Études cinématographiques

Entre le producteur et les exploitants se trouve un personnage pivôt : le distributeur. À lui de promouvoir les films auprès du public, de négocier le calendrier de sortie avec les salles, d’assurer la remontée des recettes vers les producteurs. C’est encore lui qui, en amont et grâce à son à-valoir, aura financé le film. Bref, sans distributeur, pas de cinéma. Ce livre aborde pour la première fois l’histoire de ce métier, depuis 1907, année où Charles Pathé lance l’activité jusqu'en 1957, où le cinéma français amorce une nouvelle mutation. Dans l’intervalle, le distributeur aura dû batailler contre les auteurs et les réalisateurs, soucieux de protéger leurs droits, et contre les producteurs, hostiles à l’intrusion de celui qu’ils considèrent comme un marchand dans la création artistique. Au cours de ce demi-siècle, le distributeur aura encore affronté la Première Guerre mondiale et ses effets dévastateurs, l’entre-deux-guerres et les offensives répétées des majors américaines, puis les années d’Occupation où une autre cinématographie prend pied dans les salles françaises pour enfin rebatailler, à la Libération, contre les grands films hollywoodiens. Cet ouvrage montre comment, à chaque époque, le distributeur a défendu et développé son activité, la rendant indispensable.

Les coulisses politiques du cinéma soviétique de la mort de Staline à Gorbatchev. 1953 : avec la mort de Staline s’achève l’ère du « réalisme socialiste » soviétique. L’étau se desserre enfin sur la production cinématographique. À l’interdiction brutale et spectaculaire longtemps pratiquée par le « petit père des peuples », se substitue une forme de censure subtile et complexe. Pourquoi certains films ne représentant rien de répréhensible sont-ils censurés, tandis que d’autres, plus subversifs, sont réalisés ? Martine Godet signe la première étude de fond sur cette gestion politique de l’image par un régime autoritaire en crise. Dans les années 1960-1970, après le dégel kroutchevien, une nouvelle vague de répression s’abat sur les réalisateurs. Certains films resteront bloqués des années durant : La Commissaire d’A. Askoldov (1967), La Vérification d’A. Guerman (1971), Longs adieux de K. Mouratova (1971)… Et les cinéastes joueront un rôle de premier plan dans la perestroïka, dont le coup d’envoi sera donné par l’incroyable Ve congrès de l’Union des cinéastes, en mai 1986, qui décide la suppression de toute censure à l’écran. Une fresque passionnante sur le septième art soviétique à une période charnière de son histoire.

Il n’y a pas de cinématographe sans cliché, il n’y a pas de cinéphilie sans objet film culte – d’où le choix de la Dolce Vita en couverture de cet opus. Avant que l’eau puisée dans « l’hollywood sul tevere » baptise le chef-d’œuvre absolu de Federico Fellini, le cinéma italien, tel un astre clair-obscur, avait atteint de nombreuses apogées et connut sa révolution (au double sens astronomique et historique, cf. Rome, Ville ouverte de Roberto Rossellini). Les valeurs sûres du néoréalisme ont laissé la place à des signatures qui surplombent encore le cinéma italien d’aujourd’hui. Il faut donc saluer l’immense travail de Mary P. Wood. Mieux qu’une cartographie scolaire des différentes étapes et/ou récifs qui trament l’histoire d’une cinématographie complexe, l’auteur invente de nouveaux repères : succédanés américains, « filones », peplums, porno soft, horreur, intrigues politiques, divas et divos, producteurs démiurges et acteurs-icônes (Alain Delon doit son statut de star autant à Luchino Visconti et Michelangelo Antonioni qu’à Jean Pierre Melville, et Clint Eastwood, salué aujourd’hui comme le meilleur réalisateur américain, doit sa gloire universelle à la trilogie western de Sergio Leone) et s’immerge totalement dans cette entreprise fleuve. Des décors-monuments de Cabiria aux productions sur mesure de Sacher films, entreprise de production – réalisation – exploitation artisanale de Nanni Moretti, en passant par les épopées bertolucciennes, sans oublier la figure du diable et de ses antennes satellites, cet essai exhaustif cadre définitivement son sujet et raconte l’histoire passionnante de celles et ceux qui non seulement ont vogué sur le navire « e la nave va », mais continuent d’irriguer la fontaine de Trevi.

On connaît la boutade de Raoul Walsh à propos des trois éléments essentiels du cinéma : " Action, action, and... action ". Dans les années 1980, Hollywood produit quantité de films dans lesquels l'action devient le principal moteur narratif. Ces divertissements qui mettent en scène, sur fond d'esthétique publicitaire, des thèmes comme la revanche sur la guerre du Vietnam (Rambo, Missing in action, Delta Force...), la condamnation des déviances de la société américaine (Cobra, Robocop, Death Wish, Dirty Harry...), ou la figuration manichéenne de héros victorieux (Rocky, Die Hard, Conan the Barbarian...), sont très vite considérés comme les " porte-avions " de la propagande reaganienne. Au croisement des études américaines, des études cinématographiques, de la sociologie et de l'histoire, une nouvelle génération de chercheurs dresse le bilan de cette production en s'attachant notamment aux phénomènes de réception populaire. Cet ouvrage analyse les rouages du système de production des films à grand spectacle et observe à travers eux l'édification d'une mythologie hollywoodienne de la société américaine des années 1980. L'engouement du public - mais aussi l'étonnante longévité commerciale de ces films - pose la question des différences culturelles et des modes de pensée mis en œuvre pour comprendre la réception du film de genre de part et d'autre de l'Atlantique.

Entre les événements de Sétif en mai 1945 et l'indépendance de l'Algérie en juillet 1962, près de trois cents films civils et plusieurs dizaines de films militaires ont été produits sur l'Algérie, relevant tous du « documentaire de propagande ». Durant une première période 1945-1954, il s'agissait pour l'État de montrer son action envers les populations musulmanes. A partir de 1954-55 et jusqu'en 1958, le contexte algérien entraîne un recul logique des institutions publiques envers les producteurs privés, au profit du Service Cinématographique des Armées. Dans un premier temps, c'est avant tout dans un but civil que les opérateurs militaires vont couvrir les « événements » d'Algérie à partir de l'été 1955. C'est des Etats-Unis que va venir la découverte d'une forme de communication politique encore inédite. On met en chantier une série de films destinés à sensibiliser l'opinion publique américaine sur l'affaire algérienne, Algerian Portfolio. A l'action mesurée des Français, répond une action beaucoup plus ferme du FLN consistant à retourner les arguments de la propagande française (sur l'Algérie, l'Armée de libération nationale [ALN] et les pertes de l'armée française) auprès de l'opinion publique internationale. Le choc est immédiat dans les médias et contribue à marginaliser la France au niveau mondial. Le cinéma reste le meilleur moyen de propager de l'autre côté de la Méditerranée la nouvelle idéologie algérienne de la France, avec des films tournés dans un style « reportage » s'approchant davantage de la télévision que du film de propagande traditionnel, avec une esthétique plus accessible issue des magazines télévisés à la manière de Cinq colonnes à la une. Dès lors, le SCA, et surtout des producteurs privés, produisent des films qui illustrent en Algérie (et en France par le biais de la télévision) le nouveau discours gouvernemental, mettant en valeur non plus la relation de l'Algérie à la France et la supériorité induite des Européens sur les musulmans, mais au contraire la prédominance des musulmans dans leur pays, et dès lors les efforts de grande ampleur de la France (le plan de Constantine et ses « mille villages ») pour faire de l'Algérie un pays moderne.

Qui n’a jamais rêvé de visiter un plateau de tournage, d’assister aux répétitions, aux prises de vues, d’observer comment le réalisateur, le producteur, les techniciens et les acteurs donnent vie à un film, bref d’entrer dans les coulisses du cinéma ? Cet ouvrage, illustré de plus de 230 photos, accompagne les plus grands professionnels et visite l’envers du décor. Il permet de redécouvrir les spécificités et les mécanismes de chaque métier du cinéma. Du producteur à l’exploitant, du réalisateur au projectionniste, 30 professions, connues ou méconnues, sont ainsi mises en lumière, avec entre autres le storyboardeur, le costumier, la scripte, le directeur de casting, le machiniste, etc. C’est à travers autant d’entretiens avec des figures de la profession (Alain Corneau, Sandrine Bonnaire, Christophe Rossignon, Pierre-William Glenn, Francis Lai, etc.) que ce livre vous invite au cœur du cinéma grâce à ceux qui jouent un rôle essentiel dans la construction et la réussite d’un film.

Trois quarts de siècle après l’invention par l’astronome Henri Chrétien de l’Hypergonar, pièce maîtresse du CinémaScope, et un demi-siècle après le lancement du procédé par la Twentieth Century Fox, il est intéressant de se pencher sur l’étonnante aventure de cette innovation et sur l’influence qu’elle a eue sur l’évolution du cinéma. Éric Rohmer, revenant en 2000 sur l’enthousiasme qui fut le sien lorsqu’il s’appelait encore Maurice Schérer, nous incite à revisiter cette page de l’histoire du cinéma qui n’est pas encore tournée. On constate en effet, depuis quelques années, un regain d’intérêt des producteurs et des réalisateurs pour les tournages avec des optiques anamorphiques, peut-être sous l’influence du 16/9 télévisuel. Il n’est pas jusqu’à certains tournages en technologie numérique qui n’aient recours à l’anamorphose. Cette réflexion sur le CinémaScope, engagée ici par une pléiade d’auteurs français et étrangers, permet aussi d’éclairer les interrogations fondamentales soulevées par le cinéma en général, notamment concernant les rapports du spectateur à l’image.

« On peut voir dans ce livre le roman politique du Festival de Cannes, un livre qui loin d'être frivole s'appuie au contraire sur des faits précis, vérifiés, soumis à l'attention la plus vigilante. Une légèreté de plume au service d'un rigoureux développement historique qui s'étend sur près de quarante années. Du fait de ses recherches et de sa méthode d'historienne, Loredana Latil est devenue l'une des meilleures spécialistes du Festival de Cannes dans son fonctionnement interne comme dans son administration à travers les décennies. Le Festival, c'est-à-dire le cinéma, affronte ici de manière quasi permanente les vicissitudes mondiales, ruse avec les traquenards diplomatiques, contourne les explosions de mécontentement, triomphe lorsque la partie semble compromise. L'habileté dans la conduite du récit est d'avoir su jouer avec l'ordre chronologique sans abuser des retours en arrière, pas plus que des anticipations quelquefois obligatoires. » Gilles Jacob

La carrière de Catherine Deneuve est profondément ancrée dans une des spécificités du cinéma français, son ambition artistique. L'étude de la réception de ses films montre l'importance de cette « exception culturelle ». Deneuve incarne à sa manière la richesse du cinéma français : elle privilégie le cinéma d'auteur, tout en s'illustrant aussi dans un cinéma populaire de qualité. Sa filmographie extrêmement variée et son image de star se sont construites dès le début sur cette articulation. Partant de l'hypothèse que la longévité de la carrière de Catherine Deneuve repose sur une dialectique entre classicisme et modernité, cet ouvrage analyse la construction des différentes strates chronologiques et thématiques de son image pour en montrer la richesse et la complexité. Le choix de Catherine Deneuve comme sujet d'étude offre une diversité d'analyses, filmique, historique et socioculturelle, qui articulent les différents aspects de son image et de son évolution, par rapport à sa carrière (en prenant en compte les genres, les types de rôles, la cote critique, le box-office et le propre discours de la star sur elle-même), mais aussi par rapport à sa place face aux autres actrices françaises, au cinéma français, au statut des femmes dans le cinéma et dans la société et à l'évolution de la société en général.

Voici enfin une histoire du cinéma en France, et non du cinéma français. Tout autre chose donc qu'une chronologie commentée de films panthéonisés ou qu'un récit fleuri de la geste cinématographique nationale. Il s'agit d'une analyse globale de l'activité cinématographique en France et de son évolution, de 1929 à nos jours. Films nationaux et étrangers qui ont formé la mémoire cinématographique des Français, institutions diverses qui ont permis et orienté la transmission, intervenants en tout genre, du simple cinéphile à l'exploitant – en passant par les producteurs, les réalisateurs et les comédiens –, instruments de mesure de la qualité cinématographique, rien n'échappe à cette synthèse au sein de laquelle deux temps forts sont privilégiés : la transformation du cinéma en industrie culturelle au début des années 1930, et son expansion considérable à partir des années 1960 via la domestication du spectacle cinématographique et de sa reproductibilité technique (télévision, VHS, DVD). Un fil rouge court au long de cette histoire, la demande croissante de films de qualité. Et ce jusqu'au plus contemporain, contrairement à ce que laisse entendre le catastrophisme ambiant. Écrit dans un style alerte, fourmillant d'informations et toujours réfléchi, ce livre offre aux étudiants et aux passionnés un outil de savoir sans équivalent pour connaître et comprendre les faiblesses et les atouts du cinéma national.