Études cinématographiques

Issu d’une vieille famille vauclusienne d’origine toscane, Jacques de Baroncelli (1881-1951) fait d’abord carrière dans le journalisme avant d’aborder le cinéma en 1915. Il fonde alors sa propre société de production, Lumina Films, et tourne sa première bande, La Maison de l’espion. Beaucoup d’autres suivront, dont le Roi de la mer (1917), salué par Delluc et Colette. Après un passage au célèbre Film d’Art (1918-1922), un voyage d’étude aux États-Unis (1919) et un séjour créatif en Belgique (1922), Jacques de Baroncelli est en pleine possession de ses moyens artistiques. C’est alors qu’il va signer ses chefs-d’œuvre : Nêne, d’après Pérochon (1923) et Pêcheur d’Islande, d’après Pierre Loti (1924) qui l’ancrent dans le courant naturaliste français des années 1920. Amoureux des belles lettres, il restera durant toute sa carrière fidèle aux adaptations littéraires (de Balzac à Pierre Louÿs) et aux drames de la mer (Veille d’armes, Nitchevo, Feu !), mais fera preuve d’un grand éclectisme, passant du mélodrame au drame bourgeois, de l’œuvre patriotique à la comédie musicale, du film colonial à la comédie policière. Avec L’Arlésienne (1930), Baroncelli fait une entrée difficile dans l’ère du cinéma parlant. Mais c’est durant l’Occupation qu’il obtiendra son plus grand succès populaire avec une adaptation de la Duchesse de Langeais (1942), confiée à Jean Giraudoux. Ses dernières années seront marquées par deux classiques de la littérature populaire : Les Mystères de Paris (1943) d’après Eugène Sue, et Rocambole (1947) d’après Ponson du Terrail, son dernier film. Le projet de cet ouvrage collectif est de tenter d’aborder autrement l’œuvre de ce réalisateur. L’aborder autrement, c’est prendre en compte non seulement ses films, mais aussi l’ensemble de ses activités ; non seulement réalisateur, mais aussi critique, scénariste, adaptateur, producteur… Cela implique également de renouveler l’approche de l’œuvre par la diversification des sources consultées. Enfin, cela conduit à envisager les films non plus comme l’expression singulière de l’univers personnel d’un sujet individuel, mais comme des ensembles traversés par des discours et des représentations. Illustrées par des documents rares ou inédits, les vingt communications ici rassemblées rendent compte de ces trois types d’approche et renouvellent notre connaissance d’un cinéaste trop longtemps délaissé par les historiens du cinéma, récemment redécouvert grâce à la restauration de quelques-uns de ses films et à la publication de ses Écrits sur le cinéma (Institut Jean Vigo, 1996).

À partir des engagements et de la filmographie du cinéaste Jean Benoit-Lévy (1888-1959), l’ouvrage retrace les modalités d’une politique publique en faveur du cinéma éducateur, dans l’entre-deux-guerres en France. Au lendemain de la Grande Guerre, des politiques et des intellectuels, puisant leur modèle théorique chez les Encyclopédistes ou les Vulgarisateurs, affirment les vertus didactiques des images et militent sous couvert de la Société des Nations pour que soit généralisé l’emploi du cinéma dans l’enseignement, mais aussi dans l’éducation populaire à destination des adultes. Le cinéma, spectacle de masse, leur paraît le médium le plus approprié pour informer les populations des réformes instituées en leur faveur. Des commissions sont mises en place au sein des ministères : Instruction publique, Santé et Agriculture pour veiller à la réalisation de sujets aux contenus spécifiques et faciliter leur diffusion à travers le territoire national. Leur mise en œuvre est principalement confiée à Jean Benoit-Lévy qui réalise près de 300 films, courts mais aussi longs métrages, documentaires ou fictions, à des fins d’éducation. L’étude de cet ensemble témoigne en images animées des mutations qui, à travers ses classes populaires, ébranlent la société française de l’entre-deux-guerres : évolution de la place des femmes, « rationalisation » de l’agriculture ou abandon progressif de la petite industrie. Une œuvre singulière, réalisée à des fins de propagande, qui constitue un des premiers temps du cinéma documentaire en France. Replacée dans son contexte institutionnel, elle retrouve la place qui était la sienne dans cette période encore peu étudiée du cinéma français.

Artiste de music-hall, résistant, flic, voyou, grand bourgeois, Jean Gabin a joué tous les rôles. Pourtant, l’homme aux 85 millions de spectateurs et aux plus de 90 films reste un mystère. Cette grande biographie de celui dont Jean Renoir disait qu’il était « un acteur unique » lève le voile sur la vedette aux multiples chefs-d’œuvre, de Pépé le Moko au Clan des Siciliens, en passant par La Grande Illusion, Le Quai des brumes, ou encore Un singe en hiver. L’homme discret dont la puissante silhouette, les pesants silences et les grands yeux bleus ont marqué le cinéma français, a enflammé le cœur des femmes, Michèle Morgan, Marlène Dietrich et d’autres. Mais, délaissant ses folles amours, Gabin finira par mener une vie de famille exemplaire avec Dominique et leurs enfants. Après des années de recherches et d’entrevues, l’auteur retrace ici l’épopée incroyable d’un gamin de Clignancourt devenu grand, et livre un vibrant hommage à ce comédien qui a incarné mieux que quiconque un cinéma populaire et sincère. Un sacré gars, le Gabin.

Star essentielle du cinéma français depuis un demi-siècle, célébrée dans le monde entier, Jeanne Moreau a toujours vécu et choisi ses rôles sans concessions. Voici la réédition de sa première biographie « à l’anglo-saxonne », puisée aux meilleures sources, résultat d’une enquête de plusieurs années, de très nombreux entretiens avec Jeanne Moreau elle-même et avec ses proches. Pour la première fois, elle se révèle dans toutes les contradictions de ses nombreuses facettes : la femme volatile, énergique, fragile, passionnée ; l’amie desartistes et écrivains, tels Gide, Picasso, Henry Miller, Anaïs Nin, Genet, Cocteau; l’actrice à la fois « cérébrale » et sensuelle de Malle, Truffaut, Renoir, Welles, mais aussi l’alliée des jeunes réalisateurs, celle qui n’hésite pas à soutenir des projets difficiles et à se mettre en danger ; à la ville, l’égérie du couturier Pierre Cardin et l’épouse du réalisateur de L’Exorciste, William Friedkin, ou l’amante émancipée de quelques autres. Voici enfin le portrait cinéphile, à la fois intime et pudique, d’une très grande dame du cinéma qui ne cache rien de ses bonheurs comme de ses blessures. Date de première édition : 2003.

Au-delà de quelques titres célèbres comme Un bonheur juif ou Les Chercheurs d’or, les films russes et soviétiques traitant de la thématique juive restent très peu connus. Et pourtant, évoquée de manière frontale ou allusive à travers la situation des Juifs en URSS ou à l’étranger (dans l’Allemagne du IIIe Reich notamment), sous forme de documentaires ou de fictions, cette thématique concerne plusieurs centaines de longs et courts métrages, réalisés dans les studios de Russie, d’Ukraine et de Biélorussie. Cette production témoigne à la fois du rôle important joué par les Juifs dans le cinéma de Russie et d’Union soviétique, mais également des ambiguïtés de la politique soviétique à leur égard, hésitant entre volonté d’intégration et d’assimilation, promotion des cultures nationales, et politique de discrimination. Expliquer les raisons et enjeux politiques de la présence de la thématique juive dans la production russe et soviétique, relier les grands cycles de l’histoire juive de la Russie tsariste puis de l’URSS à ses représentations cinématographiques, et éclairer les différents discours concernant l’identité juive et leur traduction dans les films, tels sont les principaux objectifs de cet ouvrage fondé sur l’exploitation d’archives et de documents inédits. À travers les approches croisées d’historiens du cinéma, de spécialistes de la judéité et de chercheurs en esthétique, il vient combler un vide historiographique, propose une passionnante exploration de ce champ méconnu du 7e art et de l’histoire juive, et s’accompagne d’une riche sélection iconographique ainsi que de filmographies inédites. Date de première édition : 2009.

Jusque dans les années 1950, l’homosexuel est peu représenté en France. Seule la fin de la décennie suivante et l’émergence des mouvements de libération gays permettent aux personnages homosexuels d’apparaître au cinéma, souvent représentés sous les traits d’une caricature féminine. C’est la Cage aux folles qui mettra en scène le premier couple gay en 1976.A partir des années 1980, l’assouplissement des mœurs permet à des réalisateurs gays de porter à l’écran leurs propres réflexions sur leur place dans la société en développant parallèlement une esthétique singulière. L’Homme blessé (P. Chéreau, 1980), largement inspiré de l’univers de Jean Gente, annonce un « cinéma d’auteur » qui va mettre en scène une « homosexualité noire » - de J’embrasse pas (A. Techiné, 1991) à Wild Side (S. Lifshitz, 2004). Le « cinéma populaire », quant à lui, ne cesse de réutiliser le stéréotype de la « folle » à l’instar de Pédale douce (G.Aghion, 1996), ou de Chouchou (M. Allouache, 2002). Des films comme Le Placard (Veber, 2001), malgré les stéréotypes qu’il véhicule, laissent entendre que l’homosexualité serait largement tolérée dans la société française contemporaine. Pourtant, certaines violences verbales au moment du vote du Pacs en novembre 1999, semblent démontrer le contraire. Enfin, depuis quelques années, OlivierDucastel et Jacques Martineau mettent en scène une homosexualité « tranquille » qui, de Drôle de Félix (1999) au récent Crustacés et coquillages, surprend les critiques français voire les déstabilise. C’est cette diversité et cette évolution que cet essai tente de comprendre. Son ambition est d’analyser l’esthétique des représentations cinématographiques des homosexuel(le)s dans les films français et de décrypter l’imaginaire collectif de la société française. Mais cette approche ne se limite pas au thème de l’homosexualité et prend en comte les rapports sociaux et la (dé) construction de l’identité masculine.

La sexualité à l’écran est devenue omniprésente, mais a-t-elle cessé d’être un tabou ? Le cinéma pornographique, depuis la loi de 1975, reste ghettoïsé malgré les tentatives, parfois réussies, de certains cinéastes à intégrer des scènes explicites dans des films interdits aux moins de 16 ans. À l’inverse, de nombreux longs-métrages de fiction représentent l’amour physique de manière elliptique à l’instar des films des années 1950 soumis à la censure. Le cinéma peine à représenter les préliminaires mais aussi la jouissance, surtout féminine, qui apparaît souvent de manière caricaturale. Ainsi les représentations cinématographiques de la sexualité sont encore trop souvent archaïques. Cette étude embrasse tout le cinéma français de l’après-guerre jusqu’à nos jours. Elle porte une attention particulière aux films qui ont fait scandale, et dont elle analyse la réception critique, ainsi qu’à quelques stars, symptômes de l’érotisation des sociétés occidentales modernes.

La critique de cinéma en France est-elle une espèce en voie de disparition ? Certains s'en réjouiraient qui rêvent d'une société du spectacle où le lancement des films serait assuré exclusivement par les émissions promotionnelles à la télévision, les reportages de tournages, les entretiens et les articles de complaisance. D'autres le regretteraient, sachant que la critique, si elle n'a pas, le plus souvent, une influence immédiate, joue un rôle de découvreur, impose peu à peu des noms qui, s'ils viennent des marges de l'industrie, de pays lointains ou de cinématographies économiquement modestes, n'en ont pas moins contribué de manière décisive à l'histoire du septième art. Ce livre vient donc à son heure. Pour la première fois il retrace l'évolution de la critique de cinéma en France depuis ses débuts à l'orée des années 1920 jusqu'au temps présent. Il offre aussi des textes majeurs de réflexion sur la critique ainsi que quarante-cinq exercices pratiques où, de Delluc à Truffaut, d'Audiberti à Bory, de Bazin à Sadoul, de Benayoun à Daney, on voit combien la passion, l'intuition et l'intelligence peuvent éclairer à chaud des œuvres aussi diverses que Pierrot le fou, Le Roman d'un tricheur, Amarcord, L'Année dernière à Marienbad, Fenêtre sur cour, Les Fraises sauvages, Allemagne année zéro ou Les Ailes du désir. Enfin un dictionnaire recense plus de trois cents critiques avec des notices bio-bibliographiques aussi complètes que possible. Fruit d'un travail collectif, cet ouvrage, sans équivalent dans le monde, est une contribution majeure à l'histoire des idées et des sensibilités.

Pathé Frères, bien qu’exerçant une position oligopolistique sur la production mondiale de films avant 1914 est, aujourd’hui encore, une firme fort mal connue. Ce volume présente l’état des recherches sur le sujet, à travers trente-quatre études menées par des chercheurs de douze nationalités différentes qui analysent la distribution des films Pathé dans autant de pays. Elles ont été regroupées selon l’approche économique et commerciale, institutionnelle, langagière ou esthétique.

La francophonie est, partout dans le monde, caractérisée par le contact du français avec d’autres langues. Cet ouvrage présente un aspect particulier de cette rencontre des langues, à savoir la mixité langagière du cinéma francophone. À partir de l’analyse d’un corpus de plus de cent films, nous nous proposons de montrer comment cet hétérolinguisme cinématographique est propre à véhiculer un contenu historique et culturel riche en significations. Une attention particulière est portée à la confrontation entre le francais et l’anglais au Québec, à la fonction de la langue de l’ancien colonisateur face aux langues africaines en Afrique subsharienne après les indépendances, et au rapport entre le français et l’arabe dans des films de fiction sur la guerre d’Algérie.