Études cinématographiques

Comme toutes les autres, elle a modifié son physique pour plaire à Hollywood et joué le jeu des prétendues rivalités entre actrices. Comme toutes les autres, elle avait des jambes magnifiques et un regard de vamp à faire fondre les cœurs. Comme les autres, sa vie sentimentale était aussi incroyable que dissolue. Pourtant, Marlene demeure unique. La parfaite création cinématographique. Un mythe, dira-t-on. Car le secret de Dietrich, ce qui la différencie des autres, c’est sa voix grave inimitable. Suave et cajoleuse. Celle-ci n’est pas la plus belle ni la plus puissante. Mais la star saura l’utiliser mieux que quiconque pour envoûter le public, se construire une carrière à l’épreuve du temps et vivre quelques aventures rocambolesques.

Cinquante ans de carrière, 25 longs-métrages – récompensés par 20 Oscars et une Palme d’or – et 10 documentaires, vingt Oscars et une Palme d’or : Martin Scorsese est l’un des cinéastes-phares du cinéma moderne. Lui qui un jour confia « je suis les films que je fais » s’est raconté tout au long de son œuvre, riche et multiforme, au travers de chefs-d’œuvre comme Mean Streets, Taxi Driver, Raging Bull, Les Affranchis, Casino, Les Infiltrés, Le Loup de Wall Street ou encore The Irishman. De nombreux ouvrages ont été publiés sur son travail, essentiellement des essais et quelques livres d’entretiens. Voici enfin la première biographie du cinéaste. Ce livre nous plonge au cœur de la vie de Scorsese, une vie palpitante faite de hauts et de bas, d’excès en tous genres, de rencontres heureuses et d’amours malheureux. Une vie à cent à l’heure, celle d’un gamin de Little Italy à la santé fragile mais des rêves hollywoodiens plein les yeux, nourri de culture religieuse et de musique rock, qui n’aura eu de cesse d’exorciser dans son œuvre ses névroses, liées à ses origines modestes de petit-fils d’immigrés. Au-delà, à travers la vie de Scorsese, c’est soixante-quinze ans d’histoire du cinéma américain que retrace l’auteur, de la fin du studio system à l’avènement du cinéma numérique et de Netflix, en passant par les tonitruantes années « sexe, drogue et rock’n’roll » du Nouvel Hollywood.

« Quiconque s’intéresse de près ou de loin à la comédie ou à l’humanité devrait lire ce livre. Il est hilarant, instructif, et présente des entretiens éclairés avec les plus grands comiques, acteurs et actrices comiques de notre époque. Mon agent m’assure que je figurerai dans la prochaine édition. » Will Ferrell. Cet ouvrage regroupe pour la première fois les entretiens avec les plus grands noms de la comédie américaine menés par Judd Apatow : Jerry Seinfled, Adam Sandler, Amy Schumer, Chris Rock, l’équipe de Freaks and Geeks, Harold Ramis, James L. Brooks, Jim Carrey, Jon Stewart, Lena Dunham, Leslie Mann, Louis C. K., Mel Brooks, Mike Nichols, Sarah Silverman, Seth Rogen, Spike Jonze, Stephen Colbert, Steve Martin…

Avril 2010. Le cinéaste américain Michael Cimino – Voyage au bout de l’enfer (1978), La Porte du Paradis (1980), L’Année du dragon (1985), Le Sicilien (1987)… – accepte une rencontre à Los Angeles avec le critique de cinéma Jean-Baptiste Thoret. Lors de cet entretien, le réalisateur lui propose alors un voyage à la recherche de « son Ouest ». Partir sur la route avec Michael Cimino, c’est se lancer dans un road movie de 2500 miles, de Los Angeles aux Rocky Moutains du Colorado, à travers les collines pelées du désert Mojave, Las Vegas, les ocres des buttes du Nevada, les premières neiges du Colorado et les stations-services perdues au creux de l’Americana… Cimino évoque dans ce livre unique ses débuts de cinéaste, sa passion de l’architecture, son amour de Ford, réagit aux lieux traversés, revient sur ses films, mais aussi ses projets avortés, ces nombreux scénarios écrits, puis ce silence que lui impose depuis quinze ans l’industrie hollywoodienne…

La musique au cinéma semble en pleine phase de mutation, et les questions qu’elle soulève passionnent autant les cinéphiles que les mélomanes : doit-on préférer les partitions originales ou les musiques préexistantes ? des chansons pour commenter l’action ou des scores pour se fondre dans les images ? comment a évolué la musique filmée, qu’en est-il de ses succès et de ses impasses, de ses conventions et de ses audaces ? Pour y répondre, cet ouvrage a convoqué des spécialistes internationaux. Chercheurs infatigables, mais aussi amateurs passionnés, ils ouvrent de nouvelles perspectives en interrogeant les œuvres elles-mêmes, anciennes ou récentes, pour qu’elles révèlent leurs secrets et leurs trésors. Du cinéma populaire américain et de l’industrie bollywoodienne, jusqu’aux exemples plus cinéphiliques de Leos Carax ou de Pedro Almodóvar, du rock à la musique dite minimaliste, en passant par les œuvres fondatrices de Nino Rota ou d’Elvis Presley, ce panorama se veut à la fois éclectique et subjectif, tout en faisant profondément avancer la réflexion sur le sujet. Ces recherches sont complétées par une fructueuse discussion où interviennent des professionnels français, sur l’évolution actuelle de la musique pour l’écran.

Le Président, Z, Mourir d'aimer, Emmanuelle, L'Aile ou la Cuisse, Pour la peau d'un flic, Le Professionnel, Le Bon Plaisir, Les Ripoux, Tchao Pantin, L 627, Une époque formidable, Marius et Jeannette… La plupart des Français connaissent ces succès du box-office. Ces films ont une portée politique, et, s'ils ne sont pas tous des chefs-d'œuvre et expriment rarement une doctrine claire et affirmée, ils véhiculent cependant des représentations dominantes de la société, de ses jeux et enjeux de pouvoir. Le projet de cet ouvrage est de tracer une histoire de l'imaginaire politique des Français, du début des années 1960 au début des années 2000. En quarante ans, on est passé des certitudes aux doutes, d'une société hiérarchisée à une société désorganisée, en quête de nouveaux modèles. Les héros de l'ère gaullienne (Gabin, de Funès) ont été remplacés par de nouvelles stars (Belmondo, Delon) qui à leur tour ont connu le déclin avec l'ascension de nouvelles figures (Coluche, Depardieu). C'est l'histoire de ces mutations dont on tentera ici de poser les jalons.

Qu’y a-t-il de commun entre un manuscrit médiéval, Les Ménines de Velázquez, le Cameraman de Buster Keaton et On connaît la chanson d’Alain Resnais ? Réponse : la présence d’images inattendues, « enchâssées », telles une porte ouverte au fond de la pièce dans le tableau du maître espagnol, la queue d’un faisan pris au piège débordant largement du cadre d’une enluminure du XIVe siècle, la présence incongrue d’un navire de guerre dans les rues de New York chez Buster Keaton, des méduses mobiles en surimpression à la fin du film de Resnais. Dispositifs et procédés aujourd’hui banalisés au cinéma et en vidéo, les « images dans l’image » susceptibles, depuis des siècles, aussi bien d’intriguer que de passer presque inaperçues auprès du spectateur, sont loin d’être innocentes. Sous l’oeil attentif de Vincent Amiel, ces « images-secondes » insérées dans une image-englobante, injustement délaissées parfois par les esthéticiens du cinéma, acquièrent un véritable statut théorique qui n’est pas celui d’une simple mise en abyme figée. Les images enchâssées demandent à être vues et pensées au moment où elles deviennent images, dans l’instant de leur naissance, comme des figures cachées mais dynamiques qui, comme le souligne Amiel, « s’affirment comme monde et comme représentation ».

Nosferatu, c’est d’abord l’autre nom de Dracula, celui que Murnau a utilisé pour son film Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, chef-d’oeuvre du cinéma muet expressionniste allemand, terrorisant les écrans du monde entier dès 1922. Mais Nosferatu est aussi un autre personnage, démarqué de la brutalité esthétique un peu kitsch de la création originale par une finesse savante et mélancolique. Si ces deux versants de la figure du vampire ont cristallisé quelques-unes des angoisses les plus fondamentales de la nature humaine (la peur de mourir, mais aussi et surtout la peur et le désir de l’autre, jusqu’à boire sa vie), ils l’ont fait sous des poétiques différentes et contrastées. Il s’agit peut-être aujourd’hui, pour mieux les comprendre, de les opposer : Nosferatu contre Dracula ?

Cinquante ans après la mort de Yasujirô Ozu, ses films paraissent toujours actuels. Gosses de Tokyo, Printemps tardif, Le Goût du saké continuent de surprendre, d’intriguer, d’inspirer leurs spectateurs. Cet ouvrage tente de découvrir les différentes formes de présence du cinéma d’Ozu dans la création et la pensée contemporaines. Il était donc naturel de faire appel à des spécialistes, appartenant à des générations différentes et qui viennent d’horizons proches ou lointains, du Japon aux États-Unis en passant par l’Europe, pour arpenter cette voie nouvelle. Avec des approches variées, ces universitaires, critiques et artistes, tous amateurs du cinéaste de Voyage à Tokyo, éclairent la singularité de ses œuvres et la nature de leur rayonnement. Ils nous invitent à emprunter des chemins de traverse pour dessiner les contours d’un territoire ozuien. Tout d’abord en précisant l’évidence des hommages – rendus par Wim Wenders, Hou Hsiao-Hsien, Pedro Costa, Claire Denis, Abbas Kiarostami, et Víctor Erice – qui font écho à la joyeuse sobriété du maître japonais. Ensuite, des résonances plus imprévues sont proposées du côté de Chantal Akerman, Takeshi Kitano, Terrence Malick, Hong Sang-Soo, Gus Van Sant, Alain Resnais, ou Kiyoshi Kurosawa… L’exigence formelle et la liberté de ton de ces cinéastes renouvellent les formes d’expressions chères à Ozu, comme la présence dans l’absence, la durée prolongée, le flottement du point de vue, la répétition narrative. Encore de nos jours, son art reste au cœur de la réflexion sur la modernité cinématographique, philosophique ou culturelle. D’ailleurs, au terme de cet essai consacré à l’importance actuelle de Yasujirô Ozu, les femmes auront le dernier mot.

Étude parallèle de la vie et de la carrière des deux plus grands « monstres sacrés » du cinéma américain actuel. Ce beau livre abondamment illustré comblera les fans des deux acteurs tout en offrant un panorama impressionnant d'intelligence et de clarté du meilleur cinéma hollywoodien, de Scorsese, De Palma et Coppola à Michael Mann. Al Pacino et Robert De Niro sont emblématiques à la fois d'une manière de jouer et d'une manière d'être. Leurs vies privées agitées et leurs carrières prestigieuses offrent de nombreux points communs. Leurs techniques de travail sont pratiquement identiques. La tête inclinée, les regards furtivement jetés sur le côté, ils portent une grande attention à l'écoute, ont la démarche animale, un même penchant pour les compositions spectaculaires et les coups de gueule. Mafieux ou policiers, ils sont victimes de l'aliénation urbaine, de la violence, de la corruption. Leurs personnages oscillent entre solitude et survie, amitiés viriles et quêtes impossibles. Ces deux acteurs de génie, héritiers directs de Clift, Brando et Dean sont devenus à leur tour le reflet de notre temps. Date de première édition : 2000.