réunie en un seul volume indispensable aux scénaristes comme aux cinéphiles, cette trilogie magistrale dévoile tout l’art du film. D’Edison à Kubrick, en passant par Hitchcock, Welles ou Godard, la « Grammaire du cinéma » identifie, à travers plus de 300 films de 1891 à nos jours, les figures de style propres au talent de chaque cinéaste. Leurs héros s’inspirent des principales figures mythologiques. Qu’il soit vertueux, traître ou lâche, « Le personnage » fictionnel répond à un schéma ancré dans la légende. Si le cinéma emprunte à l’Histoire, il trouve aussi ses ressorts dans le théâtre. Dans « Leçons de scénario », on découvrira, appliquées au cinéma, les 36 situations dramatiques et leurs combinaisons recensées par Georges Polti pour la scène (venger un proche, aimer l’ennemi...). Bien des manuels prétendent enseigner les techniques et ficelles du scénario. Cette anthologie, complètement à part, va au-delà : c’est ici toute la culture générale du 7e art qui est rassemblée, de l’art de raconter des histoires.
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La Critique de cinéma en France
- Michel Ciment and Jacques Zimmer
- 1997, Ramsay
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La critique de cinéma en France est-elle une espèce en voie de disparition ? Certains s'en réjouiraient qui rêvent d'une société du spectacle où le lancement des films serait assuré exclusivement par les émissions promotionnelles à la télévision, les reportages de tournages, les entretiens et les articles de complaisance. D'autres le regretteraient, sachant que la critique, si elle n'a pas, le plus souvent, une influence immédiate, joue un rôle de découvreur, impose peu à peu des noms qui, s'ils viennent des marges de l'industrie, de pays lointains ou de cinématographies économiquement modestes, n'en ont pas moins contribué de manière décisive à l'histoire du septième art. Ce livre vient donc à son heure. Pour la première fois il retrace l'évolution de la critique de cinéma en France depuis ses débuts à l'orée des années 1920 jusqu'au temps présent. Il offre aussi des textes majeurs de réflexion sur la critique ainsi que quarante-cinq exercices pratiques où, de Delluc à Truffaut, d'Audiberti à Bory, de Bazin à Sadoul, de Benayoun à Daney, on voit combien la passion, l'intuition et l'intelligence peuvent éclairer à chaud des œuvres aussi diverses que Pierrot le fou, Le Roman d'un tricheur, Amarcord, L'Année dernière à Marienbad, Fenêtre sur cour, Les Fraises sauvages, Allemagne année zéro ou Les Ailes du désir. Enfin un dictionnaire recense plus de trois cents critiques avec des notices bio-bibliographiques aussi complètes que possible. Fruit d'un travail collectif, cet ouvrage, sans équivalent dans le monde, est une contribution majeure à l'histoire des idées et des sensibilités.
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La distribution cinématographique en France
- François Garçon
- 2006, CNRS
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Entre le producteur et les exploitants se trouve un personnage pivôt : le distributeur. À lui de promouvoir les films auprès du public, de négocier le calendrier de sortie avec les salles, d’assurer la remontée des recettes vers les producteurs. C’est encore lui qui, en amont et grâce à son à-valoir, aura financé le film. Bref, sans distributeur, pas de cinéma. Ce livre aborde pour la première fois l’histoire de ce métier, depuis 1907, année où Charles Pathé lance l’activité jusqu'en 1957, où le cinéma français amorce une nouvelle mutation. Dans l’intervalle, le distributeur aura dû batailler contre les auteurs et les réalisateurs, soucieux de protéger leurs droits, et contre les producteurs, hostiles à l’intrusion de celui qu’ils considèrent comme un marchand dans la création artistique. Au cours de ce demi-siècle, le distributeur aura encore affronté la Première Guerre mondiale et ses effets dévastateurs, l’entre-deux-guerres et les offensives répétées des majors américaines, puis les années d’Occupation où une autre cinématographie prend pied dans les salles françaises pour enfin rebatailler, à la Libération, contre les grands films hollywoodiens. Cet ouvrage montre comment, à chaque époque, le distributeur a défendu et développé son activité, la rendant indispensable.
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La firme Pathé frères
- Michel Marie and Laurent Le Forestier
- 2004, AFRHC
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Pathé Frères, bien qu’exerçant une position oligopolistique sur la production mondiale de films avant 1914 est, aujourd’hui encore, une firme fort mal connue. Ce volume présente l’état des recherches sur le sujet, à travers trente-quatre études menées par des chercheurs de douze nationalités différentes qui analysent la distribution des films Pathé dans autant de pays. Elles ont été regroupées selon l’approche économique et commerciale, institutionnelle, langagière ou esthétique.
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Les coulisses politiques du cinéma soviétique de la mort de Staline à Gorbatchev. 1953 : avec la mort de Staline s’achève l’ère du « réalisme socialiste » soviétique. L’étau se desserre enfin sur la production cinématographique. À l’interdiction brutale et spectaculaire longtemps pratiquée par le « petit père des peuples », se substitue une forme de censure subtile et complexe. Pourquoi certains films ne représentant rien de répréhensible sont-ils censurés, tandis que d’autres, plus subversifs, sont réalisés ? Martine Godet signe la première étude de fond sur cette gestion politique de l’image par un régime autoritaire en crise. Dans les années 1960-1970, après le dégel kroutchevien, une nouvelle vague de répression s’abat sur les réalisateurs. Certains films resteront bloqués des années durant : La Commissaire d’A. Askoldov (1967), La Vérification d’A. Guerman (1971), Longs adieux de K. Mouratova (1971)… Et les cinéastes joueront un rôle de premier plan dans la perestroïka, dont le coup d’envoi sera donné par l’incroyable Ve congrès de l’Union des cinéastes, en mai 1986, qui décide la suppression de toute censure à l’écran. Une fresque passionnante sur le septième art soviétique à une période charnière de son histoire.
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La rencontre des langues dans le cinéma francophone : Québec, Afrique subsaharienne, France,Maghreb
- John Kristian Sanaker
- 2010, PU Laval
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La francophonie est, partout dans le monde, caractérisée par le contact du français avec d’autres langues. Cet ouvrage présente un aspect particulier de cette rencontre des langues, à savoir la mixité langagière du cinéma francophone. À partir de l’analyse d’un corpus de plus de cent films, nous nous proposons de montrer comment cet hétérolinguisme cinématographique est propre à véhiculer un contenu historique et culturel riche en significations. Une attention particulière est portée à la confrontation entre le francais et l’anglais au Québec, à la fonction de la langue de l’ancien colonisateur face aux langues africaines en Afrique subsharienne après les indépendances, et au rapport entre le français et l’arabe dans des films de fiction sur la guerre d’Algérie.
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Il n’y a pas de cinématographe sans cliché, il n’y a pas de cinéphilie sans objet film culte – d’où le choix de la Dolce Vita en couverture de cet opus. Avant que l’eau puisée dans « l’hollywood sul tevere » baptise le chef-d’œuvre absolu de Federico Fellini, le cinéma italien, tel un astre clair-obscur, avait atteint de nombreuses apogées et connut sa révolution (au double sens astronomique et historique, cf. Rome, Ville ouverte de Roberto Rossellini). Les valeurs sûres du néoréalisme ont laissé la place à des signatures qui surplombent encore le cinéma italien d’aujourd’hui. Il faut donc saluer l’immense travail de Mary P. Wood. Mieux qu’une cartographie scolaire des différentes étapes et/ou récifs qui trament l’histoire d’une cinématographie complexe, l’auteur invente de nouveaux repères : succédanés américains, « filones », peplums, porno soft, horreur, intrigues politiques, divas et divos, producteurs démiurges et acteurs-icônes (Alain Delon doit son statut de star autant à Luchino Visconti et Michelangelo Antonioni qu’à Jean Pierre Melville, et Clint Eastwood, salué aujourd’hui comme le meilleur réalisateur américain, doit sa gloire universelle à la trilogie western de Sergio Leone) et s’immerge totalement dans cette entreprise fleuve. Des décors-monuments de Cabiria aux productions sur mesure de Sacher films, entreprise de production – réalisation – exploitation artisanale de Nanni Moretti, en passant par les épopées bertolucciennes, sans oublier la figure du diable et de ses antennes satellites, cet essai exhaustif cadre définitivement son sujet et raconte l’histoire passionnante de celles et ceux qui non seulement ont vogué sur le navire « e la nave va », mais continuent d’irriguer la fontaine de Trevi.
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Le Cinéma des Français
- Jean-Pierre Jeancolas
- 2005, Nouveau Monde
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Début du parlant, explosion du réalisme poétique : les années trente sont sans doute l'époque la plus brillante du cinéma français. Auteurs prestigieux (Clair, Duvivier, Renoir, Carné...) et acteurs mythiques (Gabin, Raimu, Michèle Morgan...) ont ancré leurs films dans la culture nationale. Ces œuvres ne sont pas seulement des fictions : elles permettent d'esquisser une autre histoire, cinématographique, de la France et des Français pendant cette période contradictoire qui voit la montée des fascismes, le Front Populaire et l'Occupation. Cet ouvrage devenu un classique longtemps introuvable est réédité dans une version corrigée par l'auteur. Date de première édition : 1979.
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Le Cinéma des années Reagan
- Frédéric Gimello-Mesplomb
- 2007, Nouveau Monde
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On connaît la boutade de Raoul Walsh à propos des trois éléments essentiels du cinéma : " Action, action, and... action ". Dans les années 1980, Hollywood produit quantité de films dans lesquels l'action devient le principal moteur narratif. Ces divertissements qui mettent en scène, sur fond d'esthétique publicitaire, des thèmes comme la revanche sur la guerre du Vietnam (Rambo, Missing in action, Delta Force...), la condamnation des déviances de la société américaine (Cobra, Robocop, Death Wish, Dirty Harry...), ou la figuration manichéenne de héros victorieux (Rocky, Die Hard, Conan the Barbarian...), sont très vite considérés comme les " porte-avions " de la propagande reaganienne. Au croisement des études américaines, des études cinématographiques, de la sociologie et de l'histoire, une nouvelle génération de chercheurs dresse le bilan de cette production en s'attachant notamment aux phénomènes de réception populaire. Cet ouvrage analyse les rouages du système de production des films à grand spectacle et observe à travers eux l'édification d'une mythologie hollywoodienne de la société américaine des années 1980. L'engouement du public - mais aussi l'étonnante longévité commerciale de ces films - pose la question des différences culturelles et des modes de pensée mis en uvre pour comprendre la réception du film de genre de part et d'autre de l'Atlantique.
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Le Cinéma en France à la veille du parlant
- Dimitri Vezyroglou
- 2011, CNRS
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1928 : le cinéma muet est à son apogée. Le public se déchire au sujet du Napoléon d’Abel Gance, et s’enthousiasme pour Un chapeau de paille d’Italie de René Clair. Le muet vit pourtant ses dernières heures. L’année suivante, la déferlante du parlant le reléguera dans les limbes. C’est ce « moment 1928 » qu’étudie, à travers le cinéma, Dimitri Vezyroglou, dans un essai pionnier à la croisée de l’histoire culturelle et de l’histoire des mentalités. Car les thèmes abordés par le septième art, en cette année charnière, tendent à la société française son propre miroir : vision idéalisée et passéiste des communautés villageoises, optimisme scientiste, condamnation des mœurs « déviantes » et dénonciation du « vice », figure récurrente de l’escroc et de l’aventurier sans scrupule, hantise de la maladie, stéréotype de l’Américain riche et de l’Allemand retors, rêve d’héroïsme guerrier… Tandis que s’achèvent les années folles, le cinéma se fait l’expression des attentes, des désirs et des peurs d’un pays déchiré entre la peur du changement et la foi dans le progrès. Un regard nouveau et une étude ambitieuse sur la « fin de l’après-guerre » à travers le cinéma.
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Le Cinéma et la guerre d'Algérie
- Sébastien Denis
- 2009, Nouveau Monde
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Entre les événements de Sétif en mai 1945 et l'indépendance de l'Algérie en juillet 1962, près de trois cents films civils et plusieurs dizaines de films militaires ont été produits sur l'Algérie, relevant tous du « documentaire de propagande ». Durant une première période 1945-1954, il s'agissait pour l'État de montrer son action envers les populations musulmanes. A partir de 1954-55 et jusqu'en 1958, le contexte algérien entraîne un recul logique des institutions publiques envers les producteurs privés, au profit du Service Cinématographique des Armées. Dans un premier temps, c'est avant tout dans un but civil que les opérateurs militaires vont couvrir les « événements » d'Algérie à partir de l'été 1955. C'est des Etats-Unis que va venir la découverte d'une forme de communication politique encore inédite. On met en chantier une série de films destinés à sensibiliser l'opinion publique américaine sur l'affaire algérienne, Algerian Portfolio. A l'action mesurée des Français, répond une action beaucoup plus ferme du FLN consistant à retourner les arguments de la propagande française (sur l'Algérie, l'Armée de libération nationale [ALN] et les pertes de l'armée française) auprès de l'opinion publique internationale. Le choc est immédiat dans les médias et contribue à marginaliser la France au niveau mondial. Le cinéma reste le meilleur moyen de propager de l'autre côté de la Méditerranée la nouvelle idéologie algérienne de la France, avec des films tournés dans un style « reportage » s'approchant davantage de la télévision que du film de propagande traditionnel, avec une esthétique plus accessible issue des magazines télévisés à la manière de Cinq colonnes à la une. Dès lors, le SCA, et surtout des producteurs privés, produisent des films qui illustrent en Algérie (et en France par le biais de la télévision) le nouveau discours gouvernemental, mettant en valeur non plus la relation de l'Algérie à la France et la supériorité induite des Européens sur les musulmans, mais au contraire la prédominance des musulmans dans leur pays, et dès lors les efforts de grande ampleur de la France (le plan de Constantine et ses « mille villages ») pour faire de l'Algérie un pays moderne.
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Le Cinéma italien appassionato
- Georges Ayache
- 2016, Éditions du Rocher
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Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Alberto Sordi, Luchino Visconti, Anna Magnani, Vittorio De Sica, Federico Fellini... Des noms illustres qui incarnent aujourd’hui encore la diversité et la vitalité du cinéma italien d’après-guerre. Jusqu’au milieu des années 1970, Cinecittà aura réuni une floraison exceptionnelle de talents en tous genres : acteurs, réalisateurs mais aussi scénaristes, compositeurs ou encore producteurs. Leurs films auront surtout donné lieu à une identification saisissante entre ce cinéma et la société dans laquelle il se sera développé. Les drames comme les comédies « à l’italienne » racontent la reconstruction exaltante du pays au sortir de la longue période fasciste, le miracle économique des années 1960, le malaise existentiel d’une société traditionnelle face au choc de la modernité, les problèmes sociaux... Mais par-dessus tout une irrépressible joie de vivre, cette gioia di vivere et une extraversion qui, au-delà des clichés et des caricatures, restent la marque de fabrique de cette Italie. Aujourd’hui, ce cinéma flamboyant que nous avons tant aimé n’existe plus, mais il nous a laissé en héritage une certaine idée de la nostalgie. C’est l’histoire de ses talents qui est contée ici à la manière d’un roman foisonnant, pour le public qui fut le sien : non pas celui des spécialistes, mais celui des passionnés.
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Le Cinéma par ceux qui le font
- Yves Alion and Gérard Camy
- 2010, Nouveau Monde
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Qui n’a jamais rêvé de visiter un plateau de tournage, d’assister aux répétitions, aux prises de vues, d’observer comment le réalisateur, le producteur, les techniciens et les acteurs donnent vie à un film, bref d’entrer dans les coulisses du cinéma ? Cet ouvrage, illustré de plus de 230 photos, accompagne les plus grands professionnels et visite l’envers du décor. Il permet de redécouvrir les spécificités et les mécanismes de chaque métier du cinéma. Du producteur à l’exploitant, du réalisateur au projectionniste, 30 professions, connues ou méconnues, sont ainsi mises en lumière, avec entre autres le storyboardeur, le costumier, la scripte, le directeur de casting, le machiniste, etc. C’est à travers autant d’entretiens avec des figures de la profession (Alain Corneau, Sandrine Bonnaire, Christophe Rossignon, Pierre-William Glenn, Francis Lai, etc.) que ce livre vous invite au cœur du cinéma grâce à ceux qui jouent un rôle essentiel dans la construction et la réussite d’un film.
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Le Cinéma, Un art de la complexité
- Edgar Morin
- 2018, Nouveau Monde
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En 1952, Edgar Morin intègre le CNRS, où il fait ses premières recherches et études en sociologie du cinéma, et entre à l’Institut de filmologie à la Sorbonne. Dix ans plus tard, il écrit le journal de tournage du film qu’il coréalise avec Jean Rouch, Chronique d’un été. Entre ces deux dates, il publie dans différentes revues académiques ou critiques une quarantaine d’articles, tous consacrés au cinéma. Ces textes – pour la plupart introuvables aujourd'hui – s’ajoutent à deux études cinématographiques inédites sur l’étranger et la mort pour composer une étonnante constellation. Le cinéma d’Edgar Morin est un media révélateur de l’Homme et de la société. Dans ses articles incisifs et prospectifs, il analyse – comme le fait Roland Barthes à la même période – les mythologies du monde contemporain. En tension entre technique et magie, art et industrie, standardisation et créativité, individus et communautés, sa théorie filmique fait du spectateur le socle mouvant d’une expérience concrète du temps et de l’histoire. Cet ouvrage s’attache aux quêtes sensibles d’Edgar Morin. Après L’Homme et la mort et avant La Méthode, le cinéma est pour lui un champ d’investigation qui interroge le « comment » de la vie, un cinéma-essai, un art de la complexité.
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Le Cinémascope : entre art et industrie
- Jean-Jacques Meusy
- 2004, AFRHC
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Trois quarts de siècle après l’invention par l’astronome Henri Chrétien de l’Hypergonar, pièce maîtresse du CinémaScope, et un demi-siècle après le lancement du procédé par la Twentieth Century Fox, il est intéressant de se pencher sur l’étonnante aventure de cette innovation et sur l’influence qu’elle a eue sur l’évolution du cinéma. Éric Rohmer, revenant en 2000 sur l’enthousiasme qui fut le sien lorsqu’il s’appelait encore Maurice Schérer, nous incite à revisiter cette page de l’histoire du cinéma qui n’est pas encore tournée. On constate en effet, depuis quelques années, un regain d’intérêt des producteurs et des réalisateurs pour les tournages avec des optiques anamorphiques, peut-être sous l’influence du 16/9 télévisuel. Il n’est pas jusqu’à certains tournages en technologie numérique qui n’aient recours à l’anamorphose. Cette réflexion sur le CinémaScope, engagée ici par une pléiade d’auteurs français et étrangers, permet aussi d’éclairer les interrogations fondamentales soulevées par le cinéma en général, notamment concernant les rapports du spectateur à l’image.
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Le Comédien désincarné
- Louis Jouvet
- 2009, Flammarion
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Voilà longtemps déjà que je pratique mon métier, que je le ressens, le surveille comme on surveille une habitude ; il me pénètre, et j’ai pris cette manie d’en chercher les effets en moi et dans les autres, d’en surveiller les manifestations. Tout le théâtre, cet état dramatique en moi, cette habitude de penser et de sentir pour les autres, par les autres et à travers moi-même, cette attitude vis-à-vis d’un tiers offert, de ce tiers qu’est le public, et vis-à-vis de moi, ces reflets que j’en fais et dont je suis fait, ce comportement entre le soi que je suis et le moi que je me suis donné, à travers tant de personnages, tout cela est là, sensible, visible en moi, tout le long de ma journée, et je cherche à le penser, à le lier, à le raisonner, et à m’en expliquer l’agencement, les raisons. Je veux préciser mes sensations, je note dans mes lectures des reflets de mes états (Proust), j’écris des notes, et la vanité de m’exprimer moi-même me rattrape, me rejoint, me retrouve dans ce moment de ma carrière où j’ai découvert cependant (depuis longtemps déjà) que l’acteur n’est qu’une table d’harmonie. Date de première édition : 1954.
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Le Festival de Cannes sur la scène internationale
- Loredana Latil
- 2005, Nouveau Monde
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« On peut voir dans ce livre le roman politique du Festival de Cannes, un livre qui loin d'être frivole s'appuie au contraire sur des faits précis, vérifiés, soumis à l'attention la plus vigilante. Une légèreté de plume au service d'un rigoureux développement historique qui s'étend sur près de quarante années. Du fait de ses recherches et de sa méthode d'historienne, Loredana Latil est devenue l'une des meilleures spécialistes du Festival de Cannes dans son fonctionnement interne comme dans son administration à travers les décennies. Le Festival, c'est-à-dire le cinéma, affronte ici de manière quasi permanente les vicissitudes mondiales, ruse avec les traquenards diplomatiques, contourne les explosions de mécontentement, triomphe lorsque la partie semble compromise. L'habileté dans la conduite du récit est d'avoir su jouer avec l'ordre chronologique sans abuser des retours en arrière, pas plus que des anticipations quelquefois obligatoires. » Gilles Jacob
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Le Muet a la parole
- Giusy Pisano and Valérie Pozner
- 2005, AFRHC
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Les textes réunis dans cet ouvrage concernent plusieurs histoires : celle des spectacles mixtes associant un élément enregistré et un élément performé en direct ; celle de la musique au cinéma, plus particulièrement sous la forme de la chanson ; celle de la technique des premiers procédés de synchronisme ; celle des modes de présentation et d'explication des images, via un support écrit ou un accompagnement oral. Ces histoires qui s'entremêlent, s'ignorent ou se concurrencent, ne peuvent s'envisager du seul point de vue de la forme sonore telle qu'elle s'est imposée à la fin des années 1920. La démarche inverse se révèle en revanche éclairante : en effet, le cinéma, dès son avènement, s'inscrit dans une longue tradition spectaculaire, à la fois populaire et savante, dont il intègre de multiples formes – pantomime, music-hall, café-concert, théâtre, spectacles de lanternes magiques, conférences de vulgarisation scientifique – à l'intérieur desquelles interagissent images, interventions sonores et écrites. Certaines pratiques sonores avaient déjà été expérimentées dans ces spectacles ; d'autres sont liées aux nouvelles technologies du XXe siècle naissant. L'observatoire privilégié des travaux réunis ici est la salle de spectacle elle-même : lieu de ces croisements d'ordre technique, esthétique, culturel, social, voire politique. En prenant place dans la salle, en adoptant le point du vue du spectateur, la dimension sonore du spectacle cinématographique de l'époque dite du « muet » apparaît dans toute sa diversité : machines et spectacle vivant, bruits, chansons, commentaires, réactions du public qui précédaient, accompagnaient ou s'intercalaient entre les images à l'écran. Ce livre replace le cinéma dans l'univers des spectacles et propose une (re)découverte de ces formes, pour la plupart oubliées, parfois restées sans postérité directe, mais dont on peut voir la résurgence de nos jours dans certaines pratiques artistiques expérimentales.
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Le Mythe Deneuve
- Gwénaëlle Le Gras
- 2010, Nouveau Monde
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La carrière de Catherine Deneuve est profondément ancrée dans une des spécificités du cinéma français, son ambition artistique. L'étude de la réception de ses films montre l'importance de cette « exception culturelle ». Deneuve incarne à sa manière la richesse du cinéma français : elle privilégie le cinéma d'auteur, tout en s'illustrant aussi dans un cinéma populaire de qualité. Sa filmographie extrêmement variée et son image de star se sont construites dès le début sur cette articulation. Partant de l'hypothèse que la longévité de la carrière de Catherine Deneuve repose sur une dialectique entre classicisme et modernité, cet ouvrage analyse la construction des différentes strates chronologiques et thématiques de son image pour en montrer la richesse et la complexité. Le choix de Catherine Deneuve comme sujet d'étude offre une diversité d'analyses, filmique, historique et socioculturelle, qui articulent les différents aspects de son image et de son évolution, par rapport à sa carrière (en prenant en compte les genres, les types de rôles, la cote critique, le box-office et le propre discours de la star sur elle-même), mais aussi par rapport à sa place face aux autres actrices françaises, au cinéma français, au statut des femmes dans le cinéma et dans la société et à l'évolution de la société en général.
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Le Personnage
- Jean-Claude Morin and Marie-France Briselance
- 2013, Nouveau Monde
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Rares sont les études autour du personnage de fiction, sujet pourtant passionnant par sa complexité et, surtout, sa genèse. Car, en effet, des Temps modernes à Avatar, en passant par Thelma et Louise, le personnage fictionnel dans toute sa diversité tire son -origine des ¬principales figures mythologiques. À travers l’exploration de sources tant historiques, théâtrales ou romanesques que cinématographiques, cet ouvrage nous explique comment la mythologie a fondé les grands archétypes de la dramaturgie. Personnages vertueux, victimes, traîtres, lâches ou même mystificateurs, tous répondent à un schéma ancré dans la légende égyptienne. Ainsi, la déesse Isis se reflète dans les épouses et mères modèles, tandis qu’Osiris, le dieu sacrifié, est le père de tous les martyrs. Et c’est bien en Seth que se retrouvent les misanthropes solitaires et les couples infernaux, pour qui transgression, imposture et mythomanie font loi. De ces dieux égyptiens – mais aussi de Thot, d’Anubis ou d’Horus – sont nées les figures universelles de la fiction d’hier et d’aujourd’hui, de Don Quichotte à Barry Lindon, des Précieuses ridicules aux Desperate Housewives. En s’attaquant brillamment au sujet encore peu traité du personnage fictionnel, Jean-Claude Morin et Marie-France Briselance referment ici leur magnifique trilogie consacrée à la fiction (Leçons de scénarios – Les 36 situations dramatiques et Grammaire du cinéma, parus chez Nouveau Monde éditions).
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Le cinéma en France
- Fabrice Montebello
- 2005, Armand Colin
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Voici enfin une histoire du cinéma en France, et non du cinéma français. Tout autre chose donc qu'une chronologie commentée de films panthéonisés ou qu'un récit fleuri de la geste cinématographique nationale. Il s'agit d'une analyse globale de l'activité cinématographique en France et de son évolution, de 1929 à nos jours. Films nationaux et étrangers qui ont formé la mémoire cinématographique des Français, institutions diverses qui ont permis et orienté la transmission, intervenants en tout genre, du simple cinéphile à l'exploitant – en passant par les producteurs, les réalisateurs et les comédiens –, instruments de mesure de la qualité cinématographique, rien n'échappe à cette synthèse au sein de laquelle deux temps forts sont privilégiés : la transformation du cinéma en industrie culturelle au début des années 1930, et son expansion considérable à partir des années 1960 via la domestication du spectacle cinématographique et de sa reproductibilité technique (télévision, VHS, DVD). Un fil rouge court au long de cette histoire, la demande croissante de films de qualité. Et ce jusqu'au plus contemporain, contrairement à ce que laisse entendre le catastrophisme ambiant. Écrit dans un style alerte, fourmillant d'informations et toujours réfléchi, ce livre offre aux étudiants et aux passionnés un outil de savoir sans équivalent pour connaître et comprendre les faiblesses et les atouts du cinéma national.
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La relation particulière qui existe, en France, entre le cinéma et le monde littéraire débute très tôt dans le XXe siècle, dès les premiers balbutiements de la fiction dramatique et de l'exploitation moderne en salles. Le premier acte se joue au tribunal : soutenus par leurs confrères, plusieurs auteurs plagiés intentent un procès à des acteurs de l'industrie cinématographique, pour obtenir que celle-ci se trouve soumise aux principes de la propriété artistique. Parallèlement, des initiatives voient le jour, qui se proposent d'associer les écrivains à un renouveau de la production. À la suite de la fameuse société du Film d'Art, lancée à grands renforts de publicité mais victime des contradictions de sa politique de prestige, plusieurs sociétés font rapidement de l'adaptation et du scénario d'écrivain une institution à part entière du cinéma français. Cependant, la corporation des lettres s'enrichit d'une figure nouvelle : celle du scénariste. Le Cinéma français et les écrivains, histoire d'une rencontre s'appuie sur de nombreuses sources inexploitées : publications juridiques, archives d'écrivains, de sociétés de production, archives de la Société des auteurs... Il croise les approches culturelle, économique, sociale et juridique pour retracer des rapports qui furent d'emblée denses et distants à la fois. Par-delà, il tente de cerner la mutation culturelle engendrée par le développement du cinéma, phénomène culturel de masse d'un genre nouveau, dès avant 1914. Moment où s'amorce, comme en miroir de l'essor économique, une réflexion sur la spécificité du nouveau media.
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Les recherches sur le cinéma français ont très souvent croisé la question des genres, mais elles ne l'ont abordée de front que très rarement. Cet ouvrage a donc pour ambition de combler une lacune et d'ouvrir la voie à un renouvellement de l'approche du cinéma français. Alors que la tradition critique nationale dominante valorise à l'excès l'auteur et le cinéma d'art, l'expression personnelle d'un cinéaste-artiste, il est fondamental, pour déplacer les chemins excessivement balisés de l'histoire du cinéma, de sortir des limites étroites des films panthéons et de l'œuvre des grands auteurs, et de redécouvrir le « continent oublié » du cinéma de genre. Les contributions rassemblées ici éclairent différentes périodes historiques et procèdent d'approches méthodologiques variées (histoire, analyse sociologique ou culturelle, gender studies, esthétique). Mais toutes soumettent le cinéma français à une analyse générique et mettent la notion de genre à l'épreuve du cinéma français. Le lecteur ne trouvera donc pas ici un panorama exhaustif des genres du cinéma français, mais un ensemble d'études, qui, des séries primitives Pathé et Gaumont au très actuel « jeune cinéma français », en passant par les films en costumes d'hier et d'aujourd'hui, explorent le cinéma français par le prisme du genre et interrogent la réticence critique à appréhender la production nationale en termes génériques.
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Le cinéma québécois. À la recherche d'une identité ?
- Christian Poirier
- 2004, PU Québec
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Le cinéma québécois connaît présentement un vif succès, tant auprès du public que de la critique. On en connaît cependant peu sur le contenu des films québécois et sur ce qui se passe derrière l'écran, en amont de l'œuvre filmique. Dans le premier tome, L'imaginaire filmique, Christian Poirier propose une analyse interprétative de l'ensemble de la production filmique québécoise. Quelles images de la société les cinéastes projettent-ils? L'auteur met au jour deux récits identitaires: un récit de l'empêchement et de l'éclatement, et un récit de l'enchantement et de l'accomplissement. Ainsi, les films québécois explorent inlassablement, par un jumelage étroit de l'individuel et du collectif, des territoires identitaires et politiques en mouvement. Dans le deuxième, intitulé Les politiques cinématographiques, l'auteur trace l'historique de l'intervention gouvernementale québécoise et canadienne en matière de cinéma et examine les principales composantes de l'industrie du film au Québec, les acteurs politiques en cause, les groupes d'intérêt mobilisés et les orientations privilégiées. De quelle latitude disposent donc les États québécois et canadien dans un environnement où s'accentue la référence aux industries culturelles, à la libéralisation des marchés et à la compétition avec les produits hollywoodiens? Ces ouvrages s'adressent autant aux cinéphiles qu'aux chercheurs intéressés, de près ou de loin, à la société québécoise, à ses questionnements et à son évolution.
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Le cinéma québécois. À la recherche d'une identité ?
- Christian Poirier
- 2004, PU Québec
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Le cinéma québécois connaît présentement un vif succès, tant auprès du public que de la critique. On en connaît cependant peu sur le contenu des films québécois et sur ce qui se passe derrière l'écran, en amont de l'œuvre filmique. Dans le premier tome, L'imaginaire filmique, Christian Poirier propose une analyse interprétative de l'ensemble de la production filmique québécoise. Quelles images de la société les cinéastes projettent-ils? L'auteur met au jour deux récits identitaires: un récit de l'empêchement et de l'éclatement, et un récit de l'enchantement et de l'accomplissement. Ainsi, les films québécois explorent inlassablement, par un jumelage étroit de l'individuel et du collectif, des territoires identitaires et politiques en mouvement. Dans le deuxième, intitulé Les politiques cinématographiques, l'auteur trace l'historique de l'intervention gouvernementale québécoise et canadienne en matière de cinéma et examine les principales composantes de l'industrie du film au Québec, les acteurs politiques en cause, les groupes d'intérêt mobilisés et les orientations privilégiées. De quelle latitude disposent donc les États québécois et canadien dans un environnement où s'accentue la référence aux industries culturelles, à la libéralisation des marchés et à la compétition avec les produits hollywoodiens? Ces ouvrages s'adressent autant aux cinéphiles qu'aux chercheurs intéressés, de près ou de loin, à la société québécoise, à ses questionnements et à son évolution.
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Le vocabulaire du cinéma
- Marie-Thérèse Journot
- 2008, Armand Colin
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Les études cinématographiques et audiovisuelles concernent un grand nombre de secteurs de l’enseignement et de la recherche. Ce lexique permet un accès facile à la terminologie employée par les spécialistes. Sous plus de 500 entrées sont regroupés les termes les plus courants de la description du film aux notions théoriques de base en esthétique et narratologie, sans oublier les genres et les grands courants cinématographiques. Les articles, illustrés d’exemples, sont accompagnés de corrélats qui permettent de compléter l’information. Date de première édition : 2002.
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Leni Riefenstahl
- Jérôme Bimbenet
- 2015, Tallandier
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Danseuse, actrice fétiche des films de montagne, cinéaste révolutionnaire, photographe remarquable, plongeuse hors pair, Leni Riefenstahl (1902-2003) est, aux yeux du monde, la cinéaste qui s’est fourvoyée en se mettant au service du nazisme. En 1932, sa rencontre avec Adolf Hitler change son destin. C’est un coup de foudre réciproque. Dès son accession au pouvoir, elle accepte la direction artistique du film du Congrès du Parti nazi à Nuremberg en 1934, Le Triomphe de la volonté, l’archétype du film de propagande. Puis elle réalise en 1936 le film officiel des Jeux olympiques, Les Dieux du stade, qui devient un succès mondial. Après la guerre, échappant à la dénazification, Leni Riefenstahl est souvent détestée. Néanmoins, son héritage est immense et les plus grands cinéastes, de Steven Spielberg à George Lucas, reconnaissent aujourd’hui son influence. Seuls l’art et l’esthétique ont compté pour elle, et c’est bien ce reproche qui encombre sa mémoire et obscurcit sa postérité. Sans l’aduler ni la condamner, Jérôme Bimbenet perce le mystère de la « douce amie du Führer » qui n’a jamais connu la moindre once de remords, de compassion, de culpabilité ou de conscience politique. Jusqu’à la fin, quand on l’interrogera sur sa responsabilité, elle ne cessera de répondre : « Où est ma faute ? »
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Les Cinémas européens des années cinquante
- Jean-Pierre Bertin-Maghit
- 2000, AFRHC
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Dix-neuf chercheurs représentant neuf pays proposent un panorama des voies empruntées aujourd’hui par la recherche européenne en histoire du cinéma. Problématiques et méthodes d’analyse placent le film au centre d’interrelations complexes à la fois liées à sa propre institution et plus largement à l’économie de marché dont il dépend. Il devient un objet d’étude qui tient de l’individuel et du collectif dans lequel interfèrent systèmes de production, mentalités, horizons d’attente, données politiques et économiques. Ces regards croisés définissent les grandes orientations thématiques de cette histoire des cinémas européens des années 1950. Il est question de quête d’identité, de vivacité des cinématographies nationales, du développement d’un cinéma populaire, de relations transeuropéennes et de représentations sociales dans une Europe qui sort meurtrie du conflit mondial. Plus qu’une lutte contre les films américains – qui suscitent finalement avant tout des réactions de type corporatif –, toutes ces productions montrent leur dynamisme à défendre les particularismes de chaque pays.
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Les Classiques du cinéma bis
- Laurent Aknin and Lucas Balbo
- 2009, Nouveau Monde
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Après le succès de Cinéma bis, 50 ans de cinéma de quartier (2007), qui recensait les acteurs et réalisateurs cultes de genres « mineurs » du cinéma mondial depuis les 50 dernières années (péplum, érotisme, westerns spaghetti, science-fiction, fantastique...), voici son indispensable complément : le guide illustré des 500 films incontournables pour tout amateur de « bis ». Une sélection illustrée d'affiches et photos toujours aussi délirantes ! Rappel de la délimitation habituelle du « cinéma bis » : films de genre à caractère populaire et commercial, à budget moyen ou dérisoire, et la plupart du temps, méprisés par les critiques ou les instances de légitimation. En bref, le « bis » est le royaume du cinéma « impur ».
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Les Producteurs
- Laurent Creton , Yannick Dehée , Sébastien Layerle and Caroline Moine
- 2011, Nouveau Monde
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Figure-clé du cinéma, le producteur est longtemps resté ignoré par les historiens. Cet ouvrage élabore une première cartographie des recherches, au carrefour de l'économique, du politique et du culturel. À l'exemple de la France, mais aussi d'autres pays, on examine une profession aux frontières floues et mouvantes, des origines du cinéma à nos jours. Parce que les stratégies financières et éditoriales sont étroitement imbriquées, ce recueil mêle les approches économique, stratégique et sociologique pour mieux cerner le rôle et l'influence du producteur dans la culture contemporaine. Plusieurs «grands témoins», professionnels reconnus, apportent leur éclairage et leur expérience : Nicolas Seydoux sur Daniel Toscan du Plantier, Alain Goldman, Philippe Martin, Alain Rocca, Thomas Schmitt, et bien d'autres. Une somme de réflexions et de recherches appelée à faire référence.
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Les Studios de la Victorine
- Anne-Élisabeth Dutheil de la Rochère
- 1998, AFRHC
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Les Studios de la Victorine à Nice constituent les seuls établissements de province qui aient laissé une trace profonde dans la mémoire cinéphilique. Mis à part Paris, les autres villes n’ont que très rarement accueilli des lieux de tournage continu : Nice, outre l’abondance des studios pendant les années du muet, a connu avec la Victorine une activité constante qui s’est poursuivie jusqu’à nos jours. Les circonstances de la naissance des studios en 1919 et la description de leur développement au cours des années vingt avaient déjà fait l’objet d’études mais celles-ci étaient incomplètes. C’est le mérite de ce livre que de s’appuyer sur des sources solides, au premier rang desquelles les archives de Serge Sandberg qui, plus que Louis Nalpas, fut le véritable responsable de la naissance de la Victorine. Ainsi, de La Sultane de l’amour de René Le Somptier à Baroud de Rex Ingram, entre 1919 et 1930, une page de l’histoire du cinéma s’écrit sur les hauteurs de Nice, une page assez romanesque, avec tous les ingrédients qui font les bons scénarios, un projet grandiose, le choc avec une dure réalité, la fin d’un rêve et l’avènement d’une gestion qui a renoncé aux grandes ambitions.
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Les documenteurs des années noires
- Jean-Pierre Bertin-Maghit
- 2004, Nouveau Monde
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Dans la France occupée, le genre documentaire compta parmi les instruments de propagande récupérés par le gouvernement de Vichy, les collaborationnistes et l'occupant nazi. Une guerre de propagandes par images interposées s'installe dès juin 1940. Censées refléter la réalité, ces images renvoient aux luttes d'influence entre les protagonistes. Elles relèvent de styles bien spécifiques selon les visées de chacun. À partir de 178 documentaires restaurés par les Archives françaises du film, l'historien Jean-Pierre Bertin-Maghit analyse ces propagandes sous l'Occupation en nous invitant à les considérer comme le résultat d'une politique qui fut loin d'être homogène et figée de 1940 à 1944. Il n'a pas hésité, chaque fois qu'il était nécessaire à la compréhension du discours, à confronter ces documentaires aux autres formes de propagande par l'image, celle des actualités ou des affiches.
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Les films de ma vie
- François Truffaut
- 2012, Flammarion
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Avant de s’imposer comme un immense metteur en scène – Les 400 coups, Jules et Jim, Fahrenheit 451, Baisers volés, L’Enfant sauvage, La Nuit américaine, L’Histoire d’Adèle H., L’homme qui aimait les femmes, Le Dernier Métro, La Femme d’à côté, Vivement dimanche !, etc. –, François Truffaut (1932-1984) a inauguré une nouvelle façon de regarder les films et d’en parler. Ses articles passionnés pour Les Cahiers du cinéma en témoignent. Ce livre, devenu une Bible pour tous les cinéphiles, rassemble les articles que Truffaut avait lui-même sélectionnés : Capra, Hawks, Hitchcock, Kubrick, Wilder, Clouzot, Cocteau, Ophuls et Guitry notamment pour les Français, sans oublier les textes sur ses « copains de la Nouvelle Vague », ainsi que des articles consacrés à ses réalisateurs préférés : Ingmar Bergman, Jean Renoir, Charlie Chaplin, Orson Welles, Luis Buñuel, Carl Dreyer, Jean Vigo… Le premier de ces écrits : « À quoi rêvent les critiques ? » analyse l’ambiguïté des relations entre les créateurs et ceux qui les jugent. « Lorsque j’étais critique, écrit François Truffaut, je pensais qu’un film, pour être réussi, doit exprimer simultanément une idée du monde et une idée du cinéma ; La Règle du jeu ou Citizen Kane répondaient bien à cette définition. Aujourd’hui, je demande à un film que je regarde d’exprimer soit la joie de faire du cinéma, soit l’angoisse de faire du cinéma et je me désintéresse de tout ce qui est entre les deux, c’est-à-dire de tous les films qui ne vibrent pas. » Date de première édition : 1975.
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Les grandes affaires judiciaires du cinéma
- Jacques Zimmer
- 2014, Nouveau Monde
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L'industrie du cinéma cache une mine de situations dramatiques ou comiques menant tout droit aux tribunaux. On y trouve pêle-mêle des escroqueries retentissantes, des plagiats, de la piraterie… sans parler des liaisons dangereuses avec le grand banditisme, des affaires de mœurs, de censures ou de blasphèmes. Voici pour la première fois un panorama historique et thématique de ces « coulisses » méconnues du cinéma. On y croise Claude Zidi et James Cameron, convaincus de plagiat ; Carole Laure, Maria Schneider et Marie-José Nat protégeant leur vie privée ; Claude Autant-Lara, Yves Boisset ou John Cassavetes défendant leur indépendance. L'auteur dévoile la noirceur des amateurs de lolitas, l'activité des mafiosos américains influents à Hollywood ou producteurs de films pornographiques. Des affaires retentissantes sont détaillées, comme celle de Traci Lords, hardeuse mineure. À toutes les époques du cinéma, plusieurs acteurs furent accusés de viol, comme Fatty Arbuckle et Errol Flynn ou encore Johnny Hallyday. Tous les trois ont été acquittés, mais d'autres furent convaincus de harcèlement. Ce livre ouvre aussi les dossiers dramatiques du snuff movie (mythe ou réalité des films présentant des mises à mort réelles) et de la disparition tragique du producteur Bernard Natan, victime de l'antisémitisme et de la rumeur. Tout un pan trop souvent méconnu du cinéma est ici révélé.
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Les mises en scène de la guerre au XXe siècle
- David Lescot and Laurent Véray
- 2011, Nouveau Monde
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Si le XXe siècle a été celui des guerres, il a été aussi celui de l’avènement de la mise en scène de théâtre et de cinéma. Cet ouvrage interroge le lien étroit et vivant entre guerre et mise en scène, tant théâtrale que cinématographique. Car le phénomène de la guerre, à travers lequel s’écrit l’histoire du siècle, n’en finit pas de questionner la représentation artistique, et de renvoyer le théâtre et le cinéma à leurs propres limites, éthiques et esthétiques, les invitant à dépasser celles-ci pour s’inventer des formes nouvelles. Abordant les représentations de cinq périodes ou conflits charnières, la Première et la Seconde Guerre mondiale, les guerres postcoloniales, les guerres du Proche-Orient, le conflit en ex-Yougoslavie et l’après-11-Septembre, les études rassemblées ici sont l’œuvre d’universitaires, de spécialistes, et ménagent une parole aux artistes eux-mêmes (cinéastes, metteurs en scène, auteurs, traducteurs). Elles abordent le traitement fictionnel aussi bien que la démarche documentaire, en faisant la part de leurs interpénétrations. Se dessinent de la sorte un panorama des événements les plus tragiques et destructeurs de notre histoire contemporaine, mais aussi un parcours des œuvres qui, depuis cent ans jusqu’à notre plus récente actualité, se sont acharnées à construire une mémoire vivante de notre passé et de notre présent.
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Lettres filmées d'Algérie
- Jean-Pierre Bertin-Maghit
- 2015, Nouveau Monde
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Pendant la guerre d’Algérie, des soldats se sont transformés en cinéastes amateurs : quand la majorité des militaires avaient en poche leur appareil de photo, eux ont choisi la caméra. Jean-Pierre Bertin-Maghit a retrouvé 38 d’entre eux. Il les a placés face à leurs propres images – au total 72 films. Un dispositif vivant de microhistoire qui confronte, au présent de l’entretien, mémoire des hommes et mémoire des images. Que désiraient saisir ces soldats-cinéastes amateurs et qu’ont-ils souhaité garder en souvenir ? Comment leurs histoires font-elles effraction dans l’Histoire ? Comment ces hommes, maintenant dans leur grand âge, restituent-ils aujourd’hui leurs expériences de jeunes gens pris dans une guerre ? Autant de questions auxquelles ce livre tente de répondre afin de contribuer à une histoire des combattants de la guerre d’Algérie.
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Leçons de cinéma
- Laurent Tirard
- 2009, Nouveau Monde
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Tous les cinéphiles et les étudiants en cinéma rêvent de pouvoir dialoguer avec les plus grands réalisateurs d’aujourd’hui et de suivre au plus près leur travail de création. Trente-neuf cinéastes de toutes nationalités racontent ici leurs méthodes de travail pour le choix du sujet, l’écriture du scénario, le découpage, la direction des acteurs, les répétitions, l’improvisation, l’organisation du tournage... Répondant aux mêmes questions et se prêtant à l’exercice de la « leçon de cinéma », ils décrivent à l’aide d’exemples concrets leur façon de travailler au quotidien et nous permettent de comprendre en quoi des visions artistiques très différentes appellent des mises en œuvre tout aussi diverses. À la différence de bien des manuels professionnels, l’ouvrage ne livre donc pas de « recettes » toutes faites et prétendument universelles, mais révèle nombre de secrets de fabrication des « grands chefs », laissant entrevoir qu’en matière de création il n’y a pas de règles ou que tout au plus elles existent pour être transgressées. Date de première édition : 2004.
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Loin d'Hollywood ?
- Christophe Gauthier, Anne Kerlan and Dimitri Vezyroglou
- 2013, Nouveau Monde
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Cet ouvrage explore quatre cinématographies nationales (française, allemande, soviétique et chinoise) dans leur rapport au modèle américain de production durant la décennie décisive qui vit l’avènement du cinéma sonore (1925-1935). Les années 1925-1935 sont encore parfois considérées comme des « années obscures », traversées par des tensions contradictoires, des tâtonnements ; ce serait une « période d’essai » s’opposant à celle qui vit s’élaborer les cinémas classiques dominés par la standardisation. Réévaluant ce stéréotype, le propos de cet ouvrage est aussi de souligner comment, par-delà les bouleversements, les innovations et les tentatives d’adaptation à celles-ci que connurent diverses cinématographies mondiales, se dessinent des permanences et la réaffirmation de certaines normes. En abordant des questions aussi centrales que celles des transferts culturels, du « modèle » et de ses modalités d’appropriation, de l’acculturation, cet ensemble d’articles ouvre des perspectives importantes sur le plan méthodologique mais aussi épistémologique. Il nous montre surtout que, dès l’entre-deux-guerres, et particulièrement durant cette phase critique de transition, la cinématographie « loin d’Hollywood », de l’Europe à l’Asie, n’a pu faire autrement que de se situer face à Hollywood.
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Léonce Perret
- Bernard Bastide and Antoine Gili
- 2003, AFRHC
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L’œuvre de Perret est abondante. Près de 400 films ! Elle est d’emblée, compte tenu de l’époque où elle a été réalisée, placée sous un signe auteurial : Perret est non seulement metteur en scène mais aussi auteur de ses scénarios et très souvent acteur. De 1909 à 1916, il s’impose, à côté de Louis Feuillade, comme la principale figure de la maison Gaumont. Il réalise pour la firme à la marguerite un très grand nombre de films, enchaînant courts et longs métrages, comédies et drames, films contemporains et reconstitutions historiques, mélodrames bourgeois et films patriotiques, feuilletons romanesques et fantaisies improvisées, sans oublier quelques documentaires. Son imagination sans limites lui permet d’affronter tous les genres avec un égal bonheur. Le livre rend compte de la carrière de Léonce Perret par des études transversales et des analyses de films singuliers. Il éclaire différents aspects d’une production aussi riche que variée grâce à des textes rédigés par une vingtaine de spécialistes.
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On connaît mal l’œuvre de Marcel L’Herbier, cinéaste souvent taxé de maniériste par la critique et les historiens. Si on reconnaît sa participation à l’Avant-garde française des années 1920 aux côtés de Gance, Dulac, Delluc, Epstein, en revanche on néglige ou on ignore son abondante production ultérieure. Or si la place qu’occupe Marcel L’Herbier dans la « Première Vague » du cinéma français (1918-1929) est considérable, aussi bien aux plans de la théorie esthétique, des réalisations expérimentales, que des innovations dans les collaborations avec les autres arts : littérature, peinture, musique, architecture..., ses activités multiples des décennies suivantes se révèlent tout aussi importantes. Elles témoignent à divers titres des courants dominants en matière de genres, de thèmes et de partis pris formels. De même, son rôle de producteur, de défenseur de la profession cinématographique, son action à la tête de la Cinémathèque française, de l’IDHEC, ainsi que son implication dans l'émergence de la télévision après la Deuxième Guerre mondiale, en font incontestablement un personnage central de la cinématographie en France. Il était donc nécessaire de revenir aujourd’hui sur la longue et exceptionnelle carrière de Marcel L’Herbier. D’autant plus que la plupart de ses films sont désormais restaurés et visibles, et que subsiste une quantité très importante d’archives publiques et privées le concernant. Un tel réexamen supposait bien entendu d’éviter les défauts d’une étude purement biographique au profit d’analyses problématisées des différents aspects de son œuvre. C’est ce à quoi se sont attachés les contributeurs de ce livre. Dans la plupart des vingt-cinq articles ici rassemblés, une perspective historique a été privilégiée, mais d’autres approches engagent à une réflexion plus large en direction de l’esthétique du film. Ces textes, richement illustrés, correspondent aux communications faites lors du colloque international qui s’est tenu les 7 et 8 décembre 2006 à l’Université de Paris X-Nanterre et à la Bibliothèque nationale de France.
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Marcel Pagnol
- Karin Hann
- 2014, Éditions du Rocher
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Marcel Pagnol a signé quelques-unes des plus belles pages de la littérature française. Écrivain, dramaturge, mémorialiste, essayiste, romancier, cinéaste, sa brillante carrière force l’admiration. Son œuvre nous amuse et nous émeut, mais se dévoile-t-elle à nous dans toutes ses subtilités ? Karin Hann éclaire différemment l’ensemble de cette création artistique, qu’il s’agisse des pièces de théâtre, des livres ou des films. Elle révèle ce que cachent le rire, les relations qui lient les œuvres entre elles et les grands thèmes chers à l’écrivain. Comment Pagnol voyait-il l’amour ? Quelle était sa vision des femmes ? Sa Provence existe-t-elle vraiment ? Quelle image a-t-il de son enfance ? Pourquoi est-il universel ? Le langage de Pagnol se distingue par sa sobriété. Et s’il peut paraître spontané, son style est pourtant très travaillé : sa plume imagée est inimitable. Dans une approche thématique et accessible, étayée de nombreux exemples, l’auteur propose un autre regard sur cette œuvre singulière et inclassable qui défie le temps. Un livre original qui place l’univers de Marcel Pagnol sous une loupe. Une enquête qui se lit comme un roman !
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