Études cinématographiques
Cinema Studies - This selection of reference works includes dictionaries, several textbooks and many authoritative essays: about all the periods from silent film to contemporary movies, and about European cinematography (French, British, Italian) or North American, Brazilian, Russian and Asian ones. This set reflects the diversity of French research approaches: economic, ideological, “star studies”, aesthetic and the main film genres.
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« Verdun, un événement » ? Qui en douterait ?
Cet ouvrage amène le lecteur sur le champ des usages cinématographiques de l’Histoire. Écriture filmique, le cinéma de la bataille de Verdun a pris forme dès l’affrontement de 1916 – année des premières autorisations de tournage de l’Armée française sur le front. Les premières images animées sont donc issues des films militaires.
Avec la fin de la Grande Guerre, le cinéma de fiction prend le relai du Service Cinématographique de l’Armée, ouvrant un nouveau chapitre.
Dans Verdun tel que le poilu l’a vécu (1927), Le Film du poilu (1928) ou l’imposant Verdun visions d’histoire (1928), la bataille s’expose alors dans les récits filmés, mêlant archives et documents de fiction.
L’auteur met ainsi en évidence la rencontre problématique entre histoire officieuse et officielle, témoignage et mythe, récit factuel et événement mémoriel. S’appuyant sur les thèses de Georges Duby, Paul Ricœur ou Michel de Certeau, il fait la lumière sur ces productions filmiques des années 1920 jusqu’au début du XXIe siècle, chez Léon Poirier, Abel Gance, Jean Renoir, Bertrand Tavernier ou Yves Boisset notamment.
En 2016, cent ans après le début des hostilités dans les Hauts de Meuse, alors que l’événement semble avoir déserté les écrans de cinéma, Verdun ressurgit au gré d’un dialogue de film… Signe que la bataille, et son inscription dans l’imaginaire cinématographique français, n’a peut-être pas tout à fait comblé les tranchées de la mémoire.
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Comment est née la série la plus culte des années 1990 ? Que sont devenus les lieux mythiques du tournage ? De quel sordide fait divers s'inspire le meurtre de Laura Palmer ? À quoi ressemble la méthode David Lynch ?
Pour répondre à ces questions, il fallait bien plusieurs voyages. Dans les environs de Seattle, où débuta le tournage de la série, à la rencontre des fans et des habitants ; quelques milliers de kilomètres plus au sud, à Los Angeles, où les principaux concepteurs du show racontent l'aventure de l'intérieur ; mais aussi dans la vraie ville de Twin Peaks, dont les mystères n'ont rien à envier à ceux de la série.
Voyages à Twin Peaks tient à la fois du récit de tournage, du décryptage d'un phénomène culturel hors norme, et du reportage au coeur d'une Amérique fantasmée, au plus près de l'ambiance et des intrigues de la série.
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En cinquante ans et bientôt soixante-dix films, Werner Herzog a battu mille records et échappé autant de fois à la mort. Il est le seul cinéaste de l’histoire à avoir tourné sur les sept continents. Signes de vie et Grizzly Man, Aguirre, la colère de Dieu et Bad Lieutenant : Escale à La Nouvelle-Orléans : l’immensité de son œuvre éclaire le cinéma moderne. De préhistoires en apocalypses, de traversées du désert en retours triomphaux, l’itinéraire qu’il a tracé est unique. Comment ressaisir celui-ci dans sa totalité ? Et comment épouser les continuités et les évolutions du voyant, de l’écrivain, du marcheur que Herzog est aussi ? En allant non pas film à film mais période par période, idée par idée : pas à pas.
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Que faire en 1972 quand on débute dans le cinéma à New York, au moment où l'industrie pornographique domine la production locale, et qu'on reste marqué par son éducation puritaine ? Un film d'horreur, littéral et naturaliste, à l'opposé de tout ce qui se fait à Hollywood : La Dernière Maison sur la gauche.
Que faire ensuite, quand on décide de travailler pour l'industrie hollywoodienne ? Ce que font parfois les étrangers quand ils veulent s'intégrer : donner des gages, faire profil bas, en attendant qu'une occasion se présente pour réaliser Les Griffes de la nuit ou Scream — des films, ironiques, romantiques, grâce auxquels Wes Craven a pu concilier ses propres exigences avec l'horreur ludique, en vogue à Hollywood dans les années 1980-1990.
Ce livre interroge l'évolution du cinéma horrifique à travers les films et le parcours d'un de ses plus grands maîtres.
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On continue de réaliser des westerns aux États-Unis, moins que par le passé et plus pour la télévision que pour le cinéma : le genre est toujours présent et non pas mort comme on a bien voulu le dire. Non seulement on réalise toujours des westerns au début du XXIe siècle, mais la production qui est d'une autre nature que celle du passé est passionnante. Pour toutes ces raisons et aussi parce que le western paradoxalement est aujourd'hui mal connu en France (peu d'ouvrages ont été publiés sur le sujet ces vingt dernières années), il a paru nécessaire d'y revenir pour rappeler le passé – tout le passé – et mettre en avant le présent. Le western ne se limite pas à quelques grandes figures disparues (acteurs, réalisateurs…) ni d'ailleurs à l'épisode somme toute bref du western italien, ce pourquoi les auteurs se préoccupent essentiellement du western américain.
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Du haut des 40 films réalisés par Youssef Chahine en 50 ans de carrière, c’est l’histoire mouvementée du 20ème siècle qui nous contemple. A la différence - fondamentale - que le plus connu des cinéastes égyptiens voyait le monde depuis le phare d’Alexandrie. Et le Monde apparaît sensiblement différent quand la Gare Centrale du Caire devient soudain son centre de gravité. Originaire de la région du globe la plus malmenée par l’histoire durant le siècle dernier, Chahine n’a jamais désespéré du genre humain pour autant. Progressiste et joyeux, son cinéma a épousé tous les genres (comédie musicale, drame social, fresque historique, film intimiste) pour nous entraîner dans les mondes disparus et les paradis perdus qu’a connu ce levantin né en 1926 et mort en 2008 - chez lui en Egypte.
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En 2016, le succès public et critique rencontré par Elle a remis Paul Verhoeven sur le devant de la scène internationale. Le cinéaste néerlandais raconte son parcours dans cet entretien exhaustif réalisé chez lui, à La Haye. Il évoque ses controverses et ses succès, Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone et Isabelle Huppert, la Hollande et Hollywood, le triomphe de Basic Instinct et l'échec de Showgirls, la liberté de Starship Troopers et la vitesse de Black Book... Il revient sur ce qui le lie aux femmes - plus qu'aux hommes -, sur sa passion pour Jésus et pour Jean Moulin, ainsi que sur ses nombreux projets de films. Cet entretien est précédé d'un essai d'Emmanuel Burdeau portant sur l'ensemble de l'œuvre de Paul Verhoeven.
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« Le cinéma français vit de ses comédies et récompense ses drames », déplorait Coluche lors d'une remise des Césars. Jean Durand (1882-1946) en a fait, à son époque, la triste expérience. Après avoir tenu le haut de l'affiche dans les années 1910 avec la réalisation de séries burlesques à succès – Calino, Zigoto, Onésime –, le cinéaste est passé sans appel à la trappe de l'histoire du cinéma. Francis Lacassin était sans doute le chercheur français le mieux habilité pour remettre dans la lumière la pléthorique carrière de Jean Durand – plus de 230 films en vingt et un ans, réalisés pour le compte des plus grandes sociétés de production françaises : Pathé (1908), Lux (1908-1909), Gaumont (1911-1914), puis Nalpas (1919-1920) et diverses autres (1921-1929). Le mieux habilité pour éclairer la genèse de ses films car Lacassin a procédé, avec un soin d'entomologiste et pendant plus de quarante ans, à une patiente collecte des sources premières. Son À la recherche de Jean Durand vient redonner à ce précurseur inventif sa juste place dans l'histoire du cinéma : celle de troisième grand cinéaste de la Maison Gaumont, après Louis Feuillade et Léonce Perret.
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Les chefs opérateurs traduisent le récit en images. Ils contrôlent le cadre et les mouvements de caméra. Ils inventent ou domestiquent la lumière et s’en servent moins comme un pinceau que comme un stylo : c’est l’étymologie même du mot « photographie ». Leur statut est paradoxal. Ce sont des créateurs, mais pas des auteurs. Ce sont des artistes, mais pas des interprètes. Ce sont des « chefs » qui souvent prennent leurs décisions en toute autonomie sur le plateau, mais aussi les « serviteurs » d’un projet derrière lequel leur ego doit s’effacer.
Cet ouvrage explore les secrets d’une profession et révèle la diversité des parcours. Il évoque l'alchimie des collaborations derrière la beauté et la cohérence des images en mouvement qui définissent le cinéma (« motion pictures » disent les Anglo-Saxons), ce septième art que les Chinois ont baptisé, de façon inspirée, « les ombres électriques ».
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Comment écrire pour le cinéma ? S’il s’agit toujours de raconter des histoires, l’écriture d’un scénario ne s’envisage pas comme celle d’un roman, car, dès le départ, « l’image animée » et la bande-son en sont des éléments constitutifs. C’est ce passage du sujet au synopsis, du traitement à la continuité dialoguée, puis au découpage technique voire au story-board, que dévoilent scénaristes et cinéastes. Ceux-ci deviennent, par ces truchements successifs, les auteurs d’un film. Peut-on écrire à plusieurs ? Comment scénaristes, réalisateurs et producteurs dialoguent-ils ensemble ? Y a-t-il une « nouvelle écriture » du scénario au tournage, puis au montage ? Ces questions sont au cœur de cet ouvrage, qui aborde l’écriture filmique comme un tout organique.
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