Études cinématographiques

« Je sais que c’est dangereux. Mais c’est ce qui en fait un bon sujet. » En ce 6 avril 1970, non loin de Phnom Penh, Sean Flynn tente de convaincre son ami Dana Stone d’emprunter la Route 1, où un barrage a été établi par les Viêt-cong. Ils sont tous deux reporters-photographes, et Flynn veut absolument se rendre « de l’autre côté » pour en revenir avec un reportage en or. Mais ce jour-là, les deux hommes seront faits prisonniers et ne reviendront jamais. Ainsi s’est terminée l’existence mouvementée de Sean Flynn, âgé de trente ans. Fils de la star hollywoodienne Errol Flynn, qu’il a finalement peu connue, il a tenté de marcher sur ses traces en tournant quelques films de série B en Europe, avant de se faire un nom en vivant la véritable aventure. Il chasse le tigre au Pakistan, devient guide de safari en Tanzanie, puis part en 1966 comme photographe de Paris Match au Vietnam, « le seul endroit au monde où il se passe quelque chose ». Sean Flynn, l’instinct de l’aventure raconte l’incroyable et tragique destin d’un homme, né à Hollywood dans un milieu ultra-protégé, qui prend en main son existence et finit exécuté par les Khmers rouges.

Cannes, 1989. Steven Soderbergh reçoit la Palme d’or à Cannes pour son premier long-métrage, Sexe, mensonges et vidéo. Trente-cinq films et quatre saisons de séries plus tard, il est devenu une figure incontournable de l’audiovisuel américain. Prolifique, audacieux, Soderbergh brouille les pistes, enchaînant blockbusters (la trilogie des Ocean’s, Erin Brockovich, Contagion…) et films intimes (Bubble, Girlfriend Experience…). Il est à l’avant-garde des essais techniques en matière de captation numérique et des innovations économiques pour la production et la diffusion des films. Réalisateur, chef opérateur, cadreur, monteur, producteur et parfois scénariste, il redéfinit les processus de fabrication d’une œuvre. Steven Soderbergh, anatomie des fluides brosse un portrait de l’artiste et capture les thématiques qui traversent sa carrière. Explorant le temps, les espaces et les corps, Soderbergh est un observateur du monde contemporain et des mécanismes qui le régissent.

Ours d’or à Berlin en 1998 pour La ligne rouge et Palme d’or à Cannes en 2011 pour The Tree of Life, « Le plus mystérieux des cinéastes américains » réalise des films à la fois singuliers et très ancrés dans l’imaginaire américain. Après une carrière hors du commun, Malick devient aujourd’hui, à plus de 70 ans, un frénétique de travail, réalisant plusieurs projets à la fois. Accompagné de grandes stars hollywoodiennes – de Richard Gere à Ben Affleck, en passant par Sean Penn et Brad Pitt –, il façonne des tableaux impresionnistes sur la solitude, l’incommunicabilité, le deuil et l’espoir. Qu’est-ce qui fait la spécificité du cinéma malickien ? En quoi le territoire américain inspire sa puissance visuelle, ses thématiques, ses légendes, sa morale ? C’est ce à quoi l’ouvrage « Terrence Malick et l’Amérique » tente de répondre. À la fois essai de vulgarisation et analyse thématique, il offre de nouvelles perceptives pour appréhender le cinéma de Malick. Il est surtout le premier ouvrage francophone à traiter de l’intégralité de sa filmographie et permet ainsi une étude transversale unique. Terrence Malick, c’est la recherche constante de la beauté transcendantale du monde et de l’esprit. Comment filmer cela ? La mise en sourdine de la violence, la sacralisation des corps ou encore le déracinement sont autant de pistes abordées tout au long de cet essai, dans une langue simple et accessible.

Vingt ans après la sortie de son pilote, The Wire reste sans aucun doute la plus grande fresque politique et criminelle de l’Amérique moderne. Avec cet ouvrage à la fois très renseigné et agréable à lire, illustré de dessins percutants qui réinventent l’univers de la série, les journalistes du magazine Sofilm vous emmènent faire un tour à Baltimore, à la recherche d'Omar, de McNulty et tous les autres. Voilà le guide ultime pour se replonger dans les racines de la corruption et du trafic de drogue, aux origines du chef-d'œuvre de David Simon.

À eux deux, les frères Ridley et Tony Scott possèdent une filmographie regroupant plus d’une quarantaine de longs métrages. Malgré une complicité certaine et des parcours similaires – des beaux-arts au cinéma en passant par la publicité –, ils n’ont jamais travaillé ensemble. Tout semble les opposer : le premier est un démiurge à la tête de grandes fresques historiques ou d’odyssées SF, le second, un auteur de films d’action frénétiques et musclés. Pourtant, se dessine en filigrane au sein de leurs œuvres une approche commune, celle de films mondes dans lesquels l’humain est au cœur des systèmes politiques qu’il combat. De Blade Runner à Man on Fire, de Thelma et Louise à True Romance, d’un frère à l’autre, c’est toute une vision du cinéma qui se construit peu à peu. Tony et Ridley Scott, frères d’armes montre comment les deux réalisateurs ont revisité, chacun à leur façon, les genres cinématographiques, tout en remettant en question les codes établis, poursuivant la même obsession.

Le parcours de Cousteau est éblouissant. En une vie d’homme, il sut être militaire, marin, cinéaste, écrivain, ingénieur, aventurier, explorateur, chantre de l’écologie, académicien, et humaniste. Ce livre invite à un voyage dans les bulles du cinéaste Cousteau, à une enquête sur les inventions clés de cet ingénieur des profondeurs marines, à un éclairage sur les grandes idées proposées à ses contemporains, et met en lumière la dimension artistique de son œuvre. Il raconte les coulisses des tournages, décrit les avancées techniques, les moyens mis en œuvre, nous fait revivre une aventure humaine extraordinaire, porteuse de rêves pour plusieurs générations de spectateurs, qui découvraient, devant leur écran de télévision, le grand Atlas marin de la planète. Après Cousteau, 20 000 rêves sous les mers, résumé du présent livre, Un cinéaste nommé Cousteau tente le pari de réconcilier la précision scrupuleuse et la passion exacerbée, espérant toucher à la fois le féru d’histoire, le cinéphile curieux, et le rêveur impénitent. Franck Machu, ingénieur en génie marin, plongeur, s’est nourri depuis l’enfance des images et du message de la grande épopée Cousteau. Son travail repose sur une copieuse documentation, le témoignage des acteurs, cinéastes, opérateurs, plongeurs, techniciens...

C’était d’abord un choix pratique : personne ne voulait produire leurs films. Alors Hayao Miyazaki et Isao Takahata, aidés de Toshio Suzuki, ont fondé ensemble le studio Ghibli. Depuis, ils ont enchaîné les succès, de Princesse Mononoké à Pompoko, du Tombeau des lucioles au Voyage de Chihiro. Leurs personnages, comme Totoro et Porco Rosso, sont devenus emblématiques, et les œuvres du studio ont marqué des générations entières de fans à travers le monde, comme si Ghibli était un équivalent japonais de Disney. Bien plus qu’une marque et au-delà d’une simple usine à rêves, Ghibli offre avant tout une vision d’un monde idéal, fondé sur l’écologie, le féminisme, l’ingénierie et les croyances magiques. Un monde parfait selon Ghibli explore les histoires créées par le studio, les décortique, en les mettant en perspective avec la carrière de leurs créateurs, avec en toile de fond une question lancinante : Ghibli survivra-t-il à la retraite de ses fondateurs ?

Né en France sous sa forme la plus rudimentaire avec les opérateurs Lumière, le documentaire a acquis ses lettres de noblesse hors de France avec Robert Flaherty aux États-Unis. Dziga Vertov en Union soviétique et John Grierson en Grande-Bretagne.Pour sa part, le documentaire français s'est construit sous l'influence des techniques et des climats historiques, chaque décennie apportant sa contribution et ajoutant des genres nouveaux. Les foyers les plus productifs ont été la Nouvelle vague documentaire au moment de la transition du muet au parlant, un instant de création cosmopolite entre populisme et avant-garde ; l'effervescence de l'après-guerre, surtout dans le court-métrage ; la révolution du direct en liaison avec Montréal et Paris dans les années 1960 ; l'exploration de la mémoire vivante et le cinéma militant des années 1970 ; puis, grâce à la vitalité de la production au cours des années 1980, l'explosion du documentaire « de création», qui contribue à faire de la France un pays d'accueil pour les documentaristes du monde entier.Le documentaire contemporain est très loin du documentaire des origines, renouvelant sans cesse les hypothèses de départ. Un cinéma à part entière, français par le label, mais riche de rencontres multiples, européennes et américaines.Guy Gauthier, ancien rédacteur à Image et son, à La Revue du cinéma au Mensuel du cinéma et à CinémAction, est l'auteur de plusieurs monographies sur Andreï Tarkovski (1989), René Allio (1993) et Chris Marker (2001). Il a publié, en 1997, une étude stimulante sur le cinéma documentaire intitulée Le Documentaire, un autre cinéma.Documentaire : le mot et la chose. Premières années : les tâtonnements (1895-1920). Années folles : avant-garde et populisme (1920-1930). Les temps difficiles (1930-1945). Le triomphe du court-métrage (1945-1960). Le temps du direct (1960-1970). De nouvelles terres en vue (1970-1985). Le réel en quête d'auteurs : repères (1985 et après).

Cette anthologie d’entretiens avec trente cinéastes américains, des plus célèbres à ceux qui méritent d’être découverts, couvre plus de quarante ans, période d’une véritable renaissance après l’effondrement du système des studios. Dans les années 1970, les films de Coppola, Scorsese, Cimino, Lucas, Rafelson, bousculent par leur nouveauté le classicisme hollywoodien. Puis, les postmodernes des années 1980, David Lynch, les frères Coen, Soderberg, Tim Burton suivis de Tarantino, se démarquent encore plus de la tradition. Aujourd’hui, les artisans du renouveau doivent batailler ferme pour imposer leur vision dans un contexte devenu conservateur. Les réalisateurs se confient à Michel Ciment en autant de propos révélateurs sur leur vie, le style de leurs films, leur méthode de travail. Ils peuvent évoquer aussi bien la guerre du Viêt-nam (Cimino, Coppola, Kubrick, Stone) que le rôle du Festival de Sundance dans l’émergence d’un nouveau cinéma, tel comédien qu’ils sont plusieurs à avoir dirigé, ou encore les nouvelles technologies. Ainsi, des fils se croisent, des témoignages se font écho, qu’un riche index permet de retrouver, éclairant l’étonnante richesse du cinéma outre-Atlantique.

En 1940, Veit Harlan réalise Le Juif Süss, qui met en scène un personnage de Juif arriviste dans l’Allemagne de la première moitié du XVIIe siècle. Le film devint immensément célèbre, mais jamais son cinéaste n’accepta d’assumer sa responsabilité dans la stigmatisation des Juifs par le régime nazi. À cela, il a toujours préféré se retrancher derrière l’excuse des menaces que Goebbels aurait proférées à son encontre s’il refusait de réaliser le film. En 2010, peu de temps avant sa mort, Thomas Harlan dicte ce texte, dans lequel il cherche à comprendre pour- quoi son père n’a jamais reconnu sa faute, mais aussi à se réconcilier avec lui, fût-ce à titre posthume. Thomas Harlan dénonce aussi, dans ce récit d’impossible réconciliation, l’hypocrisie d’une société allemande d’après-guerre qui cherche à se défausser de toute responsabilité individuelle en désignant des boucs émissaires. Unanimement salué lors de sa parution en Allemagne, ce texte bouleversant est à la fois un témoignage historique, un récit autobiographique et une nouvelle « Lettre au père ». Un père contre lequel il n’a cessé de se révolter. L’ouvrage est accompagné d’un ensemble de notes et d’annexes retraçant notamment la genèse et la réception du Juif Süss, ainsi que l’histoire des deux procès de Veit Harlan après la guerre.