Études cinématographiques

Les recherches sur le cinéma français ont très souvent croisé la question des genres, mais elles ne l'ont abordée de front que très rarement. Cet ouvrage a donc pour ambition de combler une lacune et d'ouvrir la voie à un renouvellement de l'approche du cinéma français. Alors que la tradition critique nationale dominante valorise à l'excès l'auteur et le cinéma d'art, l'expression personnelle d'un cinéaste-artiste, il est fondamental, pour déplacer les chemins excessivement balisés de l'histoire du cinéma, de sortir des limites étroites des films panthéons et de l'œuvre des grands auteurs, et de redécouvrir le « continent oublié » du cinéma de genre. Les contributions rassemblées ici éclairent différentes périodes historiques et procèdent d'approches méthodologiques variées (histoire, analyse sociologique ou culturelle, gender studies, esthétique). Mais toutes soumettent le cinéma français à une analyse générique et mettent la notion de genre à l'épreuve du cinéma français. Le lecteur ne trouvera donc pas ici un panorama exhaustif des genres du cinéma français, mais un ensemble d'études, qui, des séries primitives Pathé et Gaumont au très actuel « jeune cinéma français », en passant par les films en costumes d'hier et d'aujourd'hui, explorent le cinéma français par le prisme du genre et interrogent la réticence critique à appréhender la production nationale en termes génériques.

Le cinéma québécois connaît présentement un vif succès, tant auprès du public que de la critique. On en connaît cependant peu sur le contenu des films québécois et sur ce qui se passe derrière l'écran, en amont de l'œuvre filmique. Dans le premier tome, L'imaginaire filmique, Christian Poirier propose une analyse interprétative de l'ensemble de la production filmique québécoise. Quelles images de la société les cinéastes projettent-ils? L'auteur met au jour deux récits identitaires: un récit de l'empêchement et de l'éclatement, et un récit de l'enchantement et de l'accomplissement. Ainsi, les films québécois explorent inlassablement, par un jumelage étroit de l'individuel et du collectif, des territoires identitaires et politiques en mouvement. Dans le deuxième, intitulé Les politiques cinématographiques, l'auteur trace l'historique de l'intervention gouvernementale québécoise et canadienne en matière de cinéma et examine les principales composantes de l'industrie du film au Québec, les acteurs politiques en cause, les groupes d'intérêt mobilisés et les orientations privilégiées. De quelle latitude disposent donc les États québécois et canadien dans un environnement où s'accentue la référence aux industries culturelles, à la libéralisation des marchés et à la compétition avec les produits hollywoodiens? Ces ouvrages s'adressent autant aux cinéphiles qu'aux chercheurs intéressés, de près ou de loin, à la société québécoise, à ses questionnements et à son évolution.

Les études cinématographiques et audiovisuelles concernent un grand nombre de secteurs de l’enseignement et de la recherche. Ce lexique permet un accès facile à la terminologie employée par les spécialistes. Sous plus de 500 entrées sont regroupés les termes les plus courants de la description du film aux notions théoriques de base en esthétique et narratologie, sans oublier les genres et les grands courants cinématographiques. Les articles, illustrés d’exemples, sont accompagnés de corrélats qui permettent de compléter l’information. Date de première édition : 2002.

Dix-neuf chercheurs représentant neuf pays proposent un panorama des voies empruntées aujourd’hui par la recherche européenne en histoire du cinéma. Problématiques et méthodes d’analyse placent le film au centre d’interrelations complexes à la fois liées à sa propre institution et plus largement à l’économie de marché dont il dépend. Il devient un objet d’étude qui tient de l’individuel et du collectif dans lequel interfèrent systèmes de production, mentalités, horizons d’attente, données politiques et économiques. Ces regards croisés définissent les grandes orientations thématiques de cette histoire des cinémas européens des années 1950. Il est question de quête d’identité, de vivacité des cinématographies nationales, du développement d’un cinéma populaire, de relations transeuropéennes et de représentations sociales dans une Europe qui sort meurtrie du conflit mondial. Plus qu’une lutte contre les films américains – qui suscitent finalement avant tout des réactions de type corporatif –, toutes ces productions montrent leur dynamisme à défendre les particularismes de chaque pays.

Figure-clé du cinéma, le producteur est longtemps resté ignoré par les historiens. Cet ouvrage élabore une première cartographie des recherches, au carrefour de l'économique, du politique et du culturel. À l'exemple de la France, mais aussi d'autres pays, on examine une profession aux frontières floues et mouvantes, des origines du cinéma à nos jours. Parce que les stratégies financières et éditoriales sont étroitement imbriquées, ce recueil mêle les approches économique, stratégique et sociologique pour mieux cerner le rôle et l'influence du producteur dans la culture contemporaine. Plusieurs «grands témoins», professionnels reconnus, apportent leur éclairage et leur expérience : Nicolas Seydoux sur Daniel Toscan du Plantier, Alain Goldman, Philippe Martin, Alain Rocca, Thomas Schmitt, et bien d'autres. Une somme de réflexions et de recherches appelée à faire référence.

Dans la France occupée, le genre documentaire compta parmi les instruments de propagande récupérés par le gouvernement de Vichy, les collaborationnistes et l'occupant nazi. Une guerre de propagandes par images interposées s'installe dès juin 1940. Censées refléter la réalité, ces images renvoient aux luttes d'influence entre les protagonistes. Elles relèvent de styles bien spécifiques selon les visées de chacun. À partir de 178 documentaires restaurés par les Archives françaises du film, l'historien Jean-Pierre Bertin-Maghit analyse ces propagandes sous l'Occupation en nous invitant à les considérer comme le résultat d'une politique qui fut loin d'être homogène et figée de 1940 à 1944. Il n'a pas hésité, chaque fois qu'il était nécessaire à la compréhension du discours, à confronter ces documentaires aux autres formes de propagande par l'image, celle des actualités ou des affiches.

L'industrie du cinéma cache une mine de situations dramatiques ou comiques menant tout droit aux tribunaux. On y trouve pêle-mêle des escroqueries retentissantes, des plagiats, de la piraterie… sans parler des liaisons dangereuses avec le grand banditisme, des affaires de mœurs, de censures ou de blasphèmes. Voici pour la première fois un panorama historique et thématique de ces « coulisses » méconnues du cinéma. On y croise Claude Zidi et James Cameron, convaincus de plagiat ; Carole Laure, Maria Schneider et Marie-José Nat protégeant leur vie privée ; Claude Autant-Lara, Yves Boisset ou John Cassavetes défendant leur indépendance. L'auteur dévoile la noirceur des amateurs de lolitas, l'activité des mafiosos américains influents à Hollywood ou producteurs de films pornographiques. Des affaires retentissantes sont détaillées, comme celle de Traci Lords, hardeuse mineure. À toutes les époques du cinéma, plusieurs acteurs furent accusés de viol, comme Fatty Arbuckle et Errol Flynn ou encore Johnny Hallyday. Tous les trois ont été acquittés, mais d'autres furent convaincus de harcèlement. Ce livre ouvre aussi les dossiers dramatiques du snuff movie (mythe ou réalité des films présentant des mises à mort réelles) et de la disparition tragique du producteur Bernard Natan, victime de l'antisémitisme et de la rumeur. Tout un pan trop souvent méconnu du cinéma est ici révélé.

Pendant la guerre d’Algérie, des soldats se sont transformés en cinéastes amateurs : quand la majorité des militaires avaient en poche leur appareil de photo, eux ont choisi la caméra. Jean-Pierre Bertin-Maghit a retrouvé 38 d’entre eux. Il les a placés face à leurs propres images – au total 72 films. Un dispositif vivant de microhistoire qui confronte, au présent de l’entretien, mémoire des hommes et mémoire des images. Que désiraient saisir ces soldats-cinéastes amateurs et qu’ont-ils souhaité garder en souvenir ? Comment leurs histoires font-elles effraction dans l’Histoire ? Comment ces hommes, maintenant dans leur grand âge, restituent-ils aujourd’hui leurs expériences de jeunes gens pris dans une guerre ? Autant de questions auxquelles ce livre tente de répondre afin de contribuer à une histoire des combattants de la guerre d’Algérie.

Cet ouvrage explore quatre cinématographies nationales (française, allemande, soviétique et chinoise) dans leur rapport au modèle américain de production durant la décennie décisive qui vit l’avènement du cinéma sonore (1925-1935). Les années 1925-1935 sont encore parfois considérées comme des « années obscures », traversées par des tensions contradictoires, des tâtonnements ; ce serait une « période d’essai » s’opposant à celle qui vit s’élaborer les cinémas classiques dominés par la standardisation. Réévaluant ce stéréotype, le propos de cet ouvrage est aussi de souligner comment, par-delà les bouleversements, les innovations et les tentatives d’adaptation à celles-ci que connurent diverses cinématographies mondiales, se dessinent des permanences et la réaffirmation de certaines normes. En abordant des questions aussi centrales que celles des transferts culturels, du « modèle » et de ses modalités d’appropriation, de l’acculturation, cet ensemble d’articles ouvre des perspectives importantes sur le plan méthodologique mais aussi épistémologique. Il nous montre surtout que, dès l’entre-deux-guerres, et particulièrement durant cette phase critique de transition, la cinématographie « loin d’Hollywood », de l’Europe à l’Asie, n’a pu faire autrement que de se situer face à Hollywood.

On connaît mal l’œuvre de Marcel L’Herbier, cinéaste souvent taxé de maniériste par la critique et les historiens. Si on reconnaît sa participation à l’Avant-garde française des années 1920 aux côtés de Gance, Dulac, Delluc, Epstein, en revanche on néglige ou on ignore son abondante production ultérieure. Or si la place qu’occupe Marcel L’Herbier dans la « Première Vague » du cinéma français (1918-1929) est considérable, aussi bien aux plans de la théorie esthétique, des réalisations expérimentales, que des innovations dans les collaborations avec les autres arts : littérature, peinture, musique, architecture..., ses activités multiples des décennies suivantes se révèlent tout aussi importantes. Elles témoignent à divers titres des courants dominants en matière de genres, de thèmes et de partis pris formels. De même, son rôle de producteur, de défenseur de la profession cinématographique, son action à la tête de la Cinémathèque française, de l’IDHEC, ainsi que son implication dans l'émergence de la télévision après la Deuxième Guerre mondiale, en font incontestablement un personnage central de la cinématographie en France. Il était donc nécessaire de revenir aujourd’hui sur la longue et exceptionnelle carrière de Marcel L’Herbier. D’autant plus que la plupart de ses films sont désormais restaurés et visibles, et que subsiste une quantité très importante d’archives publiques et privées le concernant. Un tel réexamen supposait bien entendu d’éviter les défauts d’une étude purement biographique au profit d’analyses problématisées des différents aspects de son œuvre. C’est ce à quoi se sont attachés les contributeurs de ce livre. Dans la plupart des vingt-cinq articles ici rassemblés, une perspective historique a été privilégiée, mais d’autres approches engagent à une réflexion plus large en direction de l’esthétique du film. Ces textes, richement illustrés, correspondent aux communications faites lors du colloque international qui s’est tenu les 7 et 8 décembre 2006 à l’Université de Paris X-Nanterre et à la Bibliothèque nationale de France.