Études cinématographiques

Dans la France occupée, le genre documentaire compta parmi les instruments de propagande récupérés par le gouvernement de Vichy, les collaborationnistes et l'occupant nazi. Une guerre de propagandes par images interposées s'installe dès juin 1940. Censées refléter la réalité, ces images renvoient aux luttes d'influence entre les protagonistes. Elles relèvent de styles bien spécifiques selon les visées de chacun. À partir de 178 documentaires restaurés par les Archives françaises du film, l'historien Jean-Pierre Bertin-Maghit analyse ces propagandes sous l'Occupation en nous invitant à les considérer comme le résultat d'une politique qui fut loin d'être homogène et figée de 1940 à 1944. Il n'a pas hésité, chaque fois qu'il était nécessaire à la compréhension du discours, à confronter ces documentaires aux autres formes de propagande par l'image, celle des actualités ou des affiches.

L'industrie du cinéma cache une mine de situations dramatiques ou comiques menant tout droit aux tribunaux. On y trouve pêle-mêle des escroqueries retentissantes, des plagiats, de la piraterie… sans parler des liaisons dangereuses avec le grand banditisme, des affaires de mœurs, de censures ou de blasphèmes. Voici pour la première fois un panorama historique et thématique de ces « coulisses » méconnues du cinéma. On y croise Claude Zidi et James Cameron, convaincus de plagiat ; Carole Laure, Maria Schneider et Marie-José Nat protégeant leur vie privée ; Claude Autant-Lara, Yves Boisset ou John Cassavetes défendant leur indépendance. L'auteur dévoile la noirceur des amateurs de lolitas, l'activité des mafiosos américains influents à Hollywood ou producteurs de films pornographiques. Des affaires retentissantes sont détaillées, comme celle de Traci Lords, hardeuse mineure. À toutes les époques du cinéma, plusieurs acteurs furent accusés de viol, comme Fatty Arbuckle et Errol Flynn ou encore Johnny Hallyday. Tous les trois ont été acquittés, mais d'autres furent convaincus de harcèlement. Ce livre ouvre aussi les dossiers dramatiques du snuff movie (mythe ou réalité des films présentant des mises à mort réelles) et de la disparition tragique du producteur Bernard Natan, victime de l'antisémitisme et de la rumeur. Tout un pan trop souvent méconnu du cinéma est ici révélé.

« Je vais entrer dans le détail de vos films et, si cela ne vous ennuie pas, j’aimerais bien vous pousser un peu, débusquer le puritain qui est en vous et m’inquiéter parfois : je ne voudrais vraiment pas que l’on prenne chez vous les tics pour le style, quand même votre influence, majeure et inévitable, perce dans tous les domaines contemporains où l’expression “direction artistique” est employée. »Ainsi s’adresse Marc Cerisuelo à Wes Anderson, dans le premier ouvrage en français consacré au réalisateur de La Famille Tenenbaum, La Vie aquatique et The Grand Budapest Hotel. De Musil à Salinger, de Bowie à Britten, de Bill Murray à Owen Wilson, cette lettre parcourt l’univers d’un grand créateur de forme du cinéma contemporain.

Tous les cinéphiles et les étudiants en cinéma rêvent de pouvoir dialoguer avec les plus grands réalisateurs d’aujourd’hui et de suivre au plus près leur travail de création. Trente-neuf cinéastes de toutes nationalités racontent ici leurs méthodes de travail pour le choix du sujet, l’écriture du scénario, le découpage, la direction des acteurs, les répétitions, l’improvisation, l’organisation du tournage... Répondant aux mêmes questions et se prêtant à l’exercice de la « leçon de cinéma », ils décrivent à l’aide d’exemples concrets leur façon de travailler au quotidien et nous permettent de comprendre en quoi des visions artistiques très différentes appellent des mises en œuvre tout aussi diverses. À la différence de bien des manuels professionnels, l’ouvrage ne livre donc pas de « recettes » toutes faites et prétendument universelles, mais révèle nombre de secrets de fabrication des « grands chefs », laissant entrevoir qu’en matière de création il n’y a pas de règles ou que tout au plus elles existent pour être transgressées. Date de première édition : 2004.

Cet ouvrage explore quatre cinématographies nationales (française, allemande, soviétique et chinoise) dans leur rapport au modèle américain de production durant la décennie décisive qui vit l’avènement du cinéma sonore (1925-1935). Les années 1925-1935 sont encore parfois considérées comme des « années obscures », traversées par des tensions contradictoires, des tâtonnements ; ce serait une « période d’essai » s’opposant à celle qui vit s’élaborer les cinémas classiques dominés par la standardisation. Réévaluant ce stéréotype, le propos de cet ouvrage est aussi de souligner comment, par-delà les bouleversements, les innovations et les tentatives d’adaptation à celles-ci que connurent diverses cinématographies mondiales, se dessinent des permanences et la réaffirmation de certaines normes. En abordant des questions aussi centrales que celles des transferts culturels, du « modèle » et de ses modalités d’appropriation, de l’acculturation, cet ensemble d’articles ouvre des perspectives importantes sur le plan méthodologique mais aussi épistémologique. Il nous montre surtout que, dès l’entre-deux-guerres, et particulièrement durant cette phase critique de transition, la cinématographie « loin d’Hollywood », de l’Europe à l’Asie, n’a pu faire autrement que de se situer face à Hollywood.

Le cinéma de Visconti a trop souvent été lu sous le prisme d'un classicisme décadentiste ayant succédé à ses films néoréalistes. Cet essai entend contester cette approche et réinterroger les créations du Visconti sous l'angle du motif du « trop tard », en abordant deux oeuvres en particulier, Les Damnés et le scénario Proust resté à l'état de fantôme. L'analyse des paradoxes et tensions de l'esthétique viscontienne, de la fonction qu'il impartit au cinéma mettra au jour sa problématique de l'Histoire, sa métaphysique de la mort et les promesses que recèle tout crépuscule.

Michael Mann est incontournable à Hollywood. Auteur de succès planétaires (Heat, Le Dernier des Mohicans), ses partis pris formels et thématiques, d’une singularité extrême, tranchent avec l’uniformité des productions actuelles. Son cinéma est total : souvent accessible et grand public, mais toujours traversé d’un sous-texte existentialiste ; le personnage « mannien », héros tragique éperdu de liberté, reste aliéné quoi qu’il fasse par une société avec laquelle il n’est pas en phase. Films d’époque, thrillers, histoires d’amour impossible… S’inspirer de codes et structures classiques tout en développant de nouvelles voies d’expression, pour composer un tableau de l’homme dans le monde : voilà qui pourrait constituer l’horizon de Michael Mann.

De son surgissement, incarné par Mel Gibson, à sa renaissance, portée par Tom Hardy et Charlize Theron, la saga Mad Max a traversé pied au plancher quatre décennies de cinéma. Peuplée de formes hybrides, elle se nourrit de mutations successives, passant du film fauché au spectacle total, du nihilisme à la fragile lueur d’espoir. Chacun des quatre films remet les compteurs à zéro et réinvente la saga. Pour nous alerter sur les catastrophes écologiques et sociales à venir, ils transforment les voitures en monstres. Elles consument les hommes, deviennent un prolongement de leurs chairs, un substitut de leurs âmes. Dopés à l’adrénaline, noircis par la hantise de la dévastation, les Mad Max soulignent l’influence destructrice des hommes sur le monde. Mad Max, au-delà de la radicalité est une plongée dans l’œuvre phare de George Miller, créateur lucide et ambitieux, qui espère prendre les hommes de vitesse pour ouvrir une voie vers un futur vivable.

On connaît mal l’œuvre de Marcel L’Herbier, cinéaste souvent taxé de maniériste par la critique et les historiens. Si on reconnaît sa participation à l’Avant-garde française des années 1920 aux côtés de Gance, Dulac, Delluc, Epstein, en revanche on néglige ou on ignore son abondante production ultérieure. Or si la place qu’occupe Marcel L’Herbier dans la « Première Vague » du cinéma français (1918-1929) est considérable, aussi bien aux plans de la théorie esthétique, des réalisations expérimentales, que des innovations dans les collaborations avec les autres arts : littérature, peinture, musique, architecture..., ses activités multiples des décennies suivantes se révèlent tout aussi importantes. Elles témoignent à divers titres des courants dominants en matière de genres, de thèmes et de partis pris formels. De même, son rôle de producteur, de défenseur de la profession cinématographique, son action à la tête de la Cinémathèque française, de l’IDHEC, ainsi que son implication dans l'émergence de la télévision après la Deuxième Guerre mondiale, en font incontestablement un personnage central de la cinématographie en France. Il était donc nécessaire de revenir aujourd’hui sur la longue et exceptionnelle carrière de Marcel L’Herbier. D’autant plus que la plupart de ses films sont désormais restaurés et visibles, et que subsiste une quantité très importante d’archives publiques et privées le concernant. Un tel réexamen supposait bien entendu d’éviter les défauts d’une étude purement biographique au profit d’analyses problématisées des différents aspects de son œuvre. C’est ce à quoi se sont attachés les contributeurs de ce livre. Dans la plupart des vingt-cinq articles ici rassemblés, une perspective historique a été privilégiée, mais d’autres approches engagent à une réflexion plus large en direction de l’esthétique du film. Ces textes, richement illustrés, correspondent aux communications faites lors du colloque international qui s’est tenu les 7 et 8 décembre 2006 à l’Université de Paris X-Nanterre et à la Bibliothèque nationale de France.

Voici enfin le premier livre consacré à l'ensemble de l’œuvre de Marco Ferreri (1928-1997), le portrait inédit d'un artiste culte, sulfureux et original. Cinéaste de l'absurde, critique de la société de consommation, Ferreri a vu sa réputation taillée par le scandale de La Grande Bouffe ; mais son cinéma radical accueille aussi les rôles les plus controversés des grands acteurs de son époque : Gérard Depardieu, Annie Girardot, Michel Piccoli, Catherine Deneuve et Marcello Mastroianni, sans oublier Ugo Tognazzi et d'autres figures incontournables de la culture italienne. Au-delà du scandale, de Rabelais à Camus, du néoréalisme italien au féminisme, du grotesque au sublime, ce livre permet d'approcher l'un des secrets les mieux gardés de la cinéphilie mondiale.